История искусства - Art history

Эта статья об академической дисциплине история искусства. Для обзора истории искусства во всем мире см. История искусства. Для использования в других целях см. История искусства (значения).

Венера Милосская, на Лувр

История искусства изучение эстетических объектов и визуального выражения в исторический и стилистический контекст.^[1] Традиционно дисциплина истории искусства делала упор на живопись, рисунок, скульптуру, архитектуру, керамику и декоративное искусство, но сегодня история искусства исследует более широкие аспекты визуальной культуры, включая различные визуальные и концептуальные результаты, связанные с постоянно меняющимся определением искусства. .^[2][3] История искусства включает в себя изучение предметов, созданных различными культурами по всему миру и на протяжении всей истории, которые передают значение, важность или полезность, прежде всего с помощью визуальных средств.

История искусства как дисциплина отличается от художественная критика, который связан с установлением относительной художественной ценности отдельных работ по сравнению с другими произведениями сопоставимого стиля или санкционированием всего стиля или движения; и теория искусства или же "философия искусства ", который касается фундаментальной природы искусства. Одним из направлений этой области исследования является эстетика, который включает в себя исследование загадки возвышенный и определение сущности красоты. Технически история искусства - это не такие вещи, потому что историк искусства использует исторический метод чтобы ответить на вопросы: как художник пришел к созданию произведения ?, Кто был покровителем? Кто был их учителем? Кто был аудиторией? Кто был их учеником? Какие исторические силы сформировали творчество художника и как повлияли ли он или она и творчество, в свою очередь, на ход художественных, политических и социальных событий? Однако сомнительно, можно ли дать удовлетворительный ответ на многие вопросы такого рода, не рассматривая также основные вопросы о природе искусства. Существующий дисциплинарный разрыв между историей искусства и философией искусства (эстетикой) часто препятствует этому исследованию.^[4]

Методологии

История искусства - это междисциплинарная практика, которая анализирует различные факторы - культурные, политические, религиозные, экономические или художественные, - которые способствуют визуальному оформлению произведения искусства.

Историки искусства используют ряд методы в своих исследованиях онтология и история объектов.

Историки искусства часто рассматривают произведения в контексте своего времени. В лучшем случае это делается с уважением к мотивам и императивам создателя; с учетом желаний и предубеждений покровителей и спонсоров; со сравнительным анализом тем и подходов коллег и учителей творца; и с учетом иконографии и символизм. Короче говоря, этот подход рассматривает произведение искусства в контексте мира, в котором оно было создано.

Историки искусства также часто исследуют произведения через анализ формы; то есть использование создателем линия, форма, цвет, текстура, и состав. Этот подход исследует, как художник использует двумерный картинный самолет или три измерения из скульптурный или же архитектурный пространство для создания своего искусства. Использование этих отдельных элементов приводит к репрезентативный или же непредставительный Изобразительное искусство. Имитирует ли художник предмет или изображение, встречающееся в природе? Если так, то это репрезентативный. Чем ближе искусство к идеальной имитации, тем больше искусство реалистичный. Художник не имитирует, а вместо этого полагается на символизм, или в важном смысле стремится уловить сущность природы, а не копировать ее напрямую? Если это так, искусство не является репрезентативным - также называется Абстрактные. Реализм и абстракция существуют как континуум. Импрессионизм является примером изобразительного стиля, который не был прямым подражанием, но стремился создать «впечатление» от природы. Если работа не является репрезентативной и является выражением чувств, стремлений и стремлений художника или представляет собой поиск идеалов красоты и формы, работа не репрезентативна или является произведением искусства. экспрессионизм.

An иконографический Анализ - это анализ, который фокусируется на определенных элементах дизайна объекта. Внимательно изучив такие элементы, можно проследить их происхождение и сделать выводы относительно происхождения и траектории этих элементов. мотивы. В свою очередь, можно сделать любое количество наблюдений относительно социальных, культурных, экономических и эстетических ценностей лиц, ответственных за создание объекта.

Многие искусствоведы используют критическая теория чтобы сформулировать свои запросы по объектам. Теория чаще всего используется при работе с более новыми объектами, начиная с конца 19 века. Критическая теория в истории искусства часто заимствуется из литературоведы, и он предполагает применение нехудожественных аналитических рамок к изучению предметов искусства. Феминистка, Марксист, критическая гонка, странный, и постколониальный все теории хорошо известны в данной дисциплине. Как и в литературоведении, среди ученых есть интерес к природе и окружающей среде, но направление, которое это примет в данной дисциплине, еще не определено.

Совсем недавно средства массовой информации и цифровые технологии представили возможности визуального, пространственного и экспериментального анализа. Соответствующие формы варьируются от фильмов до интерактивных форм, включая виртуальные среды, дополненные среды, локальные медиа, сетевые медиа и т. Д. Методы, обеспечиваемые такими методами, находятся в активной разработке и обещают включать качественные подходы, которые могут подчеркнуть повествовательный, драматический, эмоциональный и игровые характеристики истории и искусства.^[5]

Хронология выдающихся методов

Плиний Старший и древние прецеденты

Самыми ранними из сохранившихся произведений об искусстве, которые можно отнести к истории искусства, являются отрывки из Плиний Старший с Естественная история (ок. 77-79 н.э.), относительно развития Греческая скульптура и живопись.^[6] От них можно проследить идеи Ксенократ Сикионский (ок. 280 г. до н.э.), греческий скульптор, который, возможно, был первым историком искусства.^[7] Плиния, хотя в основном энциклопедия наук, таким образом, оказал влияние эпоха Возрождения вперед. (Отрывки о техниках, использованных художником Апеллес c. (332-329 г. до н.э.), были особенно хорошо известны.) Подобные, хотя и независимые, события произошли в Китае 6-го века, где канон достойных художников был установлен писателями из числа ученых-официальных лиц. Эти писатели, обязательно владеющие каллиграфией, сами были художниками. Художники описаны в Шесть принципов живописи сформулировано Се Хэ.^[8]

Вазари и биографии художников

Джорджио Вазари, Автопортрет около 1567 г.

Антон фон Марон, Портрет Иоганн Иоахим Винкельманн, 1768

А личные воспоминания об искусстве и художниках давно написаны и прочитаны (см. Лоренцо Гиберти Комментарии, для лучшего раннего примера),^[9] это был Джорджо Вазари, тосканский художник, скульптор и автор Жизни выдающихся художников, скульпторов и архитекторов, который написал первую правду история искусства.^[10] Он подчеркнул прогресс и развитие искусства, что стало важной вехой в этой области. Это был личный исторический отчет, в котором представлены биографии отдельных итальянских художников, многие из которых были его современниками и личными знакомыми. Самым известным из них был Микеланджело, и рассказ Вазари поучительно, хотя и предвзято^{[нужна цитата ]} на местах.

Идеи Вазари об искусстве оказали огромное влияние и послужили образцом для многих, в том числе на севере Европы. Карел ван Мандер с Шильдер-Бёк и Иоахим фон Сандрарт с Teutsche Akademie.^{[нужна цитата ]} Подход Вазари господствовал до 18 века, когда его биографический отчет об истории подвергся критике.^{[нужна цитата ]}

Винкельман и художественная критика

Ученые, такие как Иоганн Иоахим Винкельманн (1717–1768) критиковали «культ» творческой личности Вазари и утверждали, что реальный акцент в изучении искусства должен делаться на взглядах образованного наблюдателя, а не на уникальной точке зрения харизматичного художника. Таким образом, произведения Винкельмана стали началом художественной критики. Две его наиболее известные работы, которые представили концепцию художественной критики, были Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst, опубликованная в 1755 году, незадолго до его отъезда в Рим (Fuseli опубликовал английский перевод в 1765 году под заголовком Размышления о живописи и скульптуре греков), и Geschichte der Kunst des Altertums (История искусства в древности), изданный в 1764 г. (это первое упоминание словосочетания «история искусства» в названии книги) ».^[11] Винкельманн критиковал художественные излишества Барокко и Рококо формы и способствовал реформированию вкуса в пользу более трезвых Неоклассицизм. Джейкоб Буркхардт (1818–1897), один из основоположников истории искусства, отмечал, что Винкельманн был «первым, кто различал периоды античного искусства и связал историю стиля с мировой историей». С Винкельмана до середины 20-го века в области истории искусства преобладали немецкоязычные ученые. Таким образом, работа Винкельмана знаменовала собой вхождение истории искусства в высокофилософский дискурс немецкой культуры.

Винкельмана жадно читали Иоганн Вольфганг Гете и Фридрих Шиллер, оба из которых начали писать об истории искусства, и его рассказ о Группа Лаокоон вызвал ответ Лессинг. Возникновение искусства как основного предмета философских спекуляций было подтверждено появлением Иммануил Кант с Критика суждения в 1790 г., чему способствовал Гегель с Лекции по эстетике. Философия Гегеля послужила прямым вдохновением для Карл Шнаазе работа. Шнааза Niederländische Briefe заложил теоретические основы истории искусства как автономной дисциплины, а его Geschichte der bildenden Künste, один из первых исторических обзоров истории искусства от античности до эпохи Возрождения, способствовал преподаванию истории искусства в немецкоязычных университетах. Обзор Шнааза был опубликован одновременно с аналогичной работой Франц Теодор Куглер.

Вёльфлин и стилистический анализ

Видеть: Формальный анализ.

Генрих Вельфлин (1864–1945), учившийся у Буркхардта в Базеле, является «отцом» истории современного искусства. Вельфлин преподавал в университетах Берлина, Базеля, Мюнхена и Цюриха. Ряд студентов сделали выдающуюся карьеру в истории искусства, в том числе Якоб Розенберг и Фрида Шоттмюллер. Он представил научный подход к истории искусства, сосредоточив внимание на трех концепциях. Во-первых, он пытался изучать искусство с помощью психологии, в частности, применяя работы Вильгельм Вундт. Он утверждал, среди прочего, что искусство и архитектура хороши, если они напоминают человеческое тело. Например, дома были хорошими, если их фасады выглядели как лица. Во-вторых, он представил идею изучения искусства через сравнение. Сравнивая отдельные картины друг с другом, он смог различить стиль. Его книга эпоха Возрождения и Барокко развил эту идею и первым показал, чем эти стилистические периоды отличаются друг от друга. В отличие от Джорджио Вазари Биографии художников Вёльфлина не интересовали. Фактически он предлагал создать «историю искусства без имен». Наконец, он изучал искусство на основе идей национальность. Его особенно интересовало, существует ли по своей сути "итальянский" и "по сути"Немецкий "стиль. Этот последний интерес наиболее полно сформулирован в его монографии о немецком художнике. Альбрехт Дюрер.

Ригль, Викхофф и Венская школа

Основная статья: Венская школа истории искусств

Одновременно с карьерой Вёльфлина, крупная школа историко-художественной мысли развивалась в Венский университет. В первом поколении Венской школы доминировали Алоис Ригль и Франц Викхофф, оба студента Мориц Таузинг, и характеризовался тенденцией к переоценке забытых или недооцененных периодов в истории искусства. Ригль и Викхофф много писали об искусстве поздняя античность, который до них считался периодом отхода от классического идеала. Ригль также внес свой вклад в переоценку барокко.

Следующее поколение профессоров Вены включало Макс Дворжак, Юлиус фон Шлоссер, Ганс Титце, Карл Мария Свобода и Йозеф Стшиговски. Ряд самых важных историков искусства двадцатого века, в том числе Эрнст Гомбрих, получили дипломы в Вене в это время. Термин «Вторая венская школа» (или «Новая венская школа») обычно относится к следующему поколению венских ученых, включая Ганс Седльмайр, Отто Пехт и Гвидо Кашниц фон Вайнберг. Эти ученые начали в 1930-х годах возвращаться к работе первого поколения, особенно к Риглю и его концепции. Kunstwollen, и попытался развить его в полноценную искусствоведческую методологию. Седльмайр, в частности, отвергал детальное изучение иконографии, патронажа и других подходов, основанных на историческом контексте, предпочитая вместо этого сосредоточиться на эстетических качествах произведения искусства. В результате Вторая венская школа приобрела репутацию безудержной и безответственной школы. формализм, и, кроме того, был окрашен открытым расизмом Седлмайра и его членством в нацистской партии. Эту последнюю тенденцию, однако, разделяли далеко не все члены школы; Пехт, например, сам был евреем и был вынужден покинуть Вену в 1930-х годах.

Панофский и иконография

Фотограф неизвестен, Aby Warburg c. 1900 г.

Наше понимание символического содержания искусства в 21 веке исходит от группы ученых, собравшихся в Гамбург в 1920-е гг. Наиболее заметными среди них были Эрвин Панофски, Aby Warburg, Фриц Саксл и Гертруда Бинг. Вместе они разработали большую часть словарного запаса, который продолжает использоваться в 21 веке историками искусства. «Иконография», корни которой означают «символы из письма», относятся к предметам искусства, полученным из письменных источников, особенно из Священных Писаний и мифологии. «Иконология» - более широкий термин, относящийся ко всей символике, независимо от того, происходит ли она из определенного текста или нет. Сегодня историки искусства иногда используют эти термины как синонимы.

Панофски в своих ранних работах также развивал теории Ригля, но со временем стал больше интересоваться иконографией, и в частности передачей тем, связанных с классической античностью в Средние века и Возрождение. В этом отношении его интересы совпадали с интересами Варбурга, сына богатой семьи, который собрал в Гамбурге впечатляющую библиотеку, посвященную изучению классических традиций в более позднем искусстве и культуре. Под эгидой Саксла эта библиотека была преобразована в исследовательский институт, связанный с Гамбургский университет, где преподавал Панофский.

Варбург умер в 1929 году, а в 1930-х годах Саксл и Панофски, оба евреи, были вынуждены покинуть Гамбург. Саксл поселился в Лондоне, привезя с собой библиотеку Варбурга и основав Институт Варбурга. Панофски поселился в Принстоне на Институт перспективных исследований. В этом отношении они были частью необычайного притока немецких историков искусства в англоязычную академию в 1930-х годах. Эти ученые были в значительной степени ответственны за превращение истории искусства в законную область изучения в англоязычном мире, и влияние методологии Панофски, в частности, определило курс американской истории искусства для целого поколения.

Фрейд и психоанализ

Генрих Вельфлин был не единственным ученым, который использовал психологические теории при изучении искусства. Психоаналитик Зигмунд Фрейд написал книгу о художнике Леонардо да Винчи, в котором он использовал картины Леонардо, чтобы допросить художника психика и сексуальная ориентация. Из своего анализа Фрейд сделал вывод, что Леонардо, вероятно, был гомосексуалист.

Групповое фото 1909 года на фоне Университет Кларка. Передний ряд: Зигмунд Фрейд, Granville Stanley Hall, Карл Юнг; задний ряд: Абрахам А. Брилл, Эрнест Джонс, Шандор Ференци

Хотя использование посмертного материала для проведения психоанализа вызывает споры среди историков искусства, особенно с учетом того, что сексуальные нравы времен Леонардо и Фрейда различаются, такие попытки предпринимаются часто. Одним из самых известных психоаналитиков является Лори Шнайдер Адамс, написавшая популярный учебник: Искусство сквозь время, и книга Искусство и психоанализ.

Ничего не подозревающий поворот в истории художественной критики произошел в 1914 году, когда Зигмунд Фрейд опубликовал психоаналитическую интерпретацию Моисея Микеланджело под названием Der Moses des Michelangelo как один из первых психологов, основанных на анализе произведения искусства.^[12] Фрейд впервые опубликовал эту работу вскоре после прочтения книги Вазари. Жизни. По неизвестным причинам Фрейд изначально опубликовал статью анонимно.

Юнг и архетипы

Карл Юнг также применял психоаналитическую теорию к искусству. К.Г. Юнг был Швейцарский психиатр, влиятельный мыслитель и основатель аналитическая психология. Подход Юнга к психологии подчеркивал понимание психика через исследование миров мечты, Изобразительное искусство, мифология, Мир религия и философия. Большую часть своей жизни он посвятил изучению восточной и западной философии. алхимия, астрология, социология, а также литература и искусство. Его наиболее заметный вклад включает его концепцию психологического архетип, то коллективное бессознательное, и его теория синхронность. Юнг считал, что многие переживания воспринимаются как совпадение были не только из-за шанс но вместо этого предполагал проявление параллельных событий или обстоятельств, отражающих эту управляющую динамику.^[13] Он утверждал, что коллективное бессознательное и в искусстве обнаруживались архетипические образы. Его идеи пользовались особой популярностью среди американских Абстрактные экспрессионисты в 1940-1950-х гг.^[14] Его работа вдохновила сюрреалист концепция рисования образов из снов и бессознательного.

Юнг подчеркивал важность баланса и гармонии. Он предупредил, что современные люди слишком сильно полагаются на науку и логику и выиграют от интеграции духовности и понимания царства бессознательного. Его работа не только вызвала у искусствоведов аналитическую работу, но и стала неотъемлемой частью искусства. Джексон Поллок Например, он создал серию рисунков для сопровождения своих психоаналитических сеансов со своим юнгианским психоаналитиком, доктором Джозефом Хендерсоном. Хендерсон, который позже опубликовал рисунки в тексте, посвященном сеансам Поллока, осознал, насколько мощными были рисунки как терапевтический инструмент.^[15]

Наследие психоанализа в истории искусства было глубоким и простирается за пределы Фрейда и Юнга. Известная историк-феминистка Гризельда Поллок, например, опирается на психоанализ как при чтении современного искусства, так и при перечитывании модернистского искусства. С Гризельда Поллок чтения французского феминистского психоанализа и, в частности, работ Юлия Кристева и Браха Л. Эттингер, как и в случае с чтением Розалиндой Краусс Жак Лакан и Жан-Франсуа Лиотар и кураторское перечитывание искусства Катрин де Зегер, Феминистская теория написано в полях Французский феминизм и Психоанализ сильно повлиял на переосмысление как мужчин, так и женщин-художников в истории искусства.

Маркс и идеология

В середине 20 века искусствоведы приветствовали социальная история используя критические подходы. Цель заключалась в том, чтобы показать, как искусство взаимодействует с властными структурами в обществе. Один критический подход, который историки искусства^{[ВОЗ? ]} использовался марксизм. Марксистская история искусства попыталась показать, как искусство было привязано к определенным классам, как изображения содержат информацию об экономике и как изображения могут сделать статус-кво естественным (идеология ).^{[нужна цитата ]}

Марсель Дюшан и движение Дада запустили анти-арт стиль. Различные художники не хотели создавать произведения искусства, которым все соответствовали в то время. Эти два движения помогли другому художнику создавать произведения, которые не рассматривались как традиционное искусство. Некоторыми примерами стилей, которые являются ответвлениями движения против искусства, могут быть неодадаизм, сюрреализм и конструктивизм. Эти стили и художник не хотел сдаваться традиционным способам искусства. Такой образ мышления спровоцировал политические движения, такие как русская революция и коммунистические идеалы.^[16]

Произведение художника Исаака Бродского «Ударник из Днепрстроя» 1932 года показывает его политическую причастность к искусству. Это произведение искусства можно проанализировать, чтобы показать внутренние проблемы, которые переживала Советская Россия в то время. Возможно, самым известным марксистом был Клемент Гринберг, получивший известность в конце 1930-х годов благодаря своему эссе "Авангард и Китч ".^[17] В эссе Гринберг утверждал, что авангард возник для защиты эстетический стандарты от упадка вкус участвует в общество потребления и рассматривает китч и искусство как противоположности. Гринберг далее утверждал, что авангард и Модернист искусство было средством противостоять выравниванию культуры, производимому капиталистическая пропаганда. Гринберг присвоил немецкое слово 'китч чтобы описать это потребительство, хотя его коннотации с тех пор изменились на более позитивное представление об остатках материалов капиталистической культуры. Гринберг позже^{[когда? ]} стал известен тем, что исследовал формальные свойства современного искусства.^{[нужна цитата ]}

Мейер Шапиро - один из самых запоминающихся историков-марксистов середины ХХ века. Хотя он писал о многочисленных периодах времени и темах в искусстве, его лучше всего помнят за его комментарий к скульптуре позднего периода. Средний возраст и рано эпоха Возрождения, когда он увидел доказательства капитализм возникающие и феодализм снижается.^{[нужна цитата ]}

Арнольд Хаузер написал первый марксистский обзор западного искусства под названием Социальная история искусства. Он попытался показать, как классовое сознание отражалось в основные периоды искусства. Когда книга была опубликована в 1950-х годах, она вызвала споры, поскольку в ней делаются обобщения о целых эпохах, и эта стратегия теперь называется "вульгарный марксизм ".^{[нужна цитата ]}

История марксистского искусства дорабатывалась на кафедре истории искусств в UCLA с такими учеными, как Т.Дж. Кларк, О.К. Веркмайстер, Дэвид Кунцле, Теодор В. Адорно и Макс Хоркхаймер. T.J. Кларк был первым историком искусства, писавшим с марксистской точки зрения, отказавшись от вульгарный марксизм. Он написал марксистские истории искусства нескольких импрессионист и реалист художники, в том числе Гюстав Курбе и Эдуард Мане. Эти книги были сосредоточены на политическом и экономическом климате, в котором создавалось искусство.^{[нужна цитата ]}

История феминистского искусства

Линда Нохлин эссе "Почему не было великих женщин-художников? "помогло разжечь феминистскую историю искусства в 1970-е годы и остается одним из самых читаемых эссе о художницах-женщинах. Затем последовал выпуск 1972 года. Колледж художественной ассоциации Панельная дискуссия под председательством Ночлина «Эротизм и образ женщины в искусстве XIX века». В течение десятилетия множество статей, статей и эссе набирали обороты, чему способствовало Феминистское движение второй волны, критического дискурса, окружающего взаимодействие женщин с искусством как художниками и субъектами. В своем новаторском эссе Нохлин применяет феминистскую критическую схему, чтобы показать систематическое исключение женщин из художественного обучения, утверждая, что исключение из практики искусства, а также канонической истории искусства было следствием культурных условий, которые ограничивали и ограничивали женщин в области производства искусства. .^[18] К тем немногим, кто добился успеха, относились как к аномалиям и не служили образцом для последующего успеха. Гризельда Поллок - еще один видный историк феминистского искусства, чье использование психоаналитической теории описано выше.

Хотя история феминистского искусства может быть сосредоточена на любом периоде времени и месте, большое внимание было уделено современной эпохе. Некоторые из этих стипендий сосредоточены на феминистское художественное движение, который относится конкретно к опыту женщин. Часто феминистская история искусства предлагает критическое «перечитывание» западного художественного канона, такое как переосмысление Кэрол Дункан Les Demoiselles d'Avignon. Два пионера в этой области Мэри Гаррард и Норма Броуд. Их антологии Феминизм и история искусства: под вопрос ектении, Расширяющийся дискурс: феминизм и история искусства, и Reclaiming Feminist Agency: История феминистского искусства после постмодернизма являются существенными попытками внести феминистские взгляды в дискурс истории искусства. Пара также стала соучредителем Конференция по истории феминистского искусства.

Барт и семиотика

В отличие от иконографии, которая пытается определить смысл, семиотика занимается тем, как создается смысл. Роланд Барт Коннотируемые и обозначенные значения имеют первостепенное значение для этого исследования. В любом конкретном произведении искусства интерпретация зависит от идентификации обозначенное значение - распознавание визуального знака и подразумеваемое значение - мгновенные культурные ассоциации, которые приходят с признанием. Главная задача историка семиотического искусства - найти способы навигации и интерпретации смыслового значения.^[19]

История семиотического искусства стремится раскрыть кодифицированное значение или значения эстетического объекта, исследуя его связь с коллективное сознание.^[20] Историки искусства обычно не придерживаются какой-либо конкретной семиотики, а скорее создают объединенную версию, которую они включают в свою коллекцию аналитических инструментов. Например, Мейер Шапиро одолженный Saussure Дифференциальное значение в попытке прочитать знаки, существующие в системе.^[21] Согласно Шапиро, чтобы понять значение фронтальности в конкретном изобразительном контексте, ее необходимо дифференцировать или рассматривать в связи с альтернативными возможностями, такими как профиль, или три четверти. Шапиро объединил этот метод с работой Чарльз Сандерс Пирс чей объект, знак и интерпретант обеспечили структуру для его подхода. Алекс Поттс демонстрирует применение концепций Пирса к визуальному представлению, исследуя их в связи с Мона Лиза. Увидев Мона Лиза, например, как нечто, выходящее за рамки его материальности, означает идентифицировать его как знак. Затем он распознается как относящийся к объекту вне себя, к женщине или Мона Лиза. Изображение, похоже, не имеет религиозного значения и, следовательно, может считаться портретом. Эта интерпретация приводит к цепочке возможных интерпретаций: кто был сиделкой по отношению к Леонардо да Винчи ? Какое значение она имела для него? Или, может быть, она символ всего женского рода. Эта цепочка интерпретаций или «неограниченный семиозис» бесконечна; Задача историка искусства - установить границы возможных интерпретаций, а также раскрыть новые возможности.^[22]

Семиотика работает в соответствии с теорией, согласно которой изображение можно понять только с точки зрения зрителя. Художник вытесняется зрителем как носитель смысла, даже в той степени, в которой интерпретация остается действительной, независимо от того, задумал ли ее создатель.^[22] Розалинд Краусс поддержала эту концепцию в своем эссе «Во имя Пикассо». Она осудила монополию художника на смысл и настаивала на том, что смысл может быть получен только после того, как произведение будет удалено из исторического и социального контекста. Мике Бал аналогично утверждал, что смысла даже не существует, пока изображение не наблюдает за зрителем. Только после признания этого значение может открыться для других возможностей, таких как феминизм или психоанализ.^[23]

Музейные исследования и коллекционирование

Аспекты предмета, которые вышли на передний план в последние десятилетия, включают интерес к покровительству и потреблению искусства, включая экономику арт-рынка, роль коллекционеров, намерения и стремления тех, кто заказывает произведения, и реакция современных людей. а позже зрители и владельцы. Музейные исследования, включая историю музейного коллекционирования и экспонирования, в настоящее время является специализированной областью изучения, как и история коллекционирования.

Новый материализм

Научные достижения сделали возможным гораздо более точное исследование материалов и методов, используемых для создания произведений, особенно инфракрасный и рентгеновский снимок фотографические техники, которые позволили снова увидеть многие рисунки картин. Правильный анализ пигменты использование в красках теперь возможно, что расстроило многие приписывания. Дендрохронология за панно и радиоуглеродное датирование для старых объектов в органических материалах позволили научные методы датировки объектов подтвердить или опровергнуть даты, полученные на основе стилистического анализа или документальных свидетельств. Развитие хорошей цветной фотографии, которая сейчас хранится в цифровом виде и доступна в Интернете или с помощью других средств, трансформировало изучение многих видов искусства, особенно тех, которые охватывают объекты, существующие в большом количестве и широко разбросанные по коллекциям, такие как иллюминированные рукописи и Персидские миниатюры, и многие виды археологических произведений искусства.

Одновременно с этими технологическими достижениями историки искусства проявляют растущий интерес к новым теоретическим подходам к природе произведений искусства как объектов. Теория вещей, актор – сетевая теория, и объектно-ориентированная онтология играют все большую роль в художественной исторической литературе.

Националистическая история искусства

Создание искусства, академическая история искусства и история художественных музеев тесно связаны с ростом национализма. Искусство, созданное в современную эпоху, на самом деле часто было попыткой вызвать чувство национальное превосходство или же любовь к своей стране. Русское искусство является особенно хорошим примером этого, поскольку Русский авангард и позже Советское искусство были попытки определить идентичность этой страны.

Большинство искусствоведов, работающих сегодня, определяют свою специальность как искусство определенной культуры и определенного периода времени, и часто такими культурами также являются нации. Например, кто-то может специализироваться на истории немецкого или современного китайского искусства XIX века. Акцент на государственности имеет глубокие корни в дисциплине. В самом деле, Вазари с Жизни выдающихся художников, скульпторов и архитекторов это попытка показать превосходство флорентийской художественной культуры, и Генрих Вельфлин сочинений (особенно его монография по Альбрехт Дюрер ) попытка отличить итальянский стиль от немецкого в искусстве.

Многие из крупнейших и наиболее хорошо финансируемых художественных музеев мира, такие как Лувр, то Музей Виктории и Альберта, а Национальная художественная галерея в Вашингтоне принадлежат государству. В большинстве стран действительно есть Национальная галерея, с явной миссией сохранения культурного наследия, принадлежащего правительству, независимо от того, какие культуры создали искусство, и часто подразумеваемой миссией по укреплению собственного культурное наследие. Таким образом, Национальная художественная галерея демонстрирует искусство, созданное в Соединенные Штаты, но также владеет объектами со всего мира.

Деления по периодам

Дисциплина истории искусства традиционно делится на специализации или концентрации, основанные на эпохах и регионах, с дальнейшим подразделением на основе средств массовой информации. Таким образом, кто-то может специализироваться на немецком языке XIX века. архитектура "или в" 16 веке Тосканский скульптура ». Подполя часто включаются в специализацию. Например, Древний Ближний Восток, Греция, Рим и Египет обычно считаются особыми концентрациями Древнее искусство. В некоторых случаях эти специализации могут быть тесно связаны (например, Греция и Рим), в то время как в других такие союзы гораздо менее естественны (индийское искусство против Корейский искусство, например).

Незападный или глобальные взгляды на искусство становятся все более преобладающими в историческом каноне искусства с 1980-х годов.

«История современного искусства» относится к исследованию периода с 1960-х годов по сегодняшний день, отражая разрыв с предположениями модернизм привезены художниками неоавангард и преемственность в современном искусстве с точки зрения практики, основанной на концептуалист и постконцептуалист практики.

Профессиональные организации

В Соединенных Штатах самой важной организацией по истории искусства является Колледж художественной ассоциации.^[24] Он организует ежегодную конференцию и издает Бюллетень Искусства и Художественный журнал. Подобные организации существуют в других частях мира, а также по специальностям, таким как архитектурная история и эпоха Возрождения История искусства. В Великобритании, например, Ассоциация историков искусства является ведущей организацией и издает журнал под названием История искусства.^[25]

Смотрите также

• Эстетика
• Художественная критика
• Bildwissenschaft
• Изобразительное искусство
• История искусства
• Изобразительное искусство и теософия
• Женщины в области истории искусства

Примечания и ссылки

1. "История искусства^{[постоянная мертвая ссылка ]}". WordNet Search - 3.0, princeton.edu
2. «Что такое история искусства и куда она идет? (Статья)». Ханская академия. Получено 2020-04-19.
3. «Что такое история искусства? | История сегодня». www.historytoday.com. Получено 2017-06-23.
4. Cf: «История искусства против эстетики», изд. Джеймс Элкинс (Нью-Йорк: Рутледж, 2006).
5. Эше-Рамшорн, Кристиана и Станислав Рудавски (2012). Захватывающие исследования в области истории искусства и за ее пределами: проект «Воображая возможное прошлое на пути к небесам», Цифровое творчество, 23, 1, стр. 1-21
6. Первый английский перевод получено 25 января 2010 г.
7. Словарь искусствоведов Проверено 25 января 2010 г.
8. Более короткая Колумбийская антология традиционной китайской литературы, Виктор Х. Мэр, стр. 51 получено 25 января 2010 г.
9. Биографии художников Artnet получено 25 января 2010 г.
10. веб-сайт, созданный Адриенн ДеАнджелис, в настоящее время неполный, предполагается, что он будет полным, на английском языке. В архиве 2010-12-05 в Wayback Machine получено 25 января 2010 г.
11. Чилверс, Ян (2005). Оксфордский словарь искусства (3-е изд.). [Оксфорд]: Издательство Оксфордского университета. ISBN  0198604769.
12. Зигмунд Фрейд. Моисей Мичеланджело Стандартное издание Полное собрание психологических работ Зигмунда Фрейда. Перевод с немецкого языка под общей редакцией Джеймса Стрейчи в сотрудничестве с Анной Фрейд при поддержке Аликс Стрейчи и Алан Тайсон. Том XIII (1913-1914): Тотем и табу и другие произведения. Лондон. Пресса Хогарта и Институт психоанализа. 1-е издание, 1955 г.
13. В Синхронность на последних двух страницах Заключения Юнг заявил, что не все совпадения значимы, и объяснил творческие причины этого явления.
14. Юнг определил коллективное бессознательное как сродни инстинктам в Архетипы и коллективное бессознательное.
15. Джексон Поллок Американская сага, Стивен Нейсмит и Грегори Уайт Смит, издательство Кларксона Н. Поттера. авторское право 1989,Архетипы и алхимия С. 327-338. ISBN  0-517-56084-4
16. Гейфорд, Мартин (18 февраля 2017 г.). «Выставки: Революция - Русское искусство 1917-1932 гг.». Зритель. Проверено 29 октября 2018 года.
17. Клемент Гринберг, Искусство и культура, Beacon Press, 1961 год.
18. Ночлин, Линда (январь 1971 г.). «Почему не было великих женщин-художников?». ARTnews.
19. Все идеи в этом абзаце относятся к A. Potts, 'Sign', in R.S. Нельсон и Р. Шифф, Критические термины для истории искусства 2-е изд. (Чикаго, 2003), стр. 31 ".
20. «С. Банн,« Значение / интерпретация », в Р. С. Нельсон и Р. Шифф, Критические термины для истории искусства, 2-е изд. (Чикаго, 2003), стр. 128».
21. "М. Хатт и К. Клонк, История искусства: критическое введение в ее методы (Манчестер, 2006), стр. 213."
22. "А. Поттс," Знак ", в Р.С. Нельсон и Р. Шифф, Критические термины для истории искусства 2-е изд (Чикаго, 2003), стр. 24. "
23. "М. Хатт и К. Клонк, История искусства: критическое введение в ее методы (Манчестер, 2006), стр. 205-208 ».
24. Колледж художественной ассоциации
25. Сайт Ассоциации искусствоведов

дальнейшее чтение

По дате

• Вельфлин, Х. (1915, сделка 1932). Основы истории искусства; проблема развития стиля в позднем искусстве. [Нью-Йорк]: Dover Publications.
• Хаузер, А. (1959). Философия истории искусства. Нью-Йорк: Кнопф.
• Арнцен Э. и Рейнуотер Р. (1980). Путеводитель по литературе по истории искусств. Чикаго: Американская библиотечная ассоциация.
• Холли, М.А. (1984). Панофский и основы истории искусства. Итака, Нью-Йорк: Издательство Корнельского университета.
• Джонсон, В. М. (1988). История искусства: ее использование и злоупотребление. Торонто: Университет Торонто Press.
• Кэрриер, Д. (1991). Принципы написания истории искусства. Юниверсити-Парк, Пенсильвания: Издательство Пенсильванского государственного университета.
• Кемаль, Салим и Иван Гаскелл (1991). Язык истории искусства. Издательство Кембриджского университета. ISBN  0-521-44598-1
• Фитцпатрик, В. Л. Н. В. Д. (1992). История искусства: контекстный справочный курс. Точка зрения серии. Рестон, Вирджиния: Национальная ассоциация художественного образования.
• Минор, Вернон Хайд. (1994). Критическая теория истории искусств. Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Prentice Hall.
• Нельсон Р. С. и Шифф Р. (1996). Критические термины для истории искусства. Чикаго: Издательство Чикагского университета.
• Адамс, Л. (1996). Методологии искусства: введение. Нью-Йорк, Нью-Йорк: IconEditions.
• Фрейзер, Н. (1999). Краткий словарь истории искусств Penguin. Нью-Йорк: Справочник пингвинов.
• Поллок, Г., (1999). Отличия канона. Рутледж. ISBN  0-415-06700-6
• Харрисон, Чарльз, Пол Вуд и Джейсон Гейгер. (2000). Искусство в теории 1648-1815: Антология меняющихся идей. Мальден, Массачусетс: Блэквелл.
• Минор, Вернон Хайд. (2001). История искусства. 2-е изд. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Prentice Hall.
• Робинсон, Хилари. (2001). Феминизм-Арт-Теория: Антология, 1968–2000. Мальден, Массачусетс: Блэквелл.
• Кларк, T.J. (2001). Прощание с идеей: эпизоды из истории модернизма. Нью-Хейвен: Издательство Йельского университета.
• Бухло, Бенджамин. (2001). Неоавангард и культурная индустрия. Кембридж, Массачусетс: MIT Press.
• Мэнсфилд, Элизабет (2002). История искусства и ее институты: основы дисциплины. Рутледж. ISBN  0-415-22868-9
• Мюррей, Крис. (2003). Ключевые писатели об искусстве. 2 тома, Ключевые руководства Routledge. Лондон: Рутледж.
• Харрисон, Чарльз и Пол Вуд. (2003). Искусство в теории, 1900–2000: Антология меняющихся идей. 2-е изд. Мальден, Массачусетс: Блэквелл.
• Шайнер, Ларри. (2003). Изобретение искусства: история культуры. Чикаго: Издательство Чикагского университета. ISBN  978-0-226-75342-3
• Поллок, Гризельда (редактор) (2006). Психоанализ и изображение. Оксфорд: Блэквелл. ISBN  1-4051-3461-5
• Эмисон, Патрисия (2008). Формирование истории искусства. Университетский парк: Издательство Пенсильванского государственного университета. ISBN  978-0-271-03306-8
• Шарлин Спретнак (2014), Духовная динамика в современном искусстве: переосмысление истории искусства с 1800 г. по настоящее время.
• Говен Александр Бейли (2014) Духовное рококо: декор и божественность от салонов Парижа до миссий Патагонии. Фарнем: Ашгейт.

внешняя ссылка

• СМИ, связанные с История искусства в Wikimedia Commons

• Ресурсы по истории искусства в Интернете подробный каталог веб-ссылок, разделенный по периодам
• Словарь искусствоведов, база данных известных искусствоведов, поддерживаемая Университет Дьюка
• LibGuide Колледжа Род-Айленда - ресурсы по искусству и истории искусства