Искусство Соединенного Королевства - Art of the United Kingdom

Томас Гейнсборо, Мистер и миссис Роберт Эндрюс, c. 1748–1750
Генри Мур, Большая Лежащая Фигура, 1984

В Искусство Соединенного Королевства относится ко всем формам изобразительного искусства в Соединенном Королевстве или связанных с ним с момента образования Королевство Великобритании в 1707 г. и охватывают Английское искусство, Шотландское искусство, Валлийское искусство и Ирландское искусство, и является частью История западного искусства. В течение 18 века Британия начала возвращать себе лидирующее место, которое Англия играла в европейском искусстве в средние века, особенно сильна в портретной живописи и живописи. пейзажное искусство. Рост британского благосостояния привел к значительному увеличению производства как Изобразительное искусство и декоративное искусство, последние часто экспортируются. В Романтичный период возник в результате очень разных талантов, в том числе художников Уильям Блейк, Дж. М. В. Тернер, Джон Констебл и Сэмюэл Палмер. Викторианский период ознаменовался большим разнообразием произведений искусства и созданием их гораздо большего количества, чем прежде. Большая часть викторианского искусства в настоящее время вышла из-под контроля, и интерес сосредоточен на прерафаэлитах и ​​новаторских движениях конца 18 века.

Обучение художников, которым долгое время пренебрегали, стало улучшаться в 18 веке благодаря частным и государственным инициативам и значительно расширилось в 19 веке. Открытые выставки и позднее открытие музеев сделали искусство более широкой публикой, особенно в Лондоне. В XIX веке публично выставленное религиозное искусство снова стало популярным после фактического отсутствия с тех пор, как Реформация, и, как и в других странах, движения, такие как Братство прерафаэлитов и Школа Глазго оспаривал установленный Академическое искусство.

Британский вклад в ранний Модернистское искусство был относительно небольшим, но после Второй мировой войны британские художники оказали значительное влияние на Современное искусство, особенно с фигуративной работой, и Британия остается ключевым центром все более глобализированного мира искусства.

Фон

Неизвестный артист, Портрет Елизаветы I, 1570-е гг.
Основные статьи: Английское искусство, Ирландское искусство, Шотландское искусство, и Валлийское искусство

Самое старое из сохранившихся британских произведений искусства включает Стоунхендж примерно с 2600 г. до н.э., и банка и золото произведения искусства, созданные Стакан людей примерно с 2150 г. до н.э. В La Tène стиль Кельтское искусство достигли Британских островов довольно поздно, не ранее 400 г. до н.э., и разработали особый «островной кельтский» стиль, который можно увидеть в таких объектах, как Баттерси Щит, а также ряд бронзовых задних сторон зеркал, украшенных замысловатыми узорами кривых, спиралей и трубных форм. Только на Британских островах можно увидеть, что кельтский декоративный стиль сохранился на протяжении всей Римский период, как показано в объектах, подобных Стаффордширская пустошь и возрождение кельтских мотивов, теперь смешанных с германскими переплетение и средиземноморские элементы в христианском Островное искусство. У этого был короткий, но впечатляющий расцвет во всех странах, которые сейчас составляют Соединенное Королевство в VII и VIII веках, в таких произведениях, как Келлская книга и Книга Линдисфарна. Островной стиль имел влияние на всю Северную Европу, особенно в более позднее время. Англосаксонское искусство, хотя он получил новые континентальные влияния.

Английский вклад в Романское искусство и Готическое искусство был значительным, особенно в иллюминированные рукописи и монументальная скульптура для церквей, хотя другие страны теперь были в основном провинциальными, а в 15 веке Британия изо всех сил пыталась не отставать от развития живописи на континенте. Сохранилось несколько примеров высококачественной английской живописи на стенах или панелях до 1500 года, в том числе Вестминстерский ретейбл, Диптих Уилтона и некоторые пережитки с картин в Вестминстерское аббатство и Вестминстерский дворец.[1]

В Протестантские Реформации из Англия и Шотландия были особенно разрушительны для существующего религиозного искусства, и производство новых работ практически прекратилось. В Художники Тюдоровского двора в основном были импортированы из Европы, что продолжалось до 18 века. В портрет Елизаветы I игнорировали современные модели европейского Возрождения, чтобы создавать культовые изображения, граничащие с наивное искусство. Портретисты Ганс Гольбейн и Энтони ван Дейк были самыми выдающимися и влиятельными из большого числа художников, которые проводили длительные периоды в Великобритании, обычно затмевая местные таланты, такие как Николас Хиллиард, художник портретные миниатюры, Роберт Пик старший, Уильям Ларкин, Уильям Добсон, и Джон Майкл Райт, шотландец, который в основном работал в Лондоне.[2]

Пейзажная живопись была еще мало развита в Британии во времена Союза, но традиция морское искусство был установлен отец и сын оба звали Виллема ван де Вельде, который был ведущим голландским художником-морским художником, пока не переехал в Лондон в 1673 году, в середине Третья англо-голландская война.[3]

Начало 18 века

Уильям Хогарт, Скамейка, 1758

Так называемой Акты Союза 1707 пришел в середине длительного периода господства в Лондоне сэра Годфри Кнеллер, немецкий портретист, ставший впоследствии главным придворным художником, голландский сэр Питер Лели, чей стиль он перенял для своих огромных и шаблонных работ, сильно различающихся по качеству, которые, в свою очередь, были повторены армией меньших художников. Его коллега в Эдинбурге, сэр Иоанна Крестителя Медина родился в Брюсселе у испанских родителей, умер незадолго до Союза и был одним из последних созданных шотландских рыцарей. Медина сначала работал в Лондоне, но в середине карьеры переехал в менее конкурентную среду Эдинбурга, где он доминировал в портретной живописи шотландской элиты. Однако после Союза движение должно было развернуться в противоположном направлении, и шотландские аристократы смирились с тем, что платят больше за портреты в Лондоне, даже если шотландскими художниками, такими как ученица Медины. Уильям Айкман, который переселился в 1723 году, или Аллан Рамзи.[4]

В британской портретной живописи существовала альтернатива, более прямая, традиция портретной живописи Лели и Кнеллера, восходящая к Уильяму Добсону и немцам или голландцам. Джерард Суст, кто тренировал Джон Райли, которым твердо приписывают лишь несколько работ и которые, в свою очередь, обучили Джонатан Ричардсон, прекрасный художник, обучавший Томас Хадсон который тренировал Джошуа Рейнольдса и Джозефа Райта из Дерби. Ричардсон также подготовил самого известного ирландского портретиста того периода, Чарльз Джервас который пользовался социальным и финансовым успехом в Лондоне, несмотря на его явные ограничения как художника.[5]

Исключение из засилья "низшие жанры "живописи был сэр Джеймс Торнхилл (1675 / 76–1734), который был первым и последним значительным английским художником огромной Барокко аллегорические декоративные схемы и первый местный художник, посвященный в рыцари. Его самая известная работа находится на Гринвичская больница, Бленхеймский дворец и купол из Собор Святого Павла, Лондон. Его рисунки демонстрируют склонность к сильно нарисованному реализму в том направлении, в котором его зять Уильям Хогарт должен был преследовать, но это в значительной степени отвергается в законченных работах, и для Гринвича он принял близко к сердцу свой тщательный список «возражений, которые возникнут из простого представления Королевская высадка как это было на самом деле и по-современному и в одежде »и расписано условное прославление барокко.[6] Как и Хогарт, он разыграл националистическую карту, продвигая себя, и в конце концов победил Себастьяно Риччи получил достаточно комиссий, чтобы в 1716 году он и его команда отступили во Францию, Джованни Антонио Пеллегрини уехав уже в 1713 году. Когда-то другие ведущие зарубежные живописцы аллегорических схем, Антонио Веррио и Луи Лагерр, умер в 1707 и 1721 годах соответственно, Торнхиллу принадлежало поле, хотя к концу его жизни комиссии по грандиозным планам иссякли из-за изменений вкусов.[7]

С 1714 г. Ганноверская династия проводил гораздо менее показной суд и в значительной степени отказался от покровительства искусствам, кроме необходимых портретов. К счастью, быстро развивающаяся британская экономика смогла обеспечить аристократическое и торговое богатство, чтобы заменить двор, прежде всего в Лондоне.[8]

Ворота Кале, антифранцузская сатира Уильям Хогарт, 1748

Уильям Хогарт был заметен во второй четверти века, чье искусство преуспело в достижении особого английского характера, с яркими моралистическими сценами современной жизни, полными сатиры и пафоса, настроенными на вкусы и предрассудки протестантского среднего класса. , кто купил выгравированный версии его картин в огромном количестве. Другие предметы были выпущены только в виде гравюр, и Хогарт был первым значительным британским гравером, и все еще самым известным. Многие работы представляли собой серию из четырех или более сцен, из которых наиболее известны: Прогресс блудницы и Прогресс Рейка с 1730-х годов и Брак à-la-mode с середины 1740-х гг. Фактически, хотя он лишь однажды ненадолго покинул Англию, его собственная пропаганда утверждала его англичанство и часто нападала на Старые мастера, его опыт в гравюра Он был более осведомлен о континентальном искусстве, чем большая часть британской живописи, и, очевидно, его способность быстро усваивать уроки других художников означала, что он был более осведомлен о континентальном искусстве и использовал его больше, чем большинство его современников.

Как и многие более поздние художники, Хогарт прежде всего хотел добиться успеха в историческая живопись в Великий манер, но его несколько попыток не увенчались успехом, и сейчас о них мало что говорят. Его портреты были в основном натурщиками из среднего класса, показанными с очевидным реализмом, который отражал как сочувствие, так и лесть, а некоторые из них были в модной форме. часть разговора, недавно завезенный из Франции Филипп Мерсье, который должен был оставаться фаворитом в Британии, и его подхватили такие художники, как Фрэнсис Хейман, хотя обычно от них отказываются, когда художник может получить хорошие однозначные заказы.[9]

Серебряный чайник Сэмюэля Курто, Лондон, 1748–1749 гг.

Было признано, что даже больше, чем в остальной Европе, учитывая нехватку британских художников, подготовка художников должна быть расширена за пределы мастерских признанных мастеров, и были предприняты различные попытки создать академии, начиная с Кнеллера в 1711 году с помощью Пеллегрини на Грейт-Куин-стрит. Академия была захвачена Торнхиллом в 1716 году, но, похоже, к тому времени перестала действовать. Джон Вандербанк и Луи Шерон основал свою собственную академию в 1720 году. Это продолжалось недолго, и в 1724/5 Торнхилл попытался снова в своем собственном доме, но без особого успеха. Хогарт унаследовал оборудование для этого и использовал его для запуска Академия Святого Мартина Лейн в 1735 году, который был самым продолжительным, в конечном итоге был поглощен Королевская Академия в 1768 г. Хогарт также помог решить проблему нехватки выставочных залов в Лондоне, организовав выставки в Больница для подкидышей с 1746 г.[10]

Шотландский портретист Аллан Рамзи работал в Эдинбурге до переезда в Лондон к 1739 году. Он совершил трехлетние визиты в Италию в начале и в конце своей карьеры и ожидал Джошуа Рейнольдс в привнесении более расслабленной версии «Великого манера» в британскую портретную живопись в сочетании с очень деликатным обращением в его лучших работах, которые, как принято считать, были женскими натурщиками. Его главным лондонским соперником середины века, пока Рейнольдс не заработал себе репутацию, был хозяин Рейнольда, скучный человек. Томас Хадсон.[11]

Джон Вуттон, работавший примерно с 1714 года до своей смерти в 1765 году, был ведущим спортивным художником своего времени, проживал в столице Англии. скачки в Новый рынок, а также создание большого количества портретов лошадей, а также батальных сцен и разговоров с охота или настройки для верховой езды. Он начал жизнь как паж в семье Герцоги Бофорта, который в 1720-х отправил его в Рим, где он приобрел классический пейзажный стиль, основанный на стиле Гаспар Дюге и Клод, который он использовал в некоторых чисто пейзажных картинах, а также в изображениях загородных домов и конских сюжетов. Это представило альтернативу различным голландским и фламандским художникам, которые ранее задавали преобладающий пейзажный стиль в Великобритании, и через посредников, таких как Джордж Ламберт, первый британский художник, построивший карьеру на пейзажной тематике, оказал большое влияние на других британских художников, таких как Гейнсборо.[12] Сэмюэл Скотт был лучшим из местных художников-маринистов и художников городского пейзажа, хотя в последней специализации он не мог сравниться с приезжими Каналетто, который был в Англии девять лет с 1746 года и чьи венецианские виды были любимым сувениром большое путешествие.[13]

В антиквар и гравер Джордж Верту был фигурой на лондонской художественной сцене большую часть периода, и его многочисленные записные книжки были адаптированы и опубликованы в 1760-х годах Гораций Уолпол в качестве Некоторые анекдоты живописи в Англии, который остается основным источником на этот период.[14]

С момента прибытия в Лондон в 1720 году фламандский скульптор Джон Майкл Рисбрак был лидером в своей области до прибытия в 1730 г. Луи-Франсуа Рубильяк у кого был Рококо стиль, который был очень эффективен для бюстов и маленьких фигур, хотя к следующему десятилетию он был также уполномочен для более крупных работ. Он также производил модели для Фарфоровый завод Челси основанное в 1743 году частное предприятие, которое стремилось составить конкуренцию континентальным фабрикам, основанным в основном правителями. Стиль Рубильяка сформировал стиль ведущего отечественного скульптора Сэр Генри Чир, и его брат Джон кто специализировался на статуях для садов.[15]

Сильный Лондон серебряное дело в торговле преобладали потомки Гугенот беженцы любят Поль де Ламери, Пол Креспин, Николас Спримонт, а Семья Курто, а также Жорж Викес. Заказы поступали даже из-за дворов России и Португалии, хотя английские стили по-прежнему возглавлял Париж.[16] Изготовление шелк в Spitalfields в Лондоне также был традиционным гугенотским бизнесом, но с конца 1720-х годов в дизайне шелка преобладала удивительная фигура Анна Мария Гартвейт, дочь пастора из Линкольншир который появился в возрасте 40 лет как дизайнер преимущественно цветочных узоров в стиле рококо.[17]

В отличие от Франции и Германии, английское принятие стиля рококо было скорее неоднородным, чем искренним, и сопротивление ему на националистической почве, во главе с Ричард Бойл, третий граф Берлингтон и Уильям Кент, которые продвигали стили в дизайне интерьера и мебели, чтобы они соответствовали Палладианство архитектуры, которую они создали вместе, также положив начало влиятельной британской традиции ландшафтный сад,[18] в соответствии с Николаус Певснер «самое влиятельное из всех английских нововведений в искусстве».[19] Гравер французского происхождения Юбер-Франсуа Гравело, в Лондоне с 1732 по 1745 год, была ключевой фигурой в привнесении вкуса рококо в книжные иллюстрации и орнаменты для мастеров.[20]

Конец 18 века

Картина юноши в синем.
Томас Гейнсборо, Синий мальчик, 1770
Картина двух мужчин с луком и стрелами
Джошуа Рейнольдс, Полковник Акланд и лорд Сидней: Лучники, 1769

В современном народном сознании в английском искусстве примерно 1750–1790 годов, которое сегодня называют «классическим веком» английской живописи, доминировали художники. Сэр Джошуа Рейнольдс (1723–1792), Джордж Стаббс (1724–1806), Томас Гейнсборо (1727–1788) и Джозеф Райт из Дерби (1734–1797). В то время, когда Рейнольдс считался доминирующей фигурой, Гейнсборо имел очень высокую репутацию, но Стаббс считался простым художником животных и считался гораздо менее значимой фигурой, чем многие другие художники, которые сегодня малоизвестны или забыты. В этот период процветание Британии и британских художников продолжало расти: «К 1780-м годам английские художники были среди самых богатых людей в стране, их имена были знакомы читателям газет, их ссоры и заговоры стали предметом разговоров в городе, их предметы были известны каждому из экспозиции в витринах типографии », согласно Джеральд Рейтлингер.[21]

Рейнольдс вернулся из долгого визита в Италию в 1753 году и очень быстро завоевал репутацию самого модного лондонского портретиста, а вскоре и влиятельной фигуры в обществе, общественного лидера искусства Великобритании. Он изучал как классическое, так и современное итальянское искусство, и в его композициях осторожно используются модели, увиденные во время его путешествий. Он мог передать широкий спектр настроений и эмоций, будь то героические военные или очень молодые женщины, и часто драматически объединять фон и фигуру.[22]

Джозеф Райт из Дерби, Эксперимент над птицей в воздушном насосе, 1768

В Общество поощрения искусств, производства и торговли был основан в 1754 году, главным образом, для проведения выставок. В 1761 году Рейнольдс был лидером в создании соперника. Общество художников Великобритании, где у художников было больше контроля. Так продолжалось до 1791 года, несмотря на создание Королевская Академия Художеств в 1768 году, которая сразу же стала самой важной выставочной организацией и самой важной школой в Лондоне. Рейнольдс был ее первым президентом и занимал этот пост до своей смерти в 1792 году. Дискурсы, впервые представленные студентам, были расценены как первое крупное произведение об искусстве на английском языке, в котором излагалось стремление к созданию стиля, соответствующего классическому величию классической скульптуры и скульптуры. Высокое Возрождение картина.[23]

После основания Академии портреты Рейнольдса стали более классическими и часто более отдаленными, пока в конце 1770-х он не вернулся к более интимному стилю, возможно, под влиянием успеха Томас Гейнсборо,[24] который поселился в Лондоне только в 1773 году, после работы в Ипсвич а потом Ванна. Хотя практика Рейнольдса в создании аристократических портретов, кажется, в точности соответствует его талантам, Гейнсборо, если бы его не заставляли следовать за рынком в своих работах, вполне мог бы развиться как чистый пейзажист или портретист в неформальном стиле многих его портретов. его семья. Он продолжал писать чистые пейзажи, в основном для удовольствия, до последних лет; Полное признание его пейзажей пришло только в 20 веке. На него больше всего повлияли французские портреты и голландские пейзажи, а не итальянский, и он известен блестящим легким прикосновением своей манеры письма.[25] Джордж Ромни также стал заметным примерно в 1770 году и был активен до 1799 года, хотя в последние годы его деятельность пошла на убыль. Его портреты - в основном характерные, но лестные образы достойных общественных деятелей, но он увлекся взбалмошными молодыми людьми. Эмма Гамильтон с 1781 года, около шестидесяти раз изображая ее в более экстравагантных позах.[26] Его работы были особенно популярны среди американских коллекционеров в начале 20 века, и многие из них сейчас хранятся в американских музеях.[27] К концу периода на смену этому поколению пришли молодые портретисты, в том числе Джон Хоппнер, Сэр Уильям Бичи и молодые Гилберт Стюарт, который осознал свой зрелый стиль только после возвращения в Америку.[28]

Валлийский художник Ричард Уилсон вернулся в Лондон после семи лет пребывания в Италии в 1757 году и в течение следующих двух десятилетий разработал «возвышенный» пейзажный стиль, адаптирующий франко-итальянские традиции Клода и Гаспара Дюге к британским подданным. Хотя его пейзажи вызывали восхищение, как и у Гейнсборо, его было трудно продать, и он иногда прибегал, как жаловался Рейнольдс, к общей стратегии превращения их в исторические картины добавив несколько маленьких фигурок, что удвоило их цену до 80 фунтов стерлингов.[29] Он продолжал писать сцены, происходящие в Италии, а также в Англии и Уэльсе, и его смерть в 1782 году наступила, когда большое количество художников начали путешествовать в Уэльс, а позже Озерный район и Шотландия в поисках горных пейзажей, как для картин маслом, так и акварели которые теперь начали свой долгий период популярности в Великобритании, как среди профессионалов, так и среди любителей. Пол Сэндби, Фрэнсис Таун, Джон Уорвик Смит, и Джон Роберт Козенс были среди ведущих художников-специалистов, священнослужителей и художников-любителей Уильям Гилпин был важным писателем, который стимулировал популярность любительской живописи в живописный, а произведения Александр Козенс рекомендовал формировать случайные чернильные кляксы в пейзажные композиции - даже Констебль пробовал эту технику.[30]

Джон Синглтон Копли, Ватсон и акула (1778)

Историческая живопись грандиозно продолжал оставаться самым престижным видом искусства, хотя и не самым легким для продажи, и Рейнольдс предпринял несколько попыток, столь же безуспешных, как и попытка Хогарта. Негероический характер современной одежды рассматривался как главное препятствие в изображении современных сцен, и шотландский джентльмен-художник и арт-дилер Гэвин Гамильтон предпочитал классические сцены, а также рисовал некоторые из них, основанные на его восточных путешествиях, где его европейские персонажи обходили проблему, надев арабскую одежду. Он провел большую часть своей взрослой жизни в Риме и имел не меньшее влияние на Неоклассицизм в Европе как в Британии. Ирландец Джеймс Барри оказал влияние на Блейка, но у него была трудная карьера, и он потратил годы на свой цикл Прогресс человеческой культуры в Большом зале Королевское общество искусств. Самыми успешными художниками-историками, которые не боялись пуговиц и париков, были американцы, поселившиеся в Лондоне: Бенджамин Уэст и Джон Синглтон Копли, хотя одна из его самых успешных работ Ватсон и акула (1778) смог почти избежать их, показывая спасение от утопления. Также были популярны предметы меньшего масштаба из литературы, первыми из которых Фрэнсис Хейман, одним из первых нарисовавших сцены из Шекспир, и Джозеф Хаймор, с серией, иллюстрирующей роман Памела. В конце периода Галерея Бойделла Шекспира был амбициозным проектом для картин и гравюр после них, иллюстрирующих «Барда», каким он теперь стал, и раскрывающих ограничения современной английской исторической живописи.[31] Джозеф Райт из Дерби был в основном портретистом, который также был одним из первых художников, изобразивших Индустриальная революция, а также развитие помеси разговора и исторической живописи в таких работах, как Эксперимент над птицей в воздушном насосе (1768) и Философ, читающий лекцию по Оррери (ок. 1766 г.), которые, как и многие его работы, освещаются только при свечах, давая сильный светотень эффект.[32]

Уильям Блейк, Навуходоносор, после 1795 г.

Картины, запечатлевшие сцены из театра, были еще одним поджанром, написанным немцами. Иоганн Зоффани среди прочего. Дзоффани писал портреты и беседы, который также провел более двух лет в Индии, рисуя англичан. набобс и местные сцены, и расширяющийся британская империя играет все большую роль в британском искусстве.[33] Обучение искусству считалось полезным навыком в вооруженных силах для создания набросков карт и планов, и многие британские офицеры сделали первые западные изображения, часто акварелью, сцен и мест по всему миру. В Индии Фирменный стиль развился как гибрид между западными и Индийское искусство, произведенные индийцами для британского рынка.

Томас Роулендсон создавал акварели и гравюры, высмеивающие британскую жизнь, но в основном избегал политики. Мастер политического карикатура, продаваемые индивидуально типографиями (часто выступающими также в качестве издателей), раскрашенные вручную или однотонные, были Джеймс Гилрэй.[34] Акцент на портретной живописи в британском искусстве был обусловлен не только тщеславием натурщиков. Был большой рынок коллекционеров портретов, в основном репродукций картин, которые часто помещались в альбомы. С середины века резко выросли дорогие, но более эффективные репродукции. меццо-тинт портретов и других картин с особым спросом со стороны коллекционеров на ранние пробные изображения «до письма» (то есть до того, как были добавлены надписи), которые мастера любезно распечатали в растущем количестве.[35]

Этот период стал одним из расцветов британского декоративного искусства. Примерно в середине века многие фарфор фабрики открыты, в том числе Поклон в Лондоне и в провинции Lowestoft, Worcester, Королевская корона Дерби, Ливерпуль, и Wedgwood, с Spode последующие в 1767 году. Большинство из них были начаты как небольшие предприятия, некоторые просуществовали всего несколько десятилетий, в то время как другие все еще существуют сегодня. К концу периода британские фарфоровые услуги заказывались иностранными королевскими особами, и британские производители были особенно искусны в освоении быстрорастущего международного рынка среднего класса, развивающегося костяной фарфор и трансфер-печатный изделия, а также настоящий фарфор, расписанный вручную.[36]

Три ведущих производителя мебели, Томас Чиппендейл (1718–1779), Томас Шератон (1751–1806) и Джордж Хепплуайт (1727–1786) имели различные стили и добились прочной славы, которую они имеют в основном как авторы сборников выкроек, используемых другими производителями в Великобритании и за рубежом. На самом деле далеко не ясно, проводили ли когда-либо два последних названных проекта настоящие семинары, хотя Чиппендейл определенно преуспел в этом и в том, что мы теперь называем дизайном интерьера; в отличие от Франции Великобритания отказалась от гильдия система, и Чиппендейл смог нанять специалистов по всем ремеслам, необходимым для завершения косметического ремонта.[37] В период рококо и Шинуазри уступил место Неоклассицизм, с шотландским архитектором и дизайнером интерьеров Роберт Адам (1728–1792) ведущий новый стиль.

XIX век и романтики

Сэмюэл Палмер, Автопортрет, гр. 1826 г.

Конец 18 - начало 19 века характеризовались Романтическое движение в британском искусстве включает Джозеф Райт из Дерби, Джеймс Уорд, Сэмюэл Палмер, Ричард Паркс Бонингтон, Джон Мартин и был, пожалуй, самым радикальным периодом в британском искусстве, Уильям Блейк (1757–1827), Джон Констебл (1776–1837) и J.M.W. Тернер (1775–1851), причем двое последних, возможно, наиболее влиятельны во всем мире из всех британских художников.[38][39] Стиль Тернера, основанный на итальянских традициях, хотя он никогда не видел Италию до своих сорока лет, претерпел значительные изменения, прежде чем его последние дикие, почти абстрактные пейзажи исследовали эффекты света и оказали глубокое влияние на Импрессионистов и другие более поздние движения.[40] Констебль обычно рисовал чистые пейзажи с несколькими жанровыми фигурами в стиле, основанном на традициях Северной Европы, но, как и Тернер, его «шестифуты» были предназначены для того, чтобы произвести такое же сильное впечатление, как и любая историческая картина.[41] Они были тщательно подготовлены с использованием этюдов и полноразмерных эскизы маслом,[42] в то время как Тернер был печально известен тем, что завершал свои выставочные работы, когда они уже были вывешены для показа, свободно настраивая их, чтобы доминировать над окружающими работами в плотно упакованных буднях.[43]

Джон Констебл, Телега для сена, 1821
Дж. М. В. Тернер, «Боевой Темерар» отошел к последнему причалу, чтобы разбиться, 1839

Визионерский стиль Блейка при его жизни принадлежал меньшинству, но оказал влияние на более молодую группу "Древние "Самуэля Палмера, Джон Линнелл, Эдвард Калверт и Джордж Ричмонд, которые собрались в стране на Шорхэм, Кент в 1820-х годах, создавая напряженные и лирические пасторальные идиллии в условиях некоторой бедности. Они перешли к более традиционной артистической карьере, и ранние работы Палмера были полностью забыты до начала 20 века.[44] Блейк и Палмер оказали значительное влияние на художников-модернистов 20-го века, замеченных (среди прочих) в живописи британских художников, таких как Дора Кэррингтон,[45] Пол Нэш и Грэм Сазерленд.[46] Блейк также оказал огромное влияние на бить поэтов 1950-х и контркультура 1960-х.[47]

Томас Лоуренс к началу 20 века уже был ведущим портретистом и мог придать романтический оттенок своим портретам высшего общества, и лидеры Европы собрались на Венский конгресс после Наполеоновские войны. Генри Реберн был самым значительным портретистом со времен Союза, который на протяжении всей своей карьеры оставался в Эдинбурге, что свидетельствует о растущем процветании Шотландии.[48] Но Дэвид Уилки пошел по традиционной дороге на юг, добившись больших успехов с сюжетами деревенской жизни и гибридных жанр и исторические сцены, такие как Пенсионеры из Челси читают репортаж о Ватерлоо (1822).[49]

Джон Флаксман был самым основательным английским художником-неоклассиком. Начав как скульптор, он стал наиболее известен своими многочисленными запасными «набросками» классических сцен, часто иллюстрировавших литературу, которые воспроизводились в виде гравюр. Они имитировали эффекты классических рельефов, которые он также создал. Немецко-швейцарский Генри Фусели также создавал работы в линейном графическом стиле, но его повествовательные сцены, часто из английской литературы, были сильно романтичными и очень драматичными.[50]

Викторианское искусство

Основная статья: Викторианская живопись
Офелия, к Джон Эверетт Милле
Генри Бейтс Джоэлс 1890-е «Шотландское нагорье»; а поздний романтик стилизованная интерпретация природы, характерная для Викторианский картина.

В Братство прерафаэлитов (PRB) добился значительного влияния после своего основания в 1848 году благодаря картинам, сосредоточенным на религиозных, литературных и жанр Сюжеты выполнены в красочном и детализированном стиле, отвергая разрозненную живописную манеру живописи традиции, представленной «сэром Слошуа» Рейнольдсом. Художники PRB включены Джон Эверетт Милле, Уильям Холман Хант, Данте Габриэль Россетти, и Форд Мэдокс Браун (никогда официально не являлся членом), и такие цифры, как Эдвард Бёрн-Джонс и Джон Уильям Уотерхаус позже были сильно подвержены влиянию различных аспектов их идей, как и дизайнер Уильям Моррис. Моррис выступал за возврат к ручному мастерству в декоративном искусстве, а не к промышленному производству, которое быстро применялось во всех ремеслах. Его усилия сделать красивые предметы доступными (или даже бесплатными) для всех привели к созданию обоев и плитки, определяющих стиль Викторианский эстетический и побуждающий Движение искусств и ремесел.

Прерафаэлитов, как и Тернера, поддерживал авторитетный искусствовед. Джон Раскин, сам прекрасный художник-любитель. Несмотря на все свои технические новшества, они были одновременно традиционными и викторианскими в своей приверженности историческая живопись как высшая форма искусства, и их тематика полностью соответствовала викторианскому вкусу, и действительно «всему, что приветствовали издатели гравюр на стали»,[51] позволяя им легко влиться в мейнстрим в их дальнейшей карьере.[52]

Лорд Лейтон, 1855, Знаменитая Мадонна Чимабуэ проходит процессией по улицам Флоренции, 222 × 521 см

В то время как у прерафаэлитов был бурный и неоднозначный прием, среди самых популярных и дорогих художников того периода были Эдвин Ландсир, которые специализировались на сентиментальных животных, которые были любимцами Королева Виктория и Принц Альберт. В конце века художники могли зарабатывать большие суммы, продавая права на воспроизведение своих картин печатным издателям и работ Ландсира, особенно его Монарх Глена (1851), портрет горного оленя, были одними из самых популярных. Как Милле Пузыри (1886 г.) он десятилетиями использовался на упаковке и в рекламе для брендов виски и мыла соответственно.[53]

В конце викторианской эпохи в Британии академические картины, некоторые из которых были огромными, были Лорд Лейтон и голландцы Лоуренс Альма-Тадема были чрезвычайно популярны, и в них часто изображались слегка одетые красавицы в экзотической или классической обстановке, в то время как аллегорические работы Г. Ф. Уоттс соответствовали викторианскому чувству высокой цели. Классические дамы Эдвард Пойнтер и Альберт Мур носили больше одежды и имели гораздо меньший успех. Уильям Пауэлл Фрит рисовал очень подробные сцены социальной жизни, обычно включающие все классы общества, которые включают комические и моральные элементы и признаны в долгу перед Хогартом, хотя заметно отличаются от его работ.[54]

Для всех таких художников Летняя выставка Королевской академии была важной платформой, которая широко обсуждалась в прессе, где при обсуждении работ часто чередовались насмешки и экстравагантные похвалы. Конечной и очень редкой похвалой было то, что перед картиной нужно было поставить перила, чтобы защитить ее от нетерпеливой толпы; до 1874 г. такое случалось только с Уилки Пенсионеры Челси, Фрита День Дерби и Salon d'Or, Хомбург и Люка Филда Повседневная палата (Смотри ниже).[55] Множество художников трудились из года в год в надежде на успех, часто работая в манерах, которые не подходили их таланту, примером чего является самоубийство в 1846 году. Бенджамин Хейдон, друг Китс и Диккенс и писатель лучше, чем художник, оставляя свою кровь залитым неоконченным Король Альфред и первое британское жюри.[56]

Джон Фредерик Льюис, Магазин Кибаба, сцена из Скутари, 1858

Британская история была очень распространенным предметом в Средние века, Елизавета I, Мария, королева Шотландии и Английская гражданская война особо популярные источники по тематике. Многие художники, упомянутые в другом месте, рисовали исторические сюжеты, в том числе Милле (Отрочество Роли и многие другие), Форд Мэдокс Браун (Кромвель на своей ферме ), Дэвида Уилки, Уоттса и Фрита и Уэста, Бонингтона и Тернера в предыдущие десятилетия. Лондонский ирландец Даниэль Маклиз и Чарльз Уэст Коуп нарисованные сцены для нового Вестминстерский дворец. Леди Джейн Грей была, как Мария Королева Шотландии, женщиной, страдания которой привлекали многих художников, хотя ни один из них не соответствовал Казнь леди Джейн Грей, один из многих британских исторических сюжетов французом Поль Деларош.[57] Художники гордились растущей точностью декораций своего периода с точки зрения костюмов и предметов, изучая коллекции новых Музей Виктории и Альберта и книги, и презирая беззаботное приближение предыдущих поколений художников.[58]

Ричард Редгрейв, Последний взгляд эмигрантов на дом, 1858

В викторианской живописи социальный предмет Хогарта, наполненный морализирующими деталями, и традиция иллюстрирования литературных сцен были развиты в различные типы жанровой живописи, многие из которых содержат всего несколько фигур, другие - большие и многолюдные сцены, такие как самые известные работы Фрита. Холмана Ханта Пробуждающаяся совесть (1853 г.) и Яйцо Августа набор Прошлое и настоящее (1858) относятся к первому типу, оба посвящены «падшим женщинам», вечному викторианскому делу. В качестве Питер Конрад указывает, что это были картины, предназначенные для чтения как романы, смысл которых всплыл после того, как зритель проделал работу по его расшифровке.[59] Другие "анекдотические" сцены были более легкими по настроению, имели тенденцию к отсутствию подписей. Ударить кулаком мультфильмы.

К концу 19 века изображение проблемы оставили детали повествовательного действия намеренно двусмысленными, предлагая зрителю поразмышлять над ним, используя находящиеся перед ним доказательства, но не давая окончательного ответа (художники научились загадочно улыбаться, когда их спрашивают). Иногда это вызывало дискуссии по чувствительным социальным вопросам, обычно с участием женщин, которые, возможно, было трудно поднять напрямую. Они были чрезвычайно популярны; в газетах проводились конкурсы для читателей, разъясняющих смысл картины.[60]

Многие художники участвовали в возрождении самобытного художественного творчества. гравюра обычно известный как возрождение травления, хотя были сделаны и оттиски во многих других техниках. Это началось в 1850-х годах и продолжалось до тех пор, пока Крах на Уолл-стрит 1929 г. привело к обвалу очень высоких цен, которых добивались самые модные художники.

Британский Ориентализм, хотя и не так часто, как во Франции того же периода, имел много специалистов, в том числе Джон Фредерик Льюис, проживший девять лет в Каир, Дэвид Робертс, шотландец, который делал литографии своих путешествий по Ближнему Востоку и Италии, писатель-глупец Эдвард Лир, постоянный путешественник, достигший Цейлон, и Ричард Дадд. Холман Хант также побывал в Палестина чтобы получить аутентичные настройки для своих библейских картин. Француз Джеймс Тиссо, который бежал в Лондон после падения Парижская Коммуна, делил свое время между сценами светских светских мероприятий и огромной серией библейских иллюстраций, выполненных акварелью для репродуктивной публикации.[61] Фредерик Гудолл специализировался на сценах Древнего Египта.

Джеймс Эббот Макнил Уистлер, Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета (1874 г.). В 1877 году Уистлер подал в суд на искусствовед Джон Раскин за клевету после того, как критик осудил его картину Ноктюрн в черном и золотом - Падающая ракета. Раскин обвинил Уистлера в том, что он «попросил двести гиней за то, что бросил горшок с краской в ​​лицо публике». [62][63]

Более крупные картины, посвященные социальным условиям бедноты, как правило, были сосредоточены на сельских сценах, так что страдания человеческих фигур, по крайней мере, компенсировались пейзажем. Художники из них включали Фредерик Уокер, Люк Филдс (хотя он сделал себе имя в 1874 г. Поступающие в палату временного пребывания - см. выше), Фрэнк Холл, Джордж Клаузен, а немецкий Хуберт фон Херкомер.[64]

Уильям Белл Скотт, друг Россетти, рисовал исторические сцены и другие виды работ, но также был одним из немногих художников, изображавших сцены из тяжелой промышленности. Его мемуары - полезный источник для того периода, и он был одним из нескольких художников, которые работали в течение определенного периода в значительно расширенной системе государственных художественных школ, которыми руководил администратор. Генри Коул (изобретатель Рождественская открытка ) и занятые Ричард Редгрейв, Эдвард Пойнтер, Ричард Берчетт, the Scottish designer Кристофер Дрессер и много других. Burchett was headmaster of the "South Kensington Schools", now the Королевский колледж искусств, which gradually replaced the Royal Academy School as the leading British art school, though around the start of the 20th century the Школа изящных искусств Слейда produced many of the forward-looking artists.[65]

The Royal Academy was initially by no means as conservative and restrictive as the Парижский салон, and the Pre-Raphaelites had most of their submissions for exhibition accepted, although like everyone else they complained about the positions their paintings were given. They were especially welcomed at the Ливерпульская академия искусств, one of the largest regional exhibiting organizations; то Королевская шотландская академия was founded in 1826 and opened its grand new building в 1850-х гг. There were alternative London locations like the Британский институт, and as the conservatism of the Royal Academy gradually increased, despite the efforts of Lord Leighton when President, new spaces opened, notably the Галерея Гросвенор в Бонд-стрит, from 1877, which became the home of the Aesthetic Movement. В Новый английский арт-клуб exhibited from 1885 many artists with Impressionist tendencies, initially using the Египетский зал, opposite the Royal Academy, which also hosted many exhibitions of foreign art. The American portrait painter Джон Сингер Сарджент (1856–1925), spent most of his working career in Europe and he maintained his studio in London (where he died) from 1886 to 1907.

Альфред Сислей, who was French by birth but had British nationality, painted in France as one of the Импрессионистов; Уолтер Сикерт и Филип Уилсон Стэр at the start of their careers were also strongly influenced, but despite the dealer Поль Дюран-Рюэль bringing many exhibitions to London, the movement made little impact in England until decades later.[66] Некоторые члены Ньюлин школа of landscapes and genre scenes adopted a quasi-Impressionist technique while others used realist or more traditional levels of finish.

The late 19th century also saw the Декадентское движение in France and the British Эстетическое движение. The British-based American painter Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, Обри Бердсли, а бывший Прерафаэлиты Данте Габриэль Россетти, и Эдвард Бёрн-Джонс are associated with those movements, with late Burne-Jones and Beardsley both being admired abroad and representing the nearest British approach to European Символизм.[67] In 1877 James McNeill Whistler sued the искусствовед Джон Раскин за клевету после того, как критик осудил его картину Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета. Ruskin accused Whistler of "ask[ing] two hundred guineas for throwing a pot of paint in the public's face."[62][63] The jury reached a verdict in favor of Whistler but awarded him only a single farthing in nominal damages, and the court costs were split.[68] Стоимость дела вместе с огромными долгами от строительства его резиденции («Белый дом» в г. Tite Street, Челси, разработанный с Э. В. Годвин, 1877–8), bankrupted Whistler by May 1879,[69] в результате аукцион его работ, коллекций и дома. Станский[70] отмечает иронию в том, что Лондонское общество изящных искусств, которая организовала сбор для оплаты судебных издержек Рескина, поддержала его в офорте "the stones of Venice" (and in exhibiting the series in 1883) which helped recoup Whistler's costs.

Уолтер Сикерт, The Acting Manager or Rehearsal: The End of the Act, (portrait of Хелен Карт ), c. 1885 г.

Scottish art was now regaining an adequate home market, allowing it to develop a distinctive character, of which the "Glasgow Boys " were one expression, straddling Импрессионизм in painting, and Искусство модерн, японизм и Кельтское возрождение in design, with the architect and designer Чарльз Ренни Макинтош now their best-known member. Painters included Томас Милли Доу, George Henry, Joseph Crawhall и Джеймс Гатри.

New printing technology brought a great expansion in book illustration with illustrations for детские книги providing much of the best remembered work of the period. Specialized artists included Рэндольф Калдекотт, Уолтер Крейн, Кейт Гринуэй and, from 1902, Беатрикс Поттер.

The experience of military, political and economic power from the rise of the британская империя, led to a very specific drive in artistic technique, taste and sensibility in the United Kingdom.[71] британцы used their art "to illustrate their knowledge and command of the natural world", whilst the permanent settlers in Британская Северная Америка, Австралазия, and South Africa "embarked upon a search for distinctive artistic expression appropriate to their sense of national identity".[71] The empire has been "at the centre, rather than in the margins, of the history of British art".[72]

The enormous variety and massive production of the various forms of British decorative art during the period are too complex to be easily summarized. Victorian taste, until the various movements of the last decades, such as Искусства и ремесла, is generally poorly regarded today, but much fine work was produced, and much money made. Обе Уильям Берджес и Август Пугин were architects committed to the Готическое возрождение, who expanded into designing furniture, metalwork, tiles and objects in other media. There was an enormous boom in re-Gothicising the fittings of medieval churches, and fitting out new ones in the style, especially with витраж, industry revived from effective extinction. The revival of furniture painted with images was a particular feature at the top end of the market.[73]

From its opening in 1875 the London department store Либерти и Ко. was especially associated with imported Far Eastern decorative items and British goods in the new styles of the end of the 19th century. Charles Voysey was an architect who also did much design work in textiles, wallpaper furniture and other media, bringing the Движение искусств и ремесел в Искусство модерн и дальше; he continued to design into the 1920s.[74] А. Х. Макмёрдо was a similar figure.

20 век

Грэм Сазерленд, The City a fallen lift shaft (1941)

In many respects, the Victorian era continued until the outbreak of World War I in 1914, and the Royal Academy became increasingly ossified; the unmistakably late Victorian figure of Фрэнк Дикси was appointed President in 1924. In photography Пикториализм aimed to achieve artistic indeed painterly effects; Связанное кольцо contained the leading practitioners. Американец Джон Сингер Сарджент was the most successful London portraitist at the start of the 20th century, with Джон Лавери, Август Джон и Уильям Орпен rising figures. John's sister Гвен Джон lived in France, and her intimate portraits were relatively little appreciated until decades after her death. British attitudes to современное искусство were "polarized" at the end of the 19th century.[75] Модернист movements were both cherished and vilified by artists and critics; Импрессионизм was initially regarded by "many conservative critics" as a "subversive foreign influence", but became "fully assimilated" into British art during the early-20th century.[75] The Irish artist Джек Батлер Йейтс (1871–1957), was based in Dublin, at once a художник-романтик, а символист и экспрессионист.

Завихрение was a brief coming together of a number of Модернист artists in the years immediately before 1914; members included Виндхэм Льюис, скульптор Sir Jacob Epstein, Дэвид Бомберг, Malcolm Arbuthnot, Лоуренс Аткинсон, the American photographer Элвин Лэнгдон Коберн, Фредерик Этчеллс, французский скульптор Анри Годье-Бжеска, Катберт Гамильтон, Кристофер Невинсон, Уильям Робертс, Эдвард Уодсворт, Джессика Дисморр, Helen Saunders, и Дороти Шекспир. The early 20th century also includes Ситуэллы artistic circle and the Bloomsbury Group, a group of mostly English writers, intellectuals, philosophers and artists, including painter Дора Кэррингтон, художник и искусствовед Роджер Фрай, искусствовед Клайв Белл, художник Ванесса Белл, художник Дункан Грант среди прочего. Although very fashionable at the time, their work in the visual arts looks less impressive today.[76] British modernism was to remain somewhat tentative until after World War II, though figures such as Бен Николсон kept in touch with European developments.

Уолтер Сикерт и Camden Town Group developed an English style of Impressionism and Пост Импрессионизм with a strong strand of social documentary, including Гарольд Гилман, Spencer Frederick Gore, Чарльз Гиннер, Роберт Беван, Malcolm Drummond и Люсьен Писсарро (the son of French Impressionist painter Камиль Писсарро ).[77] Where their colouring is often notoriously drab, the Шотландские колористы indeed mostly used bright light and colour; некоторые, как Сэмюэл Пепло и Джон Дункан Фергюссон, were living in France to find suitable subjects.[78] They were initially inspired by Sir Уильям МакТаггарт (1835–1910), a Scottish landscape painter associated with Impressionism.

The reaction to the horrors of the First World War prompted a return to pastoral subjects as represented by Пол Нэш и Эрик Равилиус, mainly a printmaker. Стэнли Спенсер painted mystical works, as well as landscapes, and the sculptor, printmaker and типограф Эрик Гилл produced elegant simple forms in a style related to Арт-деко. В Euston Road School was a group of "progressive" realists of the late 1930s, including the influential teacher Уильям Колдстрим. Сюрреализм, with artists including John Tunnard и Бирмингемские сюрреалисты, was briefly popular in the 1930s, influencing Роланд Пенроуз и Генри Мур. Стэнли Уильям Хейтер был Британский художник и гравер associated in the 1930s with Сюрреализм and from 1940 onward with Абстрактный экспрессионизм.[79] In 1927 Hayter founded the legendary Ателье 17 студия в Париже. Since his death in 1988, it has been known as Atelier Contrepoint. Hayter became one of the most influential printmakers of the 20th century.[80] Fashionable portraitists included Мередит Фрэмптон in a hard-faced Art Deco classicism, Август Джон, и сэр Альфред Маннингс if horses were involved. Munnings was President of the Royal Academy 1944–1949 and led a jeering hostility to Modernism. The photographers of the period include Билл Брандт, Angus McBean and the diarist Сесил Битон.

Henry Moore emerged after Вторая Мировая Война as Britain's leading sculptor, promoted alongside Виктор Пасмор, Уильям Скотт и Барбара Хепворт посредством Фестиваль Британии. The "London School" of figurative painters including Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд, Франк Ауэрбах, Леон Коссофф, и Майкл Эндрюс have received widespread international recognition,[81] while other painters such as Джон Минтон и Джон Кракстон are characterized as Neo-Romantics. Грэм Сазерленд, the Romantic landscapist Джон Пайпер (a prolific and popular lithographer), the sculptor Элизабет Фринк, and the industrial townscapes of Л.С. Лоури also contributed to the strong figurative presence in post-war British art.

Люсьен Фрейд

According to William Grimes of Нью-Йорк Таймс "Lucien Freud and his contemporaries transformed figure painting in the 20th century. In paintings like Girl With a White Dog (1951-52), Freud put the pictorial language of traditional European painting in the service of an anti-romantic, confrontational style of portraiture that stripped bare the sitter’s social facade. Ordinary people — many of them his friends — stared wide-eyed from the canvas, vulnerable to the artist’s ruthless inspection."[82] In 1952 at the 26th Венецианская биеннале a group of young British sculptors including Кеннет Армитаж, Рег Батлер, Линн Чедвик, Уильям Тернбулл и Эдуардо Паолоцци, exhibited works that demonstrated anti-monumental, expressionism.[83] Шотландский художник Алан Дэви created a large body of abstract paintings during the 1950s that synthesize and reflect his interest in mythology and zen.[84] Abstract art became prominent during the 1950s with Бен Николсон, Терри Фрост, Питер Ланьон и Патрик Херон, которые были частью St Ives school в Корнуолле.[85] In 1958, along with Kenneth Armitage and William Hayter, Уильям Скотт was chosen by the British Council for the British Pavilion at the XXIX Venice Biennale.

In the 1950s, the London-based Независимая группа formed; откуда поп-арт emerged in 1956 with the exhibition at the Институт современного искусства Это завтра, as a British reaction to абстрактный экспрессионизм.[86] The International Group was the topic of a two-day, international conference at the Тейт Британия in March 2007. The Independent Group is regarded as the precursor to the Поп-арт movement in Britain and the United States.[86][87] В Это завтра show featured Scottish artist Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, и художник Джон Макхейл amongst others, and the group included the influential искусствовед Лоуренс Аллоуэй также.[88]

В 1960-е гг. Сэр Энтони Каро became a leading figure of British sculpture[89] along with a younger generation of abstract artists including Исаак Уиткин,[90] Филипп Кинг и William G. Tucker.[91] John Hoyland,[92] Говард Ходжкин, Джон Уокер, Ian Stephenson,[93][94] Робин Денни, John Plumb[95] и Уильям Тиллер[96] were British painters who emerged at that time and who reflected the new international style of Живопись цветового поля.[97] During the 1960s another group of British artists offered a radical alternative to more conventional artmaking and they included Брюс Маклин, Барри Флэнаган, Ричард Лонг и Гилберт и Джордж. Британский поп-арт художники Дэвид Хокни, Патрик Колфилд, Derek Boshier, Питер Филлипс, Питер Блейк (best known for the cover-art for Сержант Группа Pepper's Lonely Hearts Club ), Джеральд Лэйнг, скульптор Аллен Джонс were part of the sixties art scene as was the British-based American painter Р. Б. Китай. Фотореализм в руках Малькольм Морли (who was awarded the first Приз Тернера in 1984) emerged in the 1960s as well as the оп-арт из Бриджит Райли.[98] Майкл Крейг-Мартин was an influential teacher of some of the Молодые британские художники and is known for the conceptual work, Дуб (1973).[99]

Современное искусство

Застревание: Чарльз Томсон, Сэр Николас Серота принимает решение о приобретении, 2000

Постмодернистский, contemporary British art, particularly that of the Молодые британские художники, has been said to be "characterised by a fundamental concern with material culture ... perceived as a post-imperial cultural anxiety".[101] Ежегодный Приз Тернера, founded in 1984 and organized by the Tate, has developed as a highly publicized showcase for contemporary British art. Among the beneficiaries have been several members of the Молодые британские художники (YBA) movement, which includes Дэмиен Хёрст, Рэйчел Уайтрид, и Трейси Эмин, who rose to prominence after the Заморозить выставка of 1988, with the backing of Чарльз Саатчи and achieved international recognition with their version of концептуальное искусство. This often featured установки, notably Hirst's vitrine containing a preserved shark. The Tate gallery and eventually the Royal Academy also gave them exposure. The influence of Saatchi's generous and wide-ranging patronage was to become a matter of some controversy, as was that of Jay Jopling, the most influential London gallerist.[нужна цитата ]

В Ощущение выставка of works from the Saatchi Collection was controversial in both the UK and the US, though in different ways. At the Royal Academy press-generated controversy centred on Майра, a very large image of the murderer Майра Хиндли к Маркус Харви, but when the show travelled to New York City, opening at the Бруклинский музей in late 1999, it was met with intense protest about Святая Дева Мария к Крис Офили, which had not provoked this reaction in London. While the press reported that the piece was smeared with elephant dung, although Ofili's work in fact showed a carefully rendered black Мадонна decorated with a resin-covered lump of elephant dung. The figure is also surrounded by small коллаж images of female genitalia from pornographic magazines; these seemed from a distance to be the traditional херувимы. Among other criticism, New York Mayor Рудольф Джулиани, who had seen the work in the catalogue but not in the show, called it "sick stuff" and threatened to withdraw the annual $7 million City Hall grant from the Бруклинский музей hosting the show, because "You don't have a right to government subsidy for desecrating somebody else's religion."[102]

В 1999 г. Застрявшие figurative painting group which includes Билли Чайлдиш и Чарльз Томсон was founded as a reaction to the YBAs.[103] В 2004 г. Художественная галерея Уокера постановочный Викторианский панк Stuckists, the first national museum exhibition of the Stuckist художественное движение.[104] В Федерация британских художников hosts shows of traditional figurative painting.[105] Джек Веттриано и Берил Кук have widespread popularity, but not establishment recognition.[106][107][108] Бэнкси made a reputation with street граффити and is now a highly valued mainstream artist.[109]

Энтони Гормли produces sculptures, mostly in metal and based on the human figure, which include the 20 metres (66 ft) high Ангел севера возле Gateshead, one of the first of a number of very large public sculptures produced in the 2000s, Другое место, и Горизонт событий. The Indian-born sculptor Аниш Капур has public works around the world, including Cloud Gate в Чикаго и Небесное зеркало в разных местах; like much of his work these use curved mirror-like steel surfaces. В экологические скульптуры британских earth works artist Энди Голдсуорси have been created in many locations around the world. Using natural found materials they are often very ephemeral, and are recorded in photographs of which several collections in book form have been published.[110] Грейсон Перри works in various media, including ceramics. Whilst leading printmakers include Norman Ackroyd, Элизабет Блэкэддер, Барбара Рэй и Ричард Спэйр.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ Strong (1999), 9–120, or see the references at the linked articles
  2. ^ Waterhouse, Chapters 1-6
  3. ^ Waterhouse, 152
  4. ^ Waterhouse, 138–139; 151; 163
  5. ^ Waterhouse, 135–138; 147–150
  6. ^ Waterhouse, 131–133. The "objections" included that it was a dark night, the boat was small, the king not smartly dressed, and many of the nobles who accompanied him were by then out of favour.
  7. ^ Waterhouse, 132–133; Pevsner, 29–30
  8. ^ Strong (1999), 358-361
  9. ^ Waterhouse, 165; 168–179
  10. ^ Waterhouse, 164–165
  11. ^ Waterhouse, 200-210
  12. ^ Waterhouse, 155–156
  13. ^ Waterhouse, 153–154, 157–160
  14. ^ Waterhouse, 163–164
  15. ^ Snowdin, 278-287, and see Index.
  16. ^ Snodin, 100–106
  17. ^ Snodin, 214-215
  18. ^ Strong (1999), Chapter 24
  19. ^ Pevsner, 172
  20. ^ Snodin, 15–17; 29–31 and throughout.
  21. ^ Reitlinger, 58 (quote), 59-75
  22. ^ Waterhouse, 217-230
  23. ^ Waterhouse, 164–165, 225–227, and see Index.
  24. ^ Waterhouse, 227-230
  25. ^ Waterhouse, Chapter 18; Piper, 54-56; Mellon, 82
  26. ^ Waterhouse, 306-311
  27. ^ Piper, 84; Reitlinger, 434-437 with the remarkable numbers
  28. ^ Waterhouse, 311-316
  29. ^ Reitlinger, 74-75; Waterhouse, 232-241
  30. ^ Pevsner, 159
  31. ^ Strong (1999), 478-479; Waterhouse, Chapter 20
  32. ^ Egerton, 332-342; Waterhouse, 285-289
  33. ^ Waterhouse, 315-322
  34. ^ Waterhouse, 327-329
  35. ^ Griffiths, 49, Chapter 6
  36. ^ snowdin, 236–242
  37. ^ Snodin, 154–157
  38. ^ Stephen Adams, The Telegraph, September 22, 2009, JMW Turner's feud with John Constable unveiled at Tate Britain Retrieved 9 December 2010
  39. ^ Jack Malvern, The Sunday Times, September 22, 2009, Tate Britain exhibition revives Turner and Constable’s old rivalry Retrieved 9 December 2010
  40. ^ "J.M.W. Turner, the Original Artist-Curator – Look Closer". Тейт.
  41. ^ Constable's Great Landscapes: The Six-Foot Paintings, Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия Retrieved 9 December 2010
  42. ^ Pevsner, 161–164; Mellon, 134; Tate 2006 Constable exhibition Tate Britain feature.
  43. ^ Piper, 116
  44. ^ Piper, 127–129
  45. ^ Словарь женщин-художников Retrieved 8 December 2010
  46. ^ Shirley Dent and Jason Whittaker. Radical Blake: Influence and Afterlife from 1827. Houndmills: Palgrave, 2002.
  47. ^ Neil Spencer, The Guardian, October 2000, В мистику, an homage to the written work of William Blake. Retrieved 8 December 2010
  48. ^ Piper, 96-98; Waterhouse, 330
  49. ^ Piper, 135
  50. ^ Piper, 84
  51. ^ Reitlinger, 97
  52. ^ Piper, 139–146; Wilson, 79–81
  53. ^ Piper, 149; Strong (1999), 540–541; Reitlinger, 97–99, 148–151 and elsewhere; he has detail throughout on reproduction rights.
  54. ^ Wilson, 85; Bills, Mark, Frith and the Influence of Hogarth, в William Powell Frith: painting the Victorian age, by Mark Bills & Вивьен Найт, Издательство Йельского университета, 2006 г., ISBN  0-300-12190-3, ISBN  978-0-300-12190-2
  55. ^ Reitlinger, 157; Wilson, 85; Frith's Salon d'Or, Homburg (1871), now Провиденс, Род-Айленд, is Frith's last great panorama, of the gambling at Хомбург [1].
  56. ^ Piper, 131
  57. ^ Strong (1978), throughout. See Appendix I for a revealing full listing of pictures shown at the RA 1769–1904, analysed by subject
  58. ^ Strong (1978), 47-73
  59. ^ Conrad, Peter. The Victorian Treasure House
  60. ^ Fletcher, throughout
  61. ^ Piper, 148–151
  62. ^ а б Whistler versus Ruskin, Princeton edu. В архиве 16 June 2010 at the Wayback Machine Retrieved 13 June 2010
  63. ^ а б [2], от Тейт, retrieved 12 April 2009
  64. ^ Wilson, 89-91; Rosenthal, 144, 160–162; Reitlinger, 156–157
  65. ^ Frayling, 12-64
  66. ^ Hamilton, 57-62; Wilson, 97-99
  67. ^ Hamilton, 146–148
  68. ^ Peters, Lisa N., James McNeil Whistler, pp. 51-52, ISBN  1-880908-70-0.
  69. ^ "See The Correspondence of James McNeill Whistler". Архивировано из оригинал 20 сентября 2008 г.
  70. ^ Peter Stansky's review of Linda Merill's A Pot of Paint: Aesthetics on Trial in Whistler v. Ruskin в Журнал междисциплинарной истории, Vol. 24, No. 3 (Winter, 1994), pp. 536-537 [3]
  71. ^ а б McKenzie, John, Art and Empire, britishempire.co.uk, получено 24 октября 2008
  72. ^ Barringer et al, п. 3.
  73. ^ Готическое возрождение Feature from the Музей Виктории и Альберта
  74. ^ Voysey wallpaper[постоянная мертвая ссылка ], V&A Museum
  75. ^ а б Whittle et al 2005, п. 5.
  76. ^ Wilson, 127–129; Mellon, 182–186
  77. ^ Camden Town Group, Tate Retrieved 7 December 2010
  78. ^ Scottish Colourists, Tate Retrieved 14 December 2010
  79. ^ "Stanley William Hayter (1901 − 1989)". Коллекция произведений искусства. Британский совет. Архивировано из оригинал 15 июля 2010 г.. Получено 5 октября 2010.
  80. ^ Brenson, Michael (6 May 1988). "Stanley William Hayter, 86, Dies; Painter Taught Miró and Pollock". Нью-Йорк Таймс. Получено 18 октября 2008.
  81. ^ Walker, 219-225
  82. ^ "Lucian Freud, Figurative Painter Who Redefined Portraiture, Is Dead at 88". Нью-Йорк Таймс. 21 июля 2011 г.
  83. ^ "Бронзовый век ". Журнал Тейт, Issue 6, 2008. Retrieved on 9 December 2010.
  84. ^ Alan Davie, Tate Retrieved 15 December 2010
  85. ^ Walker, 211-217
  86. ^ а б Livingstone, M., (1990), Поп-арт: непрекращающаяся история, New York: Harry N. Abrams, Inc.
  87. ^ Arnason, H., History of Modern Art: Painting, Sculpture, Architecture, New York: Harry N. Abrams, Inc. 1968.
  88. ^ This is Tomorrow 1956 catalog В архиве 10 июля 2010 г. Wayback Machine Retrieved 9 December 2010
  89. ^ Anthony Caro Exhibition 2005, Tate Britain Retrieved 9 December 2010
  90. ^ May 2006, Sunday Times obituary Retrieved 9 December 2010
  91. ^ ISC Lifetime Achievements Award in Sculpture Retrieved 9 December 2010
  92. ^ tate.org.uk В архиве 11 января 2012 г. Wayback Machine Retrieved 9 December 2010
  93. ^ Ian Stephenson Biography New Art Centre Retrieved 9 December 2010
  94. ^ Ian Stephenson 1934 - 2000 Tate website Retrieved 9 December 2010
  95. ^ Tate Collection Retrieved 9 December 2010
  96. ^ Уильям Тиллер Retrieved 15 January 2018]
  97. ^ "Colorscope: Abstract Painting 1960–1979". Santa Barbara Museum of Art. 2010. Архивировано с оригинал on 3 July 2010. Получено 9 декабря 2010.
  98. ^ Tate Biography Проверено декабрь 2010 г.
  99. ^ Irish Museum of Modern Art Website В архиве 21 мая 2009 г. Wayback Machine Retrieved 9 December 2010
  100. ^ Гоф, Пол (2010). Ужасная красота: британские художники в Первой мировой войне. pp. 127–164.
  101. ^ Barringer et al, п. 17.
  102. ^ "Sensation sparks New York storm", BBC, 23 September 1999. Retrieved 17 October 2008.
  103. ^ Cassidy, Sarah. "Stuckists, scourge of BritArt, put on their own exhibition", Независимый, 23 August 2006. Retrieved 6 July 2008.
  104. ^ Мосс, Ричард. "Stuckist's Punk Victorian gatecrashes Walker's Biennial, Culture24, 17 September 2004. Retrieved 3 December 2009.
  105. ^ "Major new £25,000 Threadneedle art prize announced to rival Turner Prize", 24 Hour Museum, 5 September 2007. Retrieved 7 July 2008.
  106. ^ Смит, Дэвид. "He's our favourite artist. So why do the galleries hate him so much?", Наблюдатель, 11 January 2004. Retrieved 7 July 2008.
  107. ^ Campbell, Duncan. "Beryl Cook, artist who painted with a smile, dies", Хранитель, 29 May 2008. Retrieved 7 July 2008.
  108. ^ "Painter Beryl Cook dies aged 81" BBC, 28 May 2008. Retrieved 7 July 2008.
  109. ^ Reynolds, Nigel. "Banksy's graffiti art sells for half a million", Дейли Телеграф, 25 October 2007. Retrieved 7 July 2008.
  110. ^ Adams, Tim (11 March 2007). "The Interview: Andy Goldsworthy" - через www.theguardian.com.

Источники

  • Barringer, T. J.; Quilley, Geoff; Fordham, Douglas (2007), Art and the British Empire, Издательство Манчестерского университета, ISBN  978-0-7190-7392-2
  • Эгертон, Джуди, каталоги Национальной галереи (новая серия): Британская школа, 1998, ISBN  1-85709-170-1
  • Fletcher, Pamela, Narrating Modernity: The British Problem Picture, 1895–1914, Ashgate, 2003
  • Frayling, Christopher, The Royal College of Art, One Hundred and Fifty Years of Art and Design, 1987, Barrie & Jenkins, London, ISBN  0-7126-1820-1
  • Griffiths, Antony (ed), Landmarks in Print Collecting: Connoisseurs and Donors at the British Museum since 1753, 1996, British Museum Press, ISBN  0-7141-2609-8
  • Hamilton, George Heard, Painting and Sculpture in Europe, 1880-1940 (Pelican History of Art), Yale University Press, revised 3rd edn. 1983 г. ISBN  0-14-056129-3
  • Hughes, Henry Meyric and Gijs van Tuyl (eds.), Blast to Freeze: British Art in the 20th Century, 2003, Hatje Cantz, ISBN  3-7757-1248-8
  • "Mellon": Warner, Malcolm and Alexander, Julia Marciari, Этот другой рай, британские картины из коллекции Пола Меллона в Йельском университете, Yale Center for British Art / Художественные выставки Австралии, 1998 г.
  • Parkinson, Ronald, Музей Виктории и Альберта, Catalogue of British Oil Paintings, 1820–1860, 1990, HMSO, ISBN  0-11-290463-7
  • Певснер, Николаус. The Englishness of English Art, Penguin, 1964 edn.
  • Пайпер, Дэвид, Painting in England, 1500–1880, Penguin, 1965 edn.
  • Рейтлингер, Джеральд; The Economics of Taste, Vol I: The Rise and Fall of Picture Prices 1760-1960, Barrie and Rockliffe, London, 1961
  • Rosenthal, Michael, British Landscape Painting, 1982, Phaidon Press, London
  • Snodin, Michael (ed). Rococo; Art and Design in Hogarth's England, 1984, Trefoil Books/Музей Виктории и Альберта, ISBN  0-86294-046-X
  • "Strong (1978)": Сильный, Рой: А когда вы в последний раз видели своего отца? Викторианский художник и британская история, 1978, Темза и Гудзон, ISBN  0-500-27132-1 (Воссоздавая прошлое .... в нас; Живопись прошлого ... в редакции 2004 г.)
  • «Сильный (1999)»: Сильный, Рой: Дух Британии, 1999, Хатчисон, Лондон, ISBN  1-85681-534-X
  • Уотерхаус, Эллис, Живопись в Великобритании, 1530–1790 гг., 4-е изд., 1978, Penguin Books (ныне серия «Йельская история искусства»), ISBN  0-300-05319-3
  • Уиттл; и другие. (2005), Творческое напряжение: британское искусство 1900-1950 гг., Издательство Пола Холбертона, ISBN  978-1-903470-28-2
  • Уилсон, Саймон; Галерея Тейт, иллюстрированный компаньон, 1990, Галерея Тейт, ISBN  9781854370587
  • Эндрю Уилтон и Энн Лайлс, Великий век британской акварели, 1750–1880 гг., 1993, Престел, ISBN  3-7913-1254-5

внешняя ссылка