Немецкое искусство - German art
Немецкое искусство имеет давнюю и выдающуюся традицию в Изобразительное искусство, от самого раннего известного произведения изобразительного искусства до нынешнего выпуска современное искусство.
Германия была объединена в единое государство только с 19 века, и определение его границ было заведомо трудным и болезненным процессом. В более ранние периоды немецкое искусство часто эффективно включает произведения, созданные в немецкоязычных регионах, включая Австрия, Эльзас и большая часть Швейцария, а также в основном немецкоговорящие города или регионы к востоку современных немецких границ.
Несмотря на тенденцию к пренебрежению по отношению к вкладам Италии и Франции с точки зрения Англоязычный мир, Немецкое искусство сыграло решающую роль в развитии Западное искусство, особенно Кельтское искусство, Каролингское искусство и Оттонское искусство. От развития Романское искусство, Франция и Италия начали вести разработки для остальной части Средний возраст, но производство все более богатой Германии оставалось очень важным.
В Немецкий ренессанс развивался в довольно разных направлениях к Итальянский ренессанс, и первоначально доминировала центральная фигура Альбрехт Дюрер и раннее немецкое господство книгопечатания. Заключительный этап Возрождения, Северный маньеризм, был сосредоточен на окраинах немецких земель, в Фландрия и имперская столица Прага, но, особенно в архитектуре, немецкий Барокко и Рококо с энтузиазмом взялся за эти импортированные стили. Немецкое происхождение Романтизм не привело к столь же центральному положению в изобразительном искусстве, но участие Германии во многих широко Модернист движения после краха Академическое искусство становятся все более важными.
От предыстории до поздней античности
Площадь современного Германия богат находками доисторическое искусство, в том числе Венера из Холе Фельс. Это, кажется, самый старый бесспорный пример Верхнепалеолитическое искусство и образный скульптура человеческого тела в целом, более чем 35 000 лет назад, которая была обнаружена только в 2008 году;[1] наиболее известный Венера Виллендорфская (24–22 000 лет назад) происходит немного дальше австрийской границы. Эффектные находки Бронзовый век золотые шляпы сосредоточены на Германии, как и "центральная" форма Урнфилд культура, и Гальштатская культура. в Железный век "кельтский" Культура Ла Тена сосредоточены в Западной Германии и Восточной Франции, и Германия произвела много крупных находок Кельтское искусство как элитные захоронения на Reinheim и Hochdorf, и оппида такие города, как Глауберг, Manching и Heuneburg.[нужна цитата ]
После длительных войн Римская империя урегулировал свои границы в Germania с Лаймы Германик чтобы включить большую часть юга и запада современной Германии. Немецкие провинции производили искусство в провинциальных версиях римских стилей, но центры там, как и над Рейном во Франции, были крупными производителями прекрасных Древнеримская керамика, экспортируется по всей Империи.[нужна цитата ] Райнцаберн был одним из крупнейших, который был хорошо раскопан и имел специальный музей.[2]
Неманизированные области позднего римского периода подпадают под Искусство периода миграции, примечательны изделиями из металла, особенно ювелирными (самые крупные изделия, по-видимому, в основном носят мужчины).[нужна цитата ]
Средний возраст
Немецкое средневековое искусство действительно начинается с Франкская Империя из Карл Великий (ум. 814), первое государство, которое управляло подавляющим большинством современной территории Германии, а также Франции и большей части Италии. Каролингское искусство был ограничен относительно небольшим количеством предметов, созданных для круга вокруг корта, и ряд Императорские аббатства они спонсировали, но оказали огромное влияние на Средневековое искусство по всей Европе. Самый распространенный тип объекта для выживания - это иллюминированная рукопись; настенные росписи, очевидно, были обычным явлением, но, как и здания, в которых они размещались, почти все исчезли. Более ранние центры освещения располагались в современной Франции, но позже Мец в Lorraine и Аббатство Сен-Галл в современном Швейцария пришли соперничать с ними. В Drogo Sacramentary и Фолчард Псалтырь находятся среди созданных ими рукописей.[3]
Нет каролингов монументальная скульптура выживает, хотя, возможно, самым важным покровительством Карла Великого было то, что он заказал золотую фигуру в натуральную величину Христос на распятие за его Палатинская капелла в Ахене; это известно только из литературных источников и, вероятно, было золотой фольгой вокруг деревянной основы, вероятно, смоделированной с левкас слой, как и более поздний и довольно мятый Золотая Мадонна Эссена. Раннехристианское искусство не были представлены монументальные скульптуры религиозных деятелей в отличие от правителей, поскольку они были тесно связаны с Отцы Церкви с культовыми идолами Древняя римская религия. Византийское искусство и современный Восточно-православный религиозное искусство сохранило запрет до наших дней, но западное искусство, по-видимому, решительно повлияло на пример Карла Великого, который отказался от него. Круг Карла Великого хотел возродить славу классического стиля, который они больше всего знали в своем Поздний античный форме, а также соревноваться с Византийское искусство, в котором им, кажется, помогли художники-беженцы из конвульсий Византийское иконоборчество. Поскольку сам Карл Великий, похоже, не очень интересовался изобразительным искусством, его политическое соперничество с Византийская империя при поддержке Папство, возможно, способствовали сильной про-имиджевой позиции, выраженной в Либри Каролини, в котором излагается позиция в отношении изображений, которых Западная церковь придерживается с небольшими вариациями для остальной части Средний возраст, и не только.[4]
Под следующим Оттонская династия, основная территория которого больше приближалась к современной Германии, Австрии и немецкоязычной Швейцарии, Оттонское искусство был главным образом продуктом крупных монастырей, особенно Райхенау который был ведущим западным художественным центром во второй половине X века. Стиль Райхенау использует упрощенные и узорчатые формы для создания ярко выраженных образов, далеких от классических устремлений каролингского искусства и с нетерпением ожидающих романского стиля. Деревянный Геро Кросс 965–970 дюймов Кельнский собор это и самая старая, и самая прекрасная раннесредневековая фигура распятия почти в натуральную величину; искусствоведы неохотно доверяли документам с указанием даты до тех пор, пока они не были подтверждены дендрохронология в 1976 г.[5] Как и в остальной части Европы, изделия из металла по-прежнему оставались самым престижным видом искусства, например, украшения из драгоценных камней. Крест Лотаря, сделал около 1000, вероятно, в Кёльн.[нужна цитата ]
Романское искусство было первым художественным движением, охватившим все западная Европа, хотя и с региональными сортами. Германия была центральной частью движения, хотя Немецкая романская архитектура скульптура использовалась гораздо реже, чем во Франции. По мере роста благосостояния в городах по всей Германии строились огромные церкви, а не только в тех, которым покровительствовал императорский круг.[6] Французы изобрели Готический стиль, и Германия не спешила его принять, но как только она это сделала, немцы сделали его своим и продолжали использовать еще долгое время после того, как остальная Европа отказалась от него. В соответствии с Анри Фосийон Готика позволила немецкому искусству «впервые определить некоторые аспекты своего естественного гения - энергичную и выразительную концепцию жизни и формы, в которой театральная хвастовство смешалось с неистовой эмоциональной откровенностью».[7] В Бамбергский всадник 1330-х гг., в Бамбергский собор, является самой старой большой постантичной каменной конной статуей; более средневековый княжеский гробницы памятников выжили из Германии, чем из Франции или Англии. В романских и раннеготических церквях были настенные росписи в местных версиях международных стилей, имена которых известны лишь немногим.[8]
Суд Император Священной Римской империи, затем на основе Прага, сыграл важную роль в формировании Интернациональная готика стиль в конце 14 века.[9] Стиль распространился по богатым городам Северной Германии такими художниками, как Конрад фон Зоест в Вестфалия и Майстер Бертрам в Гамбург, и позже Стефан Лохнер в Кёльн. Гамбург был одним из городов в Ганзейский союз, затем на пике своего процветания, и на смену Бертраму в городе пришли такие художники, как Мастер Франк, то Мастер Малчинского Алтаря, Ганс Борнеманн, Хинрик Фунхоф и Вильм Дедеке дожившие до эпохи Возрождения. Ганзейские художники писали заказы для городов Балтии в Скандинавия и современный Балтийские государства на восток. На юге Мастер Бамбергского алтаря первый значительный художник из Нюрнберг, в то время как Мастер Хайлигенкройца а потом Майкл Пачер работал в Австрии.[нужна цитата ]
Как и у Пакера, мастерская Бернт Нотке, художник из ганзейского города Любек, оба окрашены алтарь или вырезал их во все более сложной росписи и позолоте, используемой в качестве каркаса или альтернативы окрашенным панелям. Южно-германская деревянная скульптура сыграла важную роль в разработке новых предметов, отражающих чрезвычайно эмоциональную религиозную жизнь, поощряемую движениями позднесредневекового католицизма, такими как Немецкий мистицизм. Они часто называются на английском языке как andachtsbilder (религиозные изображения) и включают Пьета, Задумчивый Христос, Человек печали, Арма Кристи, Покров Вероники, отрубленная голова Иоанн Креститель, а Мадонна Скорби, многие из которых распространились по Европе и оставались популярными до эпохи барокко, а в популярных религиозных образах и за его пределами. Действительно, «позднеготическое барокко» - это термин, который иногда используется для описания чрезмерно украшенного и эмоционального искусства 15-го века, прежде всего в Германии.[10]
Мартин Шонгауэр, который работал в Эльзасе в последней части 15-го века, был кульминацией поздней готической немецкой живописи с утонченным и гармоничным стилем, но он все чаще тратил время на создание гравюр, для которых были развиты национальные и международные каналы распространения, так что его отпечатки были известны в Италии и других странах. Его предшественники были Мастер игральных карт и Мастер Э.С., оба также из региона Верхнего Рейна.[11] Немецкий консерватизм проявляется в позднем использовании золотого фона, который все еще использовался многими художниками даже в 15 веке.[12]
Ренессансная живопись и гравюры
Концепция Северное Возрождение или же Немецкий ренессанс несколько смущает использование сложного готического орнамента вплоть до XVI века, даже в работах, которые, несомненно, относятся к эпохе Возрождения в их трактовке человеческой фигуры и других аспектах. Классический орнамент имел небольшой исторический резонанс на большей части территории Германии, но в других отношениях Германия очень быстро последовала за развитием событий, особенно в принятии печать с подвижный тип, немецкое изобретение, которое оставалось почти немецкой монополией в течение нескольких десятилетий и было впервые доставлен в большую часть Европы, включая Францию и Италию, немцами.[нужна цитата ]
Печать к гравюра на дереве и гравировка (возможно, еще одно немецкое изобретение) было уже более развито в Германии и Низкие страны чем где-либо еще, и немцы взяли на себя инициативу в разработке книжных иллюстраций, как правило, с относительно низким художественным уровнем, но видимых по всей Европе, причем ксилографии часто одалживаются типографам изданий в других городах или на других языках. Величайший художник немецкого Возрождения, Альбрехт Дюрер, начал свою карьеру в качестве ученика ведущей мастерской в Нюрнберге, Майкл Вольгемут, который в значительной степени отказался от своей живописи, чтобы использовать новую среду. Дюрер работал над самой экстравагантно иллюстрированной книгой того периода - Нюрнбергская хроника, изданный его крестным отцом Антон Кобергер, Крупнейшее в то время издательство принтеров в Европе.[13]
После завершения своего ученичества в 1490 году Дюрер четыре года путешествовал по Германии и несколько месяцев по Италии, прежде чем основал свою собственную мастерскую в Нюрнберге. Он быстро прославился на всю Европу своими энергичными и сбалансированными гравюрами и гравюрами, а также живописью. Несмотря на то, что он сохраняет отчетливо немецкий стиль, его работы демонстрируют сильное итальянское влияние и часто воспринимаются как начало немецкого Возрождения в изобразительном искусстве, которое в течение следующих сорока лет заменило Нидерланды и Францию в качестве области, производящей величайшие инновации в Северной Европейское искусство. Дюрер поддержал Мартин Лютер но продолжал создавать Мадонны и другие католические образы, а также нарисовать портреты лидеров по обе стороны возникающего раскола Протестантская реформация.[13]
Дюрер умер в 1528 году, прежде чем стало ясно, что раскол Реформации стал постоянным, но его ученики следующего поколения не смогли избежать принятия чьей-либо стороны. Большинство ведущих немецких художников стали протестантами, но это лишило их возможности рисовать большинство религиозных произведений, ранее являвшихся основной статьей доходов художников. Мартин Лютер возражал против многих католических образов, но не против самих образов, и Лукас Кранах Старший, близкий друг Лютера, нарисовал ряд «лютеранских запрестольных образований», в основном с изображением Последний ужин, некоторые с портретами ведущих протестантских богословов как Двенадцать апостолов. Эта фаза лютеранского искусства закончилась до 1550 г., вероятно, под более жестокими аниконный влияние Кальвинизм, а религиозные произведения для всеобщего обозрения практически перестали производиться в протестантских районах. Предположительно, во многом из-за этого развитие немецкого искусства практически прекратилось примерно к 1550 году, но в предыдущие десятилетия немецкие художники были очень плодотворны в разработке альтернативных предметов, чтобы восполнить пробел в своих книгах заказов. Кранах, помимо портретов, разработал формат тонких вертикальных портретов провокационных обнаженных людей, получивших классические или библейские названия.[14]
Вне этих событий лежит Маттиас Грюневальд, который оставил очень мало работ, но чей шедевр, его Изенхеймский алтарь (завершена в 1515 году), была широко признана величайшей немецкой живописью эпохи Возрождения, так как была восстановлена критическим вниманием в 19 веке. Это чрезвычайно эмоциональное произведение, продолжающее немецкую готическую традицию безудержного жеста и выражения, с использованием композиционных принципов эпохи Возрождения, но все в этой самой готической форме, многокрылой триптих.[15]
В Дунайская школа это название кружка художников первой трети 16 века в г. Бавария и Австрии, включая Альбрехт Альтдорфер, Вольф Хубер и Августин Хиршфогель. Под руководством Альтдорфера школа дала первые образцы независимого пейзажное искусство на Западе (почти через 1000 лет после Китая), как в картинах, так и в гравюрах.[16] Их религиозные картины имели экспрессионист стиль несколько похож на стиль Грюневальда. Ученики Дюрера Ханс Бургкмайр и Ханс Бальдунг Грайен работал в основном в печатных изданиях, а Бальдунг развивал актуальную тему ведьмы в ряде загадочных гравюр.[17]
Ганс Гольбейн Старший и его брат Сигизмунд Гольбейн писал религиозные произведения в стиле поздней готики. Ганс Старший был пионером и лидером в трансформации немецкого искусства от готики к стилю ренессанс. Его сын, Ганс Гольбейн Младший был важным художником портретов и нескольких религиозных работ, работал в основном в Англии и Швейцарии. Известная серия небольших гравюр Гольбейна на Танец смерти относятся к произведениям Маленькие мастера, группа граверов, специализирующихся на очень мелких и очень подробных гравюрах для буржуазных коллекционеров, в том числе на многих эротических предметах.[18]
За выдающимися достижениями первой половины XVI века последовали несколько десятилетий с примечательным отсутствием заслуживающего внимания немецкого искусства, за исключением законченных портретов, которые никогда не соперничали с достижениями Гольбейна или Дюрера. Следующие крупные немецкие художники работали в довольно искусственном стиле Северный маньеризм, которые им пришлось выучить в Италии или Фландрии. Ганс фон Аахен и нидерландские Бартоломей Шпрангер были ведущими художниками при императорских дворах в Вена и Прага, и продуктивные нидерландские Семья саделер граверов по всей Германии, среди других стран.[19] Этот стиль был продолжен для следующего поколения Варфоломей Штробель, пример немецкого художника, родившегося и работающего в Силезия, в сегодняшней Польша, пока он не эмигрировал, чтобы избежать Тридцатилетняя война и стать художником при польском дворе. Адам Эльшаймер, самый влиятельный немецкий художник 17 века, всю свою зрелую карьеру провел в Италии, где начал с работы на другого эмигранта. Ганс Роттенхаммер. Оба произведены с высокой отделкой кабинетные картины, в основном на меди, с классической тематикой и пейзажным фоном.[нужна цитата ]
Скульптура
В католических частях Южной Германии готическая традиция резьбы по дереву продолжала процветать до конца 18-го века, адаптируясь к изменениям стиля на протяжении веков. Veit Stoss (ум. 1533), Тильман Рименшнайдер (ум. 1531) и Питер Фишер Старший (ум. 1529) были современниками Дюрера, и их долгая карьера охватывала переход между периодами готики и ренессанса, хотя их орнамент часто оставался готическим даже после того, как их композиции начали отражать принципы ренессанса.[20]
Два с половиной века спустя Иоганн Джозеф Кристиан и Игнац Гюнтер были ведущими мастерами периода позднего барокко, оба умерли в конце 1770-х годов, всего за десять лет до французская революция. Важным элементом создания эффекта немецкого барокко в интерьерах были работы Школа Вессобруннера, более поздний срок для лепные мастера конца 17-18 вв. Еще одно проявление немецкого скульптурного мастерства было в фарфор; самый известный модельер Иоганн Иоахим Кендлер из Meissen фабрика в Дрездене, но лучшая работа Франц Антон Бустелли для Нимфенбургский фарфоровый завод в Мюнхен часто считается величайшим достижением фарфора 18 века.[21]
Живопись 17-19 веков
Барокко, рококо и неоклассицизм
Барочная живопись прибыл в Германию очень медленно, примерно до 1650 года, но однажды созданный, похоже, хорошо соответствовал немецкому вкусу. Барокко и Рококо периоды видели, как немецкое искусство создавало в основном произведения, основанные на разработках в других местах, хотя было много опытных художников в различных жанрах. Этот период остается малоизвестным за пределами Германии, и хотя он «никогда не претендовал на принадлежность к великим школам живописи», его пренебрежение в истории искусства не из Германии остается поразительным.[22] Многие выдающиеся иностранные художники работали в Германии на принцев, в том числе Бернардо Беллотто в Дрезден и в другом месте, и Джанбаттиста Тьеполо, который три года рисовал Вюрцбургская резиденция с его сын. Многие немецкие художники работали за рубежом, в том числе Иоганн Лисс которые работали в основном в Венеция, Иоахим фон Сандрарт и Людольф Бакуйзен, ведущий художник-маринист последних лет Голландская живопись золотого века. В конце 18 века портретист Генрих Фюгер и его ученик Иоганн Петер Краффт, чьи самые известные работы - три большие фрески в Хофбург, оба переехали в Вену как студенты и остались там.[23]
Неоклассицизм появляется гораздо раньше в Германии, чем во Франции, с Антон Рафаэль Менгс (1728–79), датский художник Асмус Джейкоб Карстенс (1754–98), скульптор Готфрид Шадов (1764–1850). Менгс был одним из самых уважаемых художников своего времени, работал в Риме, Мадриде и других местах и рано Неоклассика стиль, который сейчас кажется довольно изящным, хотя его портреты более эффектны. Более короткая карьера Карстенса была бурной и беспокойной, оставляя за собой след незаконченных работ, но через учеников и друзей, таких как Готтлиб Шик, Джозеф Антон Кох и Бонавентура Дженелли, более влиятельный.[24] Кох родился в горах Австрии. Тироль и стал ведущим континентальным художником пейзажи, сосредоточившись на горных пейзажах, несмотря на то, что большую часть своей карьеры провел в Риме.[нужна цитата ]
Даниэль Ходовецки родился в Данциг, и, по крайней мере, частично идентифицирован как поляк, хотя он говорил только на немецком и французском языках. Его картины и сотни репродукций, книжные иллюстрации и политические карикатуры являются бесценным визуальным свидетельством повседневной жизни и все более сложного менталитета. Просвещение Германия и ее зарождающаяся Национализм.[25] Швейцарского происхождения Антон Графф был плодовитым портретистом в Дрездене, который рисовал как литературных деятелей, так и придворных. В Семья Тишбейн династии были сплошными разносторонними игроками, которые охватили большую часть 18 века между собой, как и Зик семья, первоначально в основном художники величественных потолков в стиле барокко, которые все еще работали в 20 веке в лице иллюстратора Александр Зик.[26] Оба Братья асам, и Иоганн Баптист Циммерманн и его брат, смогли предоставить полный комплекс услуг по заказу церквей и дворцов, проектированию здания и выполнению лепнины и настенной росписи. Комбинированный эффект всех элементов этих зданий в Южной Германии, Австрии и Богемия, особенно их интерьеры, представляют собой некоторые из наиболее полных и крайних воплощений стремления барокко поразить зрителя «сияющим сказочным миром жилища дворянина» или «предвкушением славы рая» в случае церквей.[27]
Самый ранний немецкий академия был Akademie der Künste основан в Берлин в 1696 году, а в течение следующих двух столетий ряд других городов основали свои собственные учреждения параллельно с развитием событий в других европейских странах. В Германии нестабильный рынок искусства в стране, разделенной на множество небольших государств, означал, что значимые немецкие художники по сей день с большей вероятностью принимают преподавательские должности в академиях и их преемниках, чем их эквиваленты в Англии или Франции. . В целом немецкие академии навязывали определенный стиль менее жестко, чем в течение долгого времени в Париже, Лондоне, Москве и других местах.[нужна цитата ]
Написание об искусстве
В эпоху Просвещения немецкие писатели стали ведущими теоретиками и критиками искусства во главе с Иоганн Иоахим Винкельманн, который возвысил Древнегреческое искусство и, несмотря на то, что никогда не посещал Грецию и не видел многих древнегреческих статуй, представил анализ, в котором проводится различие между основными периодами древнегреческого искусства и их связь с более широкими историческими движениями. Работа Винкельмана знаменовала собой вхождение истории искусства в высокофилософский дискурс немецкой культуры; его с жадностью читали Гете и Фридрих Шиллер, оба из которых начали писать об истории искусства, и его рассказ о Группа Лаокоон вызвал ответ Лессинг. Гете пытался стать художником, и его пейзажные зарисовки показывают «случайные вспышки эмоций в присутствии природы, которые в то время совершенно изолированы».[28] Возникновение искусства как основного предмета философских спекуляций было подтверждено появлением Иммануил Кант с Критика суждения в 1790 г., чему способствовал Гегель с Лекции по эстетике. В следующем столетии немецкие университеты первыми начали преподавать историю искусства в качестве академического предмета, заняв лидирующую позицию, которую Германия (и Австрия) заняли в изучении искусства. История искусства вплоть до расселения ученых за границу в нацистский период. Иоганн Готфрид Гердер отстаивал то, что он определил в готике и дюрере как специфически германские стили, начав спор о подходящих моделях для немецкого художника против так называемой «тирании Греции над Германией», которая продлится почти два столетия.[29]
Романтизм и назареяне
Немецкий романтизм увидел возрождение новаторства и самобытности в немецком искусстве. Только за пределами Германии Каспар Давид Фридрих хорошо известен, но было несколько художников с очень индивидуальными стилями, особенно Филипп Отто Рунге, которые, как и Фридрих, тренировались в Копенгагенская академия и был забыт после его смерти до возрождения в 20 веке. Фридрих писал почти полностью пейзажи, с характерным северным колоритом и всегда ощущением квазирелигиозной тишины. Часто его фигуры видны сзади - они как будто теряются в созерцании пейзажа.[30] Портреты Рунге, в основном из его круга, натуралистичны, за исключением его огромных детей, но другие работы за его короткую карьеру все больше отражают мечтатель пантеизм.[31] Адриан Людвиг Рихтер в основном известен своими портретами, а Карл Вильгельм Кольбе был чисто гравер (также как и филолог ), на более поздних гравюрах которого изображены фигуры, почти поглощенные гигантской растительностью.[32]
В Назарянинское движение, чеканка насмешливого критика, обозначает группу немецких художников-романтиков начала XIX века, стремившихся возродить честность и духовность в христианском искусстве. Основной мотивацией назареев была реакция на неоклассицизм и рутинное художественное образование в академической системе. Они надеялись вернуться к искусству, воплощающему духовные ценности, и искали вдохновения у художников позднего Средневековья и раннего Возрождения, отвергая то, что они считали поверхностной виртуозностью более позднего искусства. Их программа не отличалась от английской. Братство прерафаэлитов в 1850-х годах, хотя основная группа дошла до ношения особой псевдосредневековой одежды. В 1810 г. Иоганн Фридрих Овербек, Франц Пфорр, Людвиг Фогель и швейцарец Иоганн Конрад Хоттингер переехал в Рим, где они заняли заброшенный монастырь Сан-Исидоро. К ним присоединились Филипп Вайт, Петр фон Корнелиус, Юлиус Шнорр фон Карольсфельд, Фридрих Вильгельм Шадов и небольшая группа других немецких художников. Они встретились с австрийским художником-романтиком-пейзажистом Йозефом Антоном Кохом (1768–1839), который стал неофициальным наставником группы. В 1827 г. к ним присоединились Йозеф фон Фюрих, и Эберхард Вехтер позже был связан с группой. В отличие от сильной поддержки прерафаэлитов доминирующим художественным критиком того времени, Джон Раскин Гете пренебрежительно относился к назареям: «Это первый случай в истории искусства, когда настоящие таланты взяли на вооружение воображение формировать себя задом наперед, уходя в утробу своей матери, и таким образом открыли новую эпоху в искусстве».[33]
Во главе с Назарянином Шадовым, сыном скульптора, Дюссельдорфская школа была группой художников, которые рисовали в основном пейзажи, и которые учились или находились под влиянием Дюссельдорфская академия, основанная в 1767 году. Влияние академии росло в 1830-х и 1840-х годах, и у нее было много американских студентов, некоторые из которых стали связаны с Школа реки Гудзон.[34]
Натурализм и не только
Бидермейер относится к стилю в литературе, музыке, изобразительном искусстве и дизайне интерьера в период между концом Наполеоновские войны в 1815 году и революции 1848 года. Искусство бидермейера привлекало зажиточный средний класс детализированными, но отточенными реализм, часто прославлявшие домашние добродетели, и стали преобладать над французскими аристократическими вкусами, а также над чаяниями романтизма. Карл Шпицвег был ведущим немецким художником в этом стиле.[35]
Во второй половине XIX века развился ряд стилей, параллельных тенденциям в других европейских странах, хотя отсутствие доминирующей столицы, вероятно, способствовало еще большему разнообразию стилей, чем в других странах.[36]
Адольф Мензель пользовались огромной популярностью как среди немецкой общественности, так и среди чиновников; на его похоронах Вильгельм II, немецкий император зашёл за гроб. Он драматизировал прошлое и современное Прусский военные успехи как в живописи, так и в гениальных резьба по дереву иллюстрировал книги, но домашние предметы интимны и трогательны. Он следил за развитием ранних Импрессионизм создать стиль, который он использовал для изображения больших общественных мероприятий, среди других предметов, подобных его Студия Стена. Карл фон Пилоти был ведущим академический художник по историческим предметам во второй половине века, преподававший в Мюнхене; среди его наиболее известных учеников были Ганс Макарт, Франц фон Ленбах, Франц Дефреггер, Габриэль фон Макс и Эдуард фон Грюцнер. Термин «мюнхенская школа» используется в обоих немецких и греческой живописи, после того, как греки любят Георгиос Якобидес учился у него.[нужна цитата ]. Самым влиятельным учеником Пилоти был Вильгельм Лейбл. Как глава так называемого Leibl-Circle, неформальной группы художников с неакадемическим подходом к искусству, он оказал большое влияние на реализм в Германии.[37]
В Берлинский сецессион группа, основанная в 1898 году художниками, в том числе Макс Либерманн, которые в целом разделяли художественный подход Мане и французы Импрессионистов, и Ловис Коринф потом еще живопись в натуралистическом стиле. Группа просуществовала до 1930-х годов, несмотря на раскол, и ее регулярные выставки помогли запустить следующие два поколения берлинских художников, не навязывая особого стиля.[38] Ближе к концу века Бенедиктинский Художественная школа Beuron разработал стиль, в основном для религиозных фресок, в довольно приглушенных тонах, с средневековец интерес к образцу, который возник из Les Nabis и в некотором смысле с нетерпением ждали Искусство модерн или «югендстиль» («молодежный стиль»), как его называют по-немецки.[39] Франц фон Штук и Макс Клингер ведущие немецкие Символист художники.[нужна цитата ]
20 век
Даже больше, чем в других странах, немецкое искусство в начале 20-го века развивалось через ряд разрозненных групп и движений, многие из которых охватывали также другие художественные средства массовой информации, и часто с определенным политическим элементом, например Arbeitsrat für Kunst и Ноябрьская группа оба были образованы в 1918 году. В 1922 году «Ноябрьская группа», Дрезденский сецессион, «Das Junge Rheinland» и несколько других прогрессивных групп сформировали «Картель передовых художественных групп в Германии» (Kartell fortschrittlicher Künstlergruppen в Германии) в попытке получить известность.[40]
Die Brücke («Мост») была одной из двух групп немецких художников, основавших экспрессионизм, другое существо Der Blaue Reiter группа. Die Brücke - это группа немецких художников-экспрессионистов, сформированная в Дрезден в 1905 году студенты-архитекторы, которые хотели стать художниками: Фриц Блейл (1880–1966), Эрих Хекель (1883–1970), Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938) и Карл Шмидт-Ротлуф (1884–1976), с Макс Пехштейн и другие позже присоединятся.[41] Печально известный индивидуализм Эмиль Нольде (1867–1956) некоторое время был членом Die Brücke, но не соглашался с более молодыми членами группы. Die Brücke переехал в Берлин в 1911 году, где в 1913 году был распущен. Возможно, самым важным их вкладом стало повторное открытие гравюра на дереве как действенное средство для оригинального художественного выражения.[нужна цитата ]
Der Blaue Reiter («Синий всадник») образовалась в Мюнхен, Германия в 1911 году. Василий Кандинский, Франц Марк, Август Маке, Алексей фон Явленский, Марианна фон Веревкин и другие основали группу в ответ на отказ от картины Кандинского «Страшный суд» с выставки Neue Künstlervereinigung - еще одной группы художников, членом которой был Кандинский. Название Der Blaue Reiter произошло от энтузиазма Марка к лошадям и от любви Кандинского к синему цвету. Для Кандинского синий - это цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает человеческое стремление к вечному (см. Его книгу 1911 года «О духовном в искусстве»). Кандинский также назвал картину Der Blaue Reiter (см. Иллюстрацию) в 1903 году.[42] Интенсивная скульптура и гравюра Кете Кольвиц находился под сильным влиянием Экспрессионизм, который также стал отправной точкой для молодых художников, которые присоединились к другим тенденциям в движениях начала 20 века.[43]
Die Brücke и Der Blaue Reiter оба были примерами тенденции немецкого искусства начала 20 века быть «честным, прямым и духовно вовлеченным».[44] Однако разница в том, как две группы пытались это сделать, говорила о многом. Художники Der Blaue Reiter были менее ориентированы на интенсивное выражение эмоций, а больше на теорию - тенденцию, которая привела Кандинского к чистой абстракции. Тем не менее, важны были духовные и символические свойства абстрактной формы. Таким образом, в абстракциях Кандинского присутствовали утопические тона: «Перед нами век сознательного творчества, и этот новый дух в живописи идет рука об руку с мыслями о направлении эпохи большей духовности».[45] Die Brücke также имел утопические тенденции, но воспринимал средневековую гильдию ремесленников как образец совместной работы, которая могла бы улучшить общество: «Каждый, кто прямо и достоверно передает то, что ведет его к творчеству, принадлежит нам».[46] В Баухаус разделял эти утопические наклонности, стремясь соединить изобразительное и прикладное искусство (Gesamtkunstwerk ) с целью создания лучшего общества.[нужна цитата ]
Веймарский период
Важной чертой немецкого искусства в начале 20 века до 1933 года был бум производства произведений искусства гротеск стиль.[47][48] Художники, использующие Сатирический -Гротеск жанр включен Джордж Гросс, Отто Дикс и Макс Бекманн, по крайней мере, в их произведениях 1920-х гг. Дадаизм в Германии, ведущими практиками которых были Курт Швиттерс и Ханна Хёх, был сосредоточен в Берлине, где он имел тенденцию быть более политически ориентированным, чем группы Дада в других местах.[49] Они внесли важный вклад в развитие коллажа как средства политического комментария - позже Швиттерс разработал свой Мерцбау, предшественник инсталляционного искусства.[49] Дикс и Гросс также были связаны с берлинской группой Дада. Макс Эрнст привел Дадаизм группа в Кельне, где он также практиковал коллаж, но с большим интересом к готическому фэнтези, чем к явному политическому содержанию, - это ускорило его переход в сюрреализм, из которых он стал ведущим немецким практикующим.[50] Швейцарского происхождения Пауль Клее, Лионель Фейнингер и другие экспериментировали с кубизм.[нужна цитата ]
В Новая объективность, или Neue Sachlichkeit (новая прозаичность), было художественным движением, возникшим в Германии в 1920-е годы как следствие экспрессионизма и в оппозиции к нему. Таким образом, он является пост-экспрессионистским и применяется к произведениям изобразительного искусства, а также к литературе, музыке и архитектуре. Он описывает урезанный, упрощенный строительный стиль Баухаус и Поселок Вайссенхоф, градостроительство и проекты государственного жилья Бруно Таут и Эрнст Мэй, и индустриализация домашнего хозяйства, типичная для Франкфуртская кухня. Грош и Дикс были ведущими фигурами, сформировав «веристскую» сторону движения вместе с Бекманном и Кристиан Шад, Рудольф Шлихтер, Георг Шольц (в его ранних работах), Эльфриде Лозе-Вехтлер, и Карл Хаббух. Другую тенденцию иногда называют Магический Реализм, и включены Антон Редершайдт, Георг Шримпф, Александр Канольдт, и Карл Гроссберг. В отличие от некоторых других групп, Neue Sachlichkeit никогда не была формальной группой, и ее художники были связаны с другими группами; термин придумал отзывчивый куратор, а «Магический реализм» - искусствовед.[51]
Плакацтил, "стиль плаката" на немецком языке, был ранним стилем плакат дизайн, начавшийся в начале 20 века, с использованием жирных прямых шрифтов с очень простым дизайном, в отличие от Искусство модерн плакаты. Люсьен Бернхард был ведущей фигурой.[нужна цитата ]
Искусство в третьем рейхе
Нацистский режим запрещен современное искусство, которые они осудили как дегенеративное искусство (от немецкого: entartete Kunst). Согласно нацистской идеологии, современное искусство отклонилось от предписанной нормы. классическая красота. Хотя 1920-1940-е годы считаются периодом расцвета современных художественных движений, существовали конфликтующие националистические движения, которые негодовали на абстрактное искусство, и Германия не была исключением. Немецкие художники-авангардисты теперь были заклеймены как врагами государства, так и угрозой для немецкой нации. Многие уехали в изгнание, и относительно немногие вернулись после Второй мировой войны. Дикс остался тем, кто был призван в Фольксштурм Ополчение ополчения; Пехштейн опустил голову в деревне Померания. Нольде тоже остался, создав свои «неокрашенные картины» втайне после того, как ему запретили рисовать. Бекманн, Эрнст, Гросс, Фейнингер и другие уехали в Америку, Клее - в Швейцарию, где и умер. Киршнер покончил с собой.[52]
В июле 1937 года нацисты открыли полемическую выставку под названием Entartete Kunst (Дегенеративное искусство ), в Мюнхене; Впоследствии он посетил еще одиннадцать городов Германии и Австрии. Выставка была задумана как официальное осуждение современного искусства и включала более 650 картин, скульптур, гравюр и книг из собраний тридцати двух немецких музеев. Экспрессионизм, зародившийся в Германии, имел наибольшую долю представленных картин. Одновременно и с большим размахом нацисты представили Grosse deutsche Kunstausstellung (Великая выставка немецкого искусства) во дворце Haus der deutschen Kunst (Дом немецкого искусства). На этой выставке были представлены работы официально утвержденных художников, таких как Арно Брекер и Адольф Виссель. Через четыре месяца Entartete Kunst привлекли более двух миллионов посетителей, что почти в три с половиной раза больше, чем посетило близлежащие Grosse deutsche Kunstausstellung.[53]
Искусство после Второй мировой войны
Послевоенные художественные направления в Германии можно условно разделить на Социалистический реализм в ГДР (коммунистический Восточная Германия ), И в Западная Германия множество в основном международных движений, включая Неоэкспрессионизм и Концептуализм.[нужна цитата ]
Известный социалистический реализм включает или включает Вальтер Вомака, Вилли Ситте, Вернер Тюбке и Бернхард Хейсиг.
Особо известные неоэкспрессионисты включают или включают Георг Базелиц, Ансельм Кифер, Йорг Иммендорф, А. Р. Пенк, Маркус Люпертц, Питер Роберт Кейл и Райнер Феттинг. Другие известные художники, работающие с традиционными медиа или образными образами, включают: Мартин Киппенбергер, Герхард Рихтер, Зигмар Польке, и Нео Раух.[нужна цитата ]
Ведущие немецкие концептуалисты включают или включены Бернд и Хилла Бехер, Ханне Дарбовен, Ханс-Петер Фельдманн, Ханс Хааке, и Шарлотта Посененске.[54]
В Художник-исполнитель, скульптор, теоретик Йозеф Бойс был, пожалуй, самым влиятельным немецким художником конца 20 века.[55] Его главным вкладом в теорию было расширение Gesamtkunstwerk включить все общество, как это выражено его знаменитым выражением «Каждый - художник». Это расширенное понятие искусства, известное как социальная скульптура, определяет все, что способствует творчеству общества, как художественное по своей природе. Форма, которую это приняло в его творчестве, варьировалась от метафорических, почти шаманских представлений, основанных на его личной мифологии (Как объяснять картинки мертвому зайцу, Мне нравится Америка, а Америка любит меня ) к более прямым и утилитарным выражениям, таким как 7000 дубов и его деятельность в Зеленая вечеринка.[нужна цитата ]
Известны своими событиями HA Schult и Вольф Фостелл. Вольф Фостелл также известен своими ранними инсталляциями с телевидением. Его первые инсталляции с телевидением Цикл Черная Комната с 1958 г. демонстрировался в Вупперталь в Galerie Parnass в 1963 году и его инсталляция 6 ТВ Декор / возраст был показан в Смолинской галерее [56] в Нью-Йорке также в 1963 году.[57][58]
Художественная группа Gruppe SPUR включены: Лотар Фишер (1933–2004), Хеймрад Прем (1934–1978), Ханс-Петер Циммер (1936–1992) и Гельмут Штурм (1932). Художники SPUR познакомились сначала в Академии изящных искусств в Мюнхене и, прежде чем поссориться с ними, были связаны с Situationist International. Другие группы включают Юнге Уайлд конца 1970-х - начала 1980-х гг.[нужна цитата ]
документ (sic) - крупная выставка современного искусства, проходящая в Кассель каждые пять лет (2007, 2012 ...), Art Cologne это ежегодная художественная ярмарка, опять же в основном для современного искусства, и Transmediale - ежегодный фестиваль искусства и цифровой культуры, проводимый в Берлине.[нужна цитата ]
Среди других современных немецких художников Джонатан Миз, Даниэль Рихтер, Альберт Олен, Маркус Олен, Розмари Трокель, Андреас Гурски, Томас Рафф, Блинки Палермо, Ханс-Юрген Шликер, Гюнтер Юкер, Арис Калайзис, Катарина Фрич, Фриц Швеглер и Томас Шютте.[нужна цитата ]
Примечания
- ^ Фигурка Венеры проливает свет на истоки искусства древних людей Лос-Анджелес Таймс, 14 мая 2009 г., по состоянию на 11 декабря 2009 г.
- ^ Музей Терра Сигиллата в Рейнцаберне (на немецком)
- ^ См. Hinks повсюду, главы 1 Beckwith и 3–4 Dodwell
- ^ Додвелл, 32 г. Либри Каролини
- ^ Беквит, Глава 2
- ^ Беквит, Глава 3
- ^ Фосийон, 106
- ^ Додвелл, Глава 7
- ^ Леви, 24-7, 37 и пасс., Снайдер, Глава II
- ^ Снайдер, 308
- ^ Снайдер, главы IV (художники до 1425 г.), VII (художники до 1500 г.), XIV (граверы) и XV (скульптура).
- ^ Фосийон, 178–181
- ^ а б Бартрум (2002)
- ^ Снайдер, часть III, гл. XIX о Кранахе, Лютере и т. Д.
- ^ Снайдер, гл. XVII
- ^ Дерево, 9 - это основная тема всей книги
- ^ Снайдер, гл. XVII, Бартрум, 1995 г.
- ^ Снайдер, гл. XX о Гольбейнах, Bartrum (1995), 221–237 о гравюрах Гольбейна, 99–129 о Маленьких мастерах
- ^ Тревор-Ропер, Леви
- ^ Снайдер, 298–311
- ^ Дикарь, 156
- ^ Гриффитс и Кэри, 24 года (цитата), и Шайер, 9 лет (с 1960 г., но точка зрения остается в силе)
- ^ Новотный, 62–65
- ^ Новотный, 49–59
- ^ Гриффитс и Кэри, 50–68, Новотны, 60–62
- ^ Новотный, 60
- ^ Гомбрич, 352–357; цитаты из стр. 355 и 357
- ^ Новотного, 78 (цитата); и см. указатель Винкельмана и т. д.
- ^ Риторическая фраза была придумана или популяризирована: Батлер, Элиза М., «Тирания Греции над Германией: исследование влияния греческого искусства и поэзии на великих немецких писателей восемнадцатого, девятнадцатого и двадцатого веков» (Cambridge Univ. Press, Лондон, 1935)
- ^ Новотный, 95–101
- ^ Новотный, 106–112
- ^ Гриффитс и Кэри, 112–122.
- ^ Гриффитс и Кэри, 24–25 лет и пассим, цитата из п. 24
- ^ Джон К. Ховат: Американский рай: Мир школы реки Гудзон, С. 311
- ^ Дойл, Маргарет, в Энциклопедия романтической эпохи, 1760–1850, Том 1, изд. Кристофер Джон Мюррей, стр. 89, Тейлор и Фрэнсис, 2004 г. ISBN 1-57958-361-X,Книги Google
- ^ Гамильтон, 180
- ^ Вильгельм Лейбль. Искусство видеть, Кунстхаус Цюрих, 2019
- ^ Гамильтон, 181–184; упоминания в указателе см. В дальнейшем.
- ^ Гамильтон, 113
- ^ Крокетт, Деннис (1999). Немецкий постэкспрессионизм: искусство великого беспорядка 1918–1924 гг.. Юниверсити-Парк, Пенсильвания: Издательство Пенсильванского государственного университета. п. 76. ISBN 0271043164.
- ^ Гамильтон, 197–204, и Хонор и Флеминг, 569–576.
- ^ Хонор и Флеминг, 569–576, и Гамильтон, 215–221.
- ^ Гамильтон, 189–191
- ^ Хантер, Якобус и Уиллер (2000) стр. 113
- ^ qtd. Хантер и др., Стр. 118
- ^ Из Манифеста Die Brücke, qtd Hunter et al p. 113
- ^ Эсти Шейнберг (2000) Ирония, сатира, пародия и гротеск в музыке Дмитрия Шостаковича, pp.248–9, ISBN 978-0-7546-0226-2
- ^ Памела Корт (2004) Комический гротеск, Престел Паблишинг ISBN 978-3-7913-3195-9
- ^ а б Хантер, Якобус и Уиллер (2000), стр. 173–77.
- ^ Гамильтон, 473–478
- ^ Гамильтон, 478–479
- ^ "Эрнст Людвиг Кирхнер Биография, искусство и анализ произведений". Получено 2015-09-29.
- ^ Гамильтон, 486–487
- ^ Марцона, Даниэль. (2005) Концептуальное искусство. Кельн: Taschen. Различные страницы
- ^ Мома Фокус, получено 16 декабря 2009 г.
- ^ Рольф Ведевер. Вольф Фостелл. Ретроспектива, 1992, ISBN 3-925520-44-9
- ^ Вольф Фостелл, Цикл Черная Комната, 1958, инсталляция с телевизором
- ^ Вольф Фостелл, 6 ТВ Декор / возраст, 1963, инсталляция с телевизором
Рекомендации
Портал Германиидальнейшее чтение
- Немецкие мастера девятнадцатого века: живопись и графика из ФРГ. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. 1981 г. ISBN 978-0-87099-263-6.
- Нэнси Мармер, "Измы на Рейне: Весткунст", Искусство в Америке, Vol. 69, ноябрь 1981 г., стр. 112–123.
