Минимализм (изобразительное искусство) - Minimalism (visual arts)

Смотрите также: Минимализм и Список художников-минималистов
Тони Смит, Бесплатная поездка, 1962, 6'8 × 6'8 × 6'8, музей современного искусства (Нью-Йорк)
Дональд Джадд, Без названия, 1991, Музей Израиля Художественный сад, Иерусалим

Минимализм описывает движения в различных формах искусства и дизайна, особенно Изобразительное искусство и Музыка, где работа направлена ​​на раскрытие сущности, основных моментов или идентичности предмета путем исключения всех несущественных форм, функций или концепций. Как особое направление в искусстве, оно отождествляется с развитием западного искусства после Второй мировой войны, в первую очередь с американским изобразительным искусством 1960-х - начала 1970-х годов. Выдающиеся художники, связанные с этим движением, включают Ад Рейнхардт, Тони Смит, Дональд Джадд, Джон Маккракен, Агнес Мартин, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Ларри Белл, Энн Труитт, Ив Кляйн и Фрэнк Стелла. Сами художники иногда выступали против этого лейбла из-за негативного значения упрощения работы.[1] Минимализм часто трактуется как реакция на абстрактный экспрессионизм и мост к постминимальный художественные практики.

Минимализм, минимализм в визуальном искусстве

Минимализм в визуальном искусстве, обычно называемый «минималистским искусством», буквалистское искусство [2] и ABC Art[3] возник в Нью-Йорке в начале 1960-х годов.[4] Первоначально минимальное искусство появилось в Нью-Йорке в 60-х годах, когда новые и старые художники двигались в направлении геометрическая абстракция; исследование через живопись в случаях Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Аль-Хельд, Эллсуорт Келли, Роберт Райман и другие; и скульптура в работах разных художников, в том числе Дэвид Смит, Энтони Каро, Тони Смит, Сол Левитт, Карл Андре, Дэн Флавин, Дональд Джадд и другие. Скульптура Джадда была продемонстрирована в 1964 году в Зеленая Галерея в Манхэттене, как и первые работы Флавина с люминесцентными лампами, в то время как другие ведущие галереи Манхэттена, такие как Галерея Лео Кастелли и Галерея темпа также начали выставлять художников, ориентированных на геометрическую абстракцию. Кроме того, были проведены две знаковые и влиятельные музейные выставки: Первичные конструкции: Молодая американская и британская скульптура » демонстрировался с 27 апреля по 12 июня 1966 г. Еврейский музей в Нью-Йорк, организованный куратором живописи и скульптуры музея Кинастоном МакШайном. [5][6] и Системная живопись, на Музей Соломона Р. Гуггенхайма куратор Лоуренс Аллоуэй также в 1966 г. геометрическая абстракция в мире американского искусства через формованный холст, цветное поле, и жесткая окраска.[7][8][9] После этих и некоторых других выставок движение искусства называется минимальное искусство появился.

История

Жан Метцингер, следуя скандальный успех создан из Кубист показ в 1911 году Салон независимых, в интервью Сириллу Бергеру, опубликованному в Париж-Журнал 29 мая 1911 г. заявил:

Мы, кубисты, только выполнили свой долг, создав новый ритм на благо человечества. За нами придут и другие, которые сделают то же самое. Что они найдут? В этом огромный секрет будущего. Кто знает, не станет ли когда-нибудь великий художник, презрительно взирающий на зачастую жестокую игру предполагаемых колористов и возвращающий семь цветов к изначальному белому единству, которое их все охватывает, не будет выставлять полностью белые холсты, на которых ничего, абсолютно ничего. . (Жан Метцингер, 29 мая 1911 г.)[10][11]

Фрэнк Стелла,Die Fahne Hoch!, 1959, Музей американского искусства Уитни

(Тогдашнее) дерзкое предсказание Метцингера о том, что художники воспримут абстракция до своего логического завершения, полностью отбросив репрезентативный предмет и вернувшись к тому, что Метцингер называет «изначальным белым единством», «полностью белый холст» будет реализован два года спустя. Автор сатирического манифеста, возможно Фрэнсис Пикабиа, в публикации под названием Evolution de l'art: Vers l'amorphisme, в Les Hommes du Jour (3 мая 1913 г.), возможно, имел в виду видение Метцингера, когда автор оправдывал чистые холсты аморфизма, говоря: «Нам достаточно света».[11] С точки зрения перспективы, пишет историк искусства Джеффри С. Вайс "Vers Amorphisme может быть тарабарщиной, но этого также было достаточно основополагающего языка, чтобы предвидеть крайние редукционистские последствия необъективности ".[12]

Монохромная живопись была начата с первых Несвязное искусство 'выставка 1882 г. в Париже, с черной картиной поэта Поль Бильо озаглавленный Combat de Nègres в туннеле (Негры дерутся в туннеле). На последующих выставках Несвязного искусства (также в 1880-е гг.) Писатель Альфонс Алле предложил семь других монохромных картин, таких как Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige (Первое причастие молодых девушек с анемией в снегу, белый), или Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge (Сбор томатов апоплексическими кардиналами на берегу Красного моря, красный). Однако этот вид деятельности больше похож на ХХ век. Дадаизм, или же Нео-дада, и особенно произведения Fluxus группы 1960-х, чем монохромной живописи ХХ века со времен Малевича.

Ив Кляйн, ИКБ 191, 1962, Монохромная живопись. Кляйн был пионером в развитии минималистского искусства.

В широком и общем смысле европейские корни минимализма можно найти в геометрические абстракции художников, связанных с Баухаус, в произведениях Казимир Малевич, Пит Мондриан и другие художники, связанные с Де Стейл движение, и Русский конструктивист движение, и в работе румынского скульптора Константин Бранкуши.[13][14] Минимальное искусство также частично вдохновлено картинами Барнетт Ньюман, Ад Рейнхардт, Йозеф Альберс, и работы художников столь же разнообразны, как Пабло Пикассо, Марсель Дюшан, Джорджио Моранди, и другие. Минимализм также был реакцией на живописную субъективность абстрактный экспрессионизм которые доминировали в Нью-Йоркская школа в течение 1940-х и 1950-х годов.[15]

Широкий спектр возможностей (включая невозможность) интерпретации монохромных картин, возможно, является причиной того, почему монохромные изображения так привлекают многих художников, критиков и писателей. Хотя монохромный никогда не становился доминирующим, и лишь немногие художники посвятили себя исключительно ему, он никогда не исчезал. Он снова появляется, как будто призрак преследует высокий модернизм, или как его символ, появляющийся во времена эстетический и социально-политические потрясения.[16]

Монохромное возрождение

Во Франции с 1947 по 1948 год[17] Ив Кляйн задумал его Монотонная симфония (1949 г., формально Симфония монотонного тишины), состоящий из одного 20-минутного устойчивого аккорда, за которым следует 20-минутное молчание.[18][19] - прецедент для обоих Ла Монте Янг с дрон музыка и Джона Кейджа 4′33″. Хотя Кляйн нарисовал монохромы еще в 1949 году и провел первую частную выставку этой работы в 1950 году, его первой публичной выставкой была публикация книга художника Ив: Peintures в ноябре 1954 г.[20][21]

Художник и критик Томас Лоусон отметил в своем эссе 1981 года «Последний выход: живопись» Artforum, Октябрь: 40–47, минимализм не отвергал Клемент Гринберг претензии к модернистской живописи [22] сокращение до поверхности и материалов настолько, насколько буквально воспринимает его утверждения. По словам Лоусона, результатом стал минимализм, хотя термин «минимализм» обычно не принимался художниками, связанными с ним, и многие практики искусства, обозначенные критиками как минимализм, не идентифицировали его как движение как таковое. Против этого утверждения возражал и сам Гринберг; в своем постскриптуме 1978 года к эссе «Модернистская живопись» он отверг эту неверную интерпретацию того, что он сказал; Гринберг писал:

Были некоторые дальнейшие конструкции того, что я написал, которые переходят в абсурд: что я рассматриваю плоскостность и заключенную плоскостность не только как ограничивающие условия изобразительного искусства, но как критерии эстетического качества изобразительного искусства; что чем дальше произведение продвигает самоопределение искусства, тем лучше оно должно быть. Философ или историк искусства, который может вообразить меня - или кого-либо вообще - придумывающим эстетические суждения таким образом, шокирует больше в себе самом, чем в моей статье.[22]

Ларри Белл, Без названия (1964), висмут, хром, золото и родий на позолоченной латуни; Музей Хиршхорна и Сад скульптур

В отличие от более субъективных абстрактных экспрессионистов предыдущего десятилетия, за исключением Барнетт Ньюман и Ад Рейнхардт, минималисты также испытали влияние композиторов Джона Кейджа и Ла Монте Янга, поэта Уильям Карлос Уильямс, и ландшафтный архитектор Фредерик Лоу Олмстед. Они недвусмысленно заявили, что их искусство не о самовыражении, в отличие от более субъективной философии предыдущего десятилетия, что их искусство было «объективным». В общем, черты минимализма включены геометрический, довольно часто кубический формы, очищенные от многих метафора, равенство частей, репетиция, нейтральные поверхности и промышленные материалы.

Роберт Моррис, влиятельный теоретик и художник, написал эссе из трех частей "Заметки о скульптуре 1-3", первоначально опубликованное в трех выпусках журнала Artforum в 1966 году. В этих эссе Моррис попытался определить концептуальные рамки и формальные элементы для себя, а также те, которые охватили бы практики его современников. В этих очерках большое внимание уделялось идее гештальт - «части ... связанные вместе таким образом, что создают максимальное сопротивление разделению восприятия». Позже Моррис описал искусство, представленное «заметным боковым распространением и отсутствием регуляризованных единиц или симметричных интервалов ...» в «Примечаниях к скульптуре 4: За пределами объектов», первоначально опубликованных в Artforum, 1969, продолжая утверждать, что «неопределенность расположения частей - это буквальный аспект физического существования вещи». Общий сдвиг в теории, выражением которого является это эссе, предполагает переход к тому, что позже будет называться постминимализм Одним из первых художников, ассоциировавшихся с минимализмом, был художник Фрэнк Стелла, чьи ранние картины в тонкую полоску были включены в выставку 1959 года. 16 американцев, организованный Дороти Миллер на музей современного искусства в Нью-Йорке. Ширина полос на картинах Стелласа в тонкую полоску определялась размерами пиломатериалов, используемых для подрамников, видимой как глубина картины при взгляде сбоку, используемой для создания поддерживающего каркаса, на котором было натянуто полотно. Таким образом, решения о структурах на передней поверхности холста не были полностью субъективными, а были обусловлены «заданной» особенностью физической конструкции опоры. В каталоге выставки Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел необходимым рисовать полосы. В его картине нет ничего другого ». Эти редуктивные работы резко контрастировали с наполненными энергией и явно очень субъективными и эмоционально заряженными картинами Виллем де Кунинг или же Франц Клайн и, с точки зрения прецедента среди предыдущего поколения абстрактных экспрессионистов, больше склонялся к менее жестким, часто мрачным, цветное поле картины Барнетт Ньюман и Марк Ротко. Хотя Стелла сразу же привлекла внимание участников выставки MoMA, артисты, в том числе Кеннет Ноланд, Джин Дэвис, Роберт Мазервелл и Роберт Райман также начал изучать полосы, монохромный и жесткий край форматы с конца 50-х до 1960-х годов.[23]

Из-за тенденции в минималистичном искусстве исключать изобразительное, иллюзионистское и вымышленное в пользу буквального, наблюдалось движение от живописных к скульптурным интересам. Дональд Джадд начинал как художник, а закончил как создатель предметов. Его основополагающее эссе «Конкретные объекты» (опубликовано в Ежегодник искусств 8, 1965), был пробным камнем теории формирования эстетики минимализма. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременный отказ от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на свидетельства этого развития в работах множества художников, работавших в Нью-Йорке в то время, в том числе Джаспер Джонс, Дэн Флавин и Ли Бонтеку. «Предварительное» значение для Джадда имела работа Джордж Эрл Ортман,[24] кто конкретизировал и преобразовал формы живописи в грубые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти Особые Объекты обитали в пространстве, которое тогда нельзя было классифицировать ни как живопись, ни как скульптуру. То, что категориальная идентичность таких объектов сама по себе ставилась под сомнение и что они избегали легкой ассоциации с изношенными и слишком знакомыми условностями, было частью их ценности для Джадда.

Это движение подверглось резкой критике со стороны модернистских формалистов-искусствоведов и историков. Некоторые критики считали, что минимальное искусство представляет собой неправильное понимание современной диалектики живописи и скульптуры, как это определено критиками. Клемент Гринберг, возможно, главный американский критик живописи в период до 1960-х годов. Наиболее заметную критику минимализма произвел Майкл Фрид, критик-формалист, возражавший против произведения на основании его «театральности». В «Искусство и объектность», опубликованном в Artforum в июне 1967 года он заявил, что минимальное произведение искусства, особенно минимальная скульптура, основано на взаимодействии с телесностью зрителя. Он утверждал, что такие работы, как работа Роберта Морриса, превращают процесс просмотра в вид зрелище, в котором уловка действия наблюдение и зритель участие в работе были представлены. Фрид увидел в этом смещении восприятия зрителя от эстетического вовлечения к событию вне произведения искусства как провал минималистского искусства. Эссе Фрида было немедленно оспорено постминималист и земной художник Роберт Смитсон в письме к редактору в октябрьском номере журнала Artforum. Смитсон заявил: «Фрид больше всего боится сознание о том, что он делает, а именно о том, что он сам является театральным ». Другая критика минимального искусства касается того факта, что многие художники были только дизайнерами проектов, в то время как настоящие произведения искусства были выполнены неизвестными мастерами [25].

Помимо Роберт Моррис, Фрэнк Стелла, Карл Андре, Роберт Райман, и Дональд Джадд другие художники-минималисты включают: Роберт Мангольд, Ларри Белл, Дэн Флавин, Сол Левитт, Рональд Бладен, Мино Ардженто, Агнес Мартин, Джо Баер, Пол Могенсен, Рональд Дэвис, Чарльз Хинман, Дэвид Новрос, Брайс Марден, Блинки Палермо, Джон Маккракен, Ад Рейнхардт, Фред Сэндбэк, Ричард Серра, Тони Смит, Патрисия Йохансон, и Энн Труитт.

Ад Рейнхардт, на самом деле художник абстрактного экспрессионистского поколения, но тот, чей редуктивный Почти полностью черные картины, казалось, предвосхищали минимализм, писали о ценности редуктивного подхода к искусству: «Чем больше в нем материала, тем труднее произведение искусства, тем оно хуже. Больше значит меньше. Меньше значит больше. Взгляд - угроза для ясного зрения. Открывать себя непристойно. Искусство начинается с избавления от природы ».[26]

Замечание Рейнхардта прямо касается и противоречит Ганс Хофманн С уважением к природе как к источнику своих абстрактных экспрессионистских картин. В знаменитом разговоре между Хофманном и Джексон Поллок как сказал Ли Краснер в интервью с Дороти Стриклер (1964-11-02) для Смитсоновского института Архивы американского искусства.[27] По словам Краснера,

Когда я принес Hofmann Чтобы встретиться с Поллоком и посмотреть его работы, которые были до того, как мы сюда переехали, Хофманн отреагировал - один из вопросов, которые он задал Джексону, был: «Вы работаете с натуры?» Вокруг не было натюрмортов или моделей, и Джексон ответил: «Я - природа». И Хофманн ответил: «А, но если вы будете работать наизусть, вы будете повторяться». На что Джексон вообще не ответил.

Встреча Поллока и Хофманна произошла в 1942 году.[27]

Сноски

  1. ^ Демпси, Эми. Стили, школы и движения, Thames & Hudson, 2002.] «Сами художники не любили лейбл из-за того, что их работа была упрощена и лишена« художественного содержания »».
  2. ^ Фрид, М. «Искусство и объектность», Artforum, 1967
  3. ^ Роза, Барбара. "ABC Art", Искусство в Америке 53, нет. 5 (октябрь – ноябрь 1965 г.): 57–69.
  4. ^ Синди Хинант (2014). Мейер-Столл, Кристиана (ред.). Гэри Куэн: Между сексом и геометрией. Кельн: Snoeck Verlagsgessellschaft. п. 33. ISBN  978-3864421099.
  5. ^ Время, 3 июня 1966 г., "Engineer's Esthetic", с. 64
  6. ^ Newsweek, 16 мая 1966 г., «Новые друиды», стр. 104
  7. ^ Системная живопись, Музей Гуггенхайма
  8. ^ Системное искусство, энциклопедия Oxford-Art
  9. ^ Лоуренс Аллоуэй, Системная живопись, Книги Google в Интернете
  10. ^ Жан Метцингер, Chez Metzi, интервью Сирила Бергера, опубликованное в Париж-Журнал, 29 мая 1911 г., стр. 3
  11. ^ а б Марк Антлифф и Патрисия Лейтен: Читатель кубизма, документы и критика, 1906–1914, University of Chicago Press, 2008, Документ 17, Сирил Бергер, Chez Metzi, Париж-Журнал, 29 мая 1911 г., стр. 108–112
  12. ^ Джеффри С. Вайс, Популярная культура современного искусства: Пикассо, Дюшан и авангардизм, Издательство Йельского университета, 1994, ISBN  9780300058956
  13. ^ Морин Малларки, Art Critical, "Джорджио Моранди"
  14. ^ Даниэль Марцона, Ута Гросеник; Минимальное искусство, п. 12
  15. ^ Грегори Батткок, Minimal Art: критическая антология, стр. 161–172
  16. ^ «Основные цвета второй раз: повторение парадигмы неоавангарда», Бенджамин Х. Д. Бухло, Октябрь, Vol. 37, (Summer, 1986), стр. 41–52 (статья состоит из 12 страниц), MIT Press
  17. ^ "Ив Кляйн (1928-1962)". документы / биография. Архивы Ива Кляйна и Макдурдафф. Архивировано из оригинал 30 мая 2013 г.. Получено 12 мая 2013.
  18. ^ Жильбер Перлейн и Бруно Кора (редакторы) и др., Ив Кляйн: Да здравствует нематериальное! ("Антологическая ретроспектива", каталог выставки 2000 г.), Нью-Йорк: Делано Гринидж, 2000 г., ISBN  978-0-929445-08-3, п. 226: "Эта симфония продолжительностью 40 минут (на самом деле 20 минут, за которыми следуют 20 минут тишины) состоит из одного растянутого" звука ", лишенного атаки и конца, который создает ощущение головокружения, кружащего чувствительность вне времени. . "
  19. ^ См. Также на YvesKleinArchives.org звуковой отрывок из Монотонная симфония В архиве 2008-12-08 на Wayback Machine (Требуется плагин Flash), его краткое описание В архиве 2008-10-28 на Wayback Machine, и Кляйна "Chelsea Hotel Manifesto" В архиве 2010-06-13 на Wayback Machine (включая краткое изложение двухчастного Симфония).
  20. ^ Ханна Вайтемайер, «Ив Кляйн, 1928–1962: International Klein Blue», Оригинал-Ausgabe (Кельн: Taschen, 1994), 15. ISBN  3-8228-8950-4.
  21. ^ "Восстановление нематериального: исследование и лечение болезни Ива Кляйна" Синий монохромный (IKB42)". Современная краска без покрытия.
  22. ^ а б Клемент Гринберг, Модернистская Живопись, 1960
  23. ^ Britannica.com
  24. ^ Brooklynrail.org
  25. ^ Крофтон, Ян (1991). Энциклопедия Гиннесса. Biuro Uslug Promocyjnych, Universal SA. п. 554.
  26. ^ Искусство как искусство: избранные произведения Эда Рейнхардта (Нью-Йорк: Viking Press, 1975):[страница нужна ] ISBN  978-0-520-07670-9.
  27. ^ а б Ли Краснер, Архив американского искусства

внешняя ссылка