Композитор - Composer

Эта статья о композиторах. Для использования в других целях см. Композитор (значения).
Классический композитор Моцарт

А композитор (латинский compōnō; буквально «тот, кто собирает») является музыкант кто такой автор из Музыка в любой форме, в том числе вокальная музыка (для певец или хор ), инструментальная музыка, электронная музыка, и музыка, сочетающая в себе несколько форм. Композитор может создавать музыку в любом музыкальный жанр, включая, например, классическая музыка, музыкальный театр, блюз, Народная музыка, джаз, и популярная музыка. Композиторы часто выражают свои произведения в нотной записи, используя нотная запись.

Многие композиторы являются или были также искусными исполнителями музыки.

Композиторы и исполнители

Музыкальная нотация служит набором указаний для исполнителя, но существует целый ряд возможностей относительно того, насколько исполнитель определяет окончательную форму представленной работы в исполнении.

Даже в обычном западном произведении инструментальной музыки, в котором все мелодии, аккорды, и басовые партии записаны в нотной записи, исполнитель имеет определенную свободу действий, чтобы добавить художественную интерпретацию к произведению, например, варьируя свою артикуляцию и формулировка, выбирая, как долго делать ферматас (удерживаемые ноты) или паузы, и - в случае смычковых струнных инструментов, деревянных духовых или медных инструментов - принятие решения об использовании выразительных эффектов, таких как вибрато или портаменто. Для певца или исполнителя инструментальных средств процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и записана, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут широко варьироваться в зависимости от выбранного темпа, а также стиля игры или пения или фразировки мелодий. Композиторы и авторы песен, которые представляют свою музыку, интерпретируют так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор вариантов и техник, имеющихся в данное время и в данном месте, называется практика выступления, в то время как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя.[нужна цитата ]

Хотя музыкальное произведение часто есть только один автор, но это не всегда так. Музыкальное произведение может иметь несколько композиторов, что часто встречается в популярная музыка когда группа сотрудничает, чтобы написать песню, или в музыкальный театр, где песни могут быть написаны одним человеком, оркестровка частей аккомпанемента и написания увертюра выполняется оркестратором, и слова могут быть написаны третьим лицом.

Музыкальное произведение также может состоять из слов, изображений или, в 20 и 21 веках, компьютерных программ, которые объясняют или записывают, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры этого диапазона от музыкальная подвеска звенящие на ветру, под авангардную музыку 20-го века, в которой графическое обозначение, в текстовые композиции, такие как Aus den sieben Tagen, компьютерным программам, выбирающим звуки для музыкальных произведений. Музыка, в которой широко используется случайность и случайность, называется алеаторическая музыка, и ассоциируется с современными композиторами, работающими в 20-м веке, такими как Джон Кейдж, Мортон Фельдман, и Витольд Лютославский.

Характер и способы индивидуальной вариации музыки разнообразны в зависимости от музыкальной культуры страны и периода написания. Например, музыка, написанная в Эпоха барокко, особенно в медленных темпах, часто писалось в общих чертах, с ожиданием, что исполнитель добавит импровизированный украшения на мелодическую линию во время выступления. Такая свобода обычно уменьшалась в более поздние эпохи, что коррелировало с более широким использованием композиторами более детальной оценки в форме динамики, артикуляции и так далее; композиторы становятся все более ясными в том, как они хотят интерпретировать свою музыку, хотя то, насколько строго и подробно они продиктованы, варьируется от одного композитора к другому. Из-за тенденции к тому, что композиторы становятся все более конкретными и подробными в своих инструкциях исполнителю, в конечном итоге сформировалась культура, благодаря которой верность письменному замыслу композитора стала высоко цениться (см., Например, Издание Urtext ). Эта музыкальная культура почти наверняка связана с высоким уважением (граничащим с почитанием), которым исполнители часто пользуются ведущими композиторами-классиками.

В исторически обоснованная производительность движение возродило до некоторой степени возможность исполнителя серьезно проработать музыку, данную в партитуре, особенно для Барочная музыка и музыка с самого начала Классический период. Движение можно рассматривать как способ создания больше верность оригиналу в произведениях, написанных в то время, когда исполнители ожидали импровизации. В жанрах, отличных от классической музыки, исполнитель обычно имеет больше свободы; так, например, когда исполнитель западной популярной музыки создает «кавер» на более раннюю песню, мало кто ожидает точного воспроизведения оригинала; при этом не обязательно высоко ценится точная верность (за возможным исключением «нотных» транскрипций известных гитарные соло ).

В западной художественной музыке композитор обычно оркестрирует его или ее собственные композиции, но в музыкальном театре и в поп-музыке авторы могут нанять аранжировщик сделать оркестровку. В некоторых случаях автор поп-песен может вообще не использовать нотацию, а вместо этого сочинить песню в уме, а затем воспроизвести или записать ее по памяти. В джазе и популярной музыке заметным записям влиятельных исполнителей придается тот вес, который играют партитуры в классической музыке. В изучении композиции традиционно преобладали исследования методов и практики западной классической музыки, но определение композиции является достаточно широким, включая создание популярных и традиционных музыкальных песен и инструментальных произведений, и включает в себя спонтанно импровизированные произведения, подобные произведениям бесплатный джаз исполнители и африканские перкуссионисты, такие как Барабанщики Ewe.

История

Уровень различий между композиторами и другими музыканты меняется, что влияет на такие проблемы, как Авторские права[уточнить ] и уважение к индивидуальным интерпретациям определенного музыкального произведения.[нужна цитата ] В развитии европейских классическая музыка, функция сочинения музыки изначально не имела гораздо большего значения, чем функция ее исполнения.[нужна цитата ] Сохранению отдельных композиций не уделялось особого внимания, и музыканты, как правило, не стеснялись изменять композиции для исполнения. По мере того, как роль композитора в западной художественной музыке продолжала укрепляться в альтернативных идиомах (т.е. джаз, экспериментальная музыка ) в некотором смысле он стал более сложным или расплывчатым. Например, в определенных контекстах грань между композитором и исполнитель, звукорежиссер, аранжировщик, режиссер, и другие роли, могут быть довольно размытыми.

Древнегреческий мрамор стела, так называемой Сейкилос эпитафия, с выгравированными на камне стихами и нотами

Термин «композитор» часто используется для обозначения композиторов инструментальная музыка, например, в классической, джазовой или других формах Изобразительное искусство и традиционная музыка. В популярный и Народная музыка композитора обычно называют автор песен, поскольку музыка обычно принимает форму песня. С середины 20 века этот термин расширился и теперь включает в себя создателей электроакустическая музыка, в котором композиторы напрямую создают звуковой материал в любой из различных электронные СМИ, такие как катушечная лента и электронные блоки эффектов, которые могут быть представлены аудитории путем воспроизведения кассеты или другой звукозаписи, или путем выступления инструменталистов и певцов с заранее записанным материалом. Это отличается от концепции инструментальной композиции XIX века, когда произведение было представлено исключительно музыкальные очки быть интерпретированным исполнители.

Древняя Греция

Музыка была важной частью социальной и культурной жизни в Древняя Греция. Мы знаем, что композиторы писали нотную музыку в древнегреческую эпоху, потому что ученые обнаружили Сейкилос эпитафия. Эпитафия, написанная где-то между 200 г. до н.э. и 100 г. н.э.,[1] является старейшим сохранившимся в мире образцом законченного музыкального произведения, включая нотную запись. Песня, мелодия которой записана вместе со словами, в древнегреческая нотная запись, был найден выгравированным на надгробии, стела, возле Айдын, индюк (не далеко от Эфес ). Это Эллинистический Ионный песня в любом Фригийский октавные виды или Ястийский тонос.

Средний возраст

Леонин или Перотен
Бревес умирает hominis
Музыкальная нотация от католика Миссал, c. 1310–1320

В течение Средневековая музыка эпохи (476-1400) композиторы писали однотонный (одиночная мелодическая линия) пение в Римская католическая церковь Сервисы. Затем с развитием нотной записи западная музыка стала больше превращаться в вид искусства. Единственный европейский средневековый репертуар, сохранившийся примерно до 800 г., - монофонический литургический равнина Римско-католической церкви, центральной традицией которой называлось григорианское пение. Наряду с этими традициями священный и церковная музыка существовала яркая традиция светская песня (нерелигиозные песни). Примеры композиторов этого периода: Леонин, Перотен и Гийом де Машо.

эпоха Возрождения

T.L. де Виктория
Amicus Meus
Аллегория музыки к Филиппино Липпи

В течение Музыка эпохи Возрождения эпохи (ок. 1400–1600 гг.) композиторы, как правило, больше сосредотачивались на написании песен на светские (нерелигиозные) темы, такие как изысканная любовь. Около 1450 г. печатный станок был изобретен, который сделал печатные ноты намного дешевле и проще в массовом производстве (до изобретения печатного станка вся нотная запись копировалась вручную). Повышение доступности нот помогло распространить музыкальные стили композиторов быстрее и на большей территории. К середине XV века композиторы писали богато полифоническую духовную музыку, в которой одновременно переплетались разные мелодические линии. Среди выдающихся композиторов этой эпохи Гийом Дюфе, Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Томас Морли, и Орланде де Лассус. По мере того как музыкальная деятельность перешла от церкви к аристократическим дворам, короли, королевы и принцы соревновались за лучших композиторов. Многие ведущие композиторы были выходцами из Нидерландов, Бельгии и Северной Франции. Их называют франко-фламандскими композиторами. Они занимали важные должности по всей Европе, особенно в Италии. Среди других стран с активной музыкальной деятельностью - Германия, Англия и Испания.

Барокко

J.S. Бах
Токката и фуга

В течение Музыка эпохи барокко (С 1600 по 1750 год) композиторы расширили диапазон и сложность написанной музыки. Эпоха музыки барокко началась, когда композиторы обратились к Древнегреческая музыка для вдохновения создавать оперы (драматическая вокальная музыка в сопровождении оркестр ). Еще одним ключевым стилем, который использовали композиторы той эпохи, был контрапункт Музыка. Этот стиль письма требовал от композиторов глубоких знаний теории музыки, поскольку контрапунктная музыка включает в себя несколько независимых мелодических линий, играемых инструментами или исполняемых голосами. Существовали строгие правила контрапункта, которые композиторы должны были усвоить. Немецкие композиторы эпохи барокко писали для малых ансамбли в том числе струны, латунь, и деревянные духовые, а также хоры и для клавишных инструментов, таких как орган, клавесин, и клавикорд. В течение этого периода композиторы разработали несколько основных музыкальных форм, которые сохранились до более поздних периодов, когда они расширялись и развивались дальше, включая фуга, то изобретение, то соната, а концерт.[2] Стиль позднего барокко был полифонически сложным и богато орнаментированным. Некоторые из самых известных композиторов эпохи барокко включают Клаудио Монтеверди, Генрих Шютц, Жан-Батист Люлли, Дитерих Букстехуде, Арканджело Корелли, Генри Перселл, Франсуа Куперен, Антонио Вивальди, Георг Филипп Телеманн, Жан-Филипп Рамо, Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель.

Классицизм

В.А. Моцарт
Симфония 40 соль минор

Композиторы музыки Классический период (1750–1830) обратился к искусству и философии Древней Греции и Рима, к идеалам баланса, пропорций и дисциплинированного выражения. Помимо написания религиозных произведений, композиторы стали писать в более легкой, ясной и значительно более простой текстуре, используя инструментальные мелодии, которые, как правило, были почти голосоподобными и певчими. Композиторами были разработаны новые жанры. Основной стиль был гомофония,[3] где видный мелодия и подчиненный хордовый сопровождение части четко различимы.

Композиторы сосредоточились на инструментальный Музыка. В нем доминировало дальнейшее развитие музыкальных форм, первоначально определенных в период барокко: соната, то концерт, а симфония. Другими основными видами были трио, струнный квартет, серенада и divertimento. Соната была самой важной и развитой формой. Хотя композиторы эпохи барокко также писали сонаты, классический стиль сонаты совершенно особенный. Все основные инструментальные формы классической эпохи, от струнных квартетов до симфоний и концертов, основывались на структуре сонаты.

Одним из самых важных изменений, внесенных в классический период, было развитие публичных концертов. Аристократия по-прежнему играла значительную роль в спонсировании концертов и сочинений, но теперь композиторы могли выжить, не будучи постоянными служащими королев или принцев. Растущая популярность классической музыки привела к увеличению количества и типов оркестров. Расширение оркестровых концертов потребовало строительства больших площадок для публичных выступлений. Симфоническая музыка, включая симфонии, музыкальное сопровождение к балет и смешанные вокальные / инструментальные жанры, такие как опера и оратория стал более популярным.

Наиболее известные композиторы классицизма Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт. Бетховен и Шуберт также считаются композиторами поздней части классической эпохи, когда она начала двигаться в сторону романтизма.

Романтизм

Р. Вагнер
Die Walküre

В течение Романтическая музыка эпохи (ок. 1810–1900) композиторы превратили жесткие стили и формы классической эпохи в более страстные, драматические и выразительные произведения. Композиторы пытались усилить эмоциональное выражение и силу своей музыки, они пытались описать более глубокие истины или человеческие чувства. С симфоническим тональные стихи, композиторы пытались рассказывать истории и вызывать образы или пейзажи с помощью инструментальной музыки. Некоторые композиторы продвинули националистический гордость с патриотической оркестровой музыкой, вдохновленной Народная музыка. Для композиторов эмоциональные и выразительные качества музыки стали преобладать над следованием учебникам и традициям. Композиторы-романтики выросли в индивидуальной непереносимости и пошли дальше в синкретизм изучения различных форм искусства в музыкальном контексте (например, литература ), истории (исторические персонажи и легенды) или самой природы. Романтическая любовь или тоска была преобладающей темой во многих произведениях, написанных в этот период. В некоторых случаях продолжали использоваться формальные структуры классического периода (например, сонатная форма используется в струнные квартеты и симфонии ), но эти формы были расширены и изменены. Во многих случаях композиторы исследовали новые подходы к использованию существующих жанров, форм и функций. Кроме того, композиторы создавали новые формы, которые считались более подходящими для нового предмета. Опера и балет продолжал развиваться.[4]

В годы после 1800 года музыка, разработанная Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт представил более драматичный, выразительный стиль. В случае Бетховена короткое мотивы, разработанная органически, пришла на смену мелодия как наиболее значительную композиционную единицу (пример - отличительная фигура из четырех нот, использованная в его Пятая симфония ). Поздние композиторы-романтики, такие как Петр Ильич Чайковский, Антонин Дворжак, и Густав Малер использовал более необычный аккорды и больше диссонанс создать резкое напряжение. Они создавали сложные и часто гораздо более длинные музыкальные произведения. В период позднего романтизма композиторы исследовали драматические хроматический изменения тональность, такие как расширенные аккорды и измененные аккорды, создавшие новые звуковые «краски». Композиторы эпохи романтизма увеличили размер оркестра, добавив исполнителей и используя новые инструменты, создав более мощный звук. Некоторые вагнеровские оркестры включали в себя несколько арф, массивные струнные секции и Тубы Вагнера.

Музыка 20-го и 21-го веков

Джаз группа, состоящая из контрабасиста Реджи Уоркман, тенор-саксофонист Фараон Сандерс, и барабанщик Идрис Мухаммад, выступавший в 1978 г.

В XIX веке одним из основных способов распространения новых произведений среди публики была продажа нот, которые любители музыки исполняли дома на своем пианино или других инструментах. С участием Музыка 20 века, количество слушателей музыки резко возросло, поскольку радио приобрели популярность и фонографы использовались для воспроизведения и распространения музыки. В 20 веке современные композиторы-классики также находились под влиянием Афроамериканец импровизация -основан джаз Музыка. Влияние джаза можно увидеть в Третий поток музыка и в сочинениях Леонард Бернстайн. В центре внимания художественная музыка характеризовался поиском новых ритмов, стилей и звуков. Игорь Стравинский, Арнольд Шенберг, и Джон Кейдж все были влиятельными композиторами в области художественной музыки 20-го века. Кейдж писал композиции для традиционных классических инструментов и необычных звуковых устройств, которые обычно не воспринимаются как инструменты, таких как радио. Изобретение запись звука а возможность редактировать музыку на магнитной ленте породила новый поджанр классической музыки, в том числе акусматический[5] и Musique concrète школы электронной композиции, в которых композиторы сочиняли произведения на катушечная лента регистраторы и электронное оборудование.

Роль женщин

Основные статьи: Женщины в музыке § Композиторы, и Список женщин-композиторов по дате рождения
Композитор и пианист XIX века. Клара Шуман

В 1993 г. американская музыковед Марсия Цитрон спросил: «Почему музыка, написанная женщинами, настолько маргинальна по сравнению со стандартным« классическим »репертуаром?»[6] Цитрон "исследует практики и отношения, которые привели к исключению женщин-композиторов из числа принятых".каноник 'исполненных музыкальных произведений ". Она утверждает, что в 1800-х годах женщины-композиторы обычно писали художественные песни для выступления в небольших сольных концертах, а не симфонии предназначен для выступления с оркестром в большом зале, причем последние произведения считаются важнейшим жанром для композиторов; поскольку женщины-композиторы не написали много симфоний, они не считались известными как композиторы.[6]

По словам Эбби Филипс, «женщинам-музыкантам было очень трудно добиться успеха и заслужить признание».[7] В средневековые эпохи большая часть художественной музыки создавалась для литургических (религиозных) целей, и из-за взглядов религиозных лидеров на роль женщин, немногие женщины сочиняли этот тип музыки, а монахиня Хильдегард фон Бинген среди исключений. В большинстве университетских учебников по истории музыки почти исключительно обсуждается роль композиторов-мужчин. Кроме того, очень мало произведений женщин-композиторов входит в стандартный репертуар классической музыки. В Краткая оксфордская история музыки, "Клара Шуманн [sic ] - одна из немногих упомянутых женщин-композиторов ",[7] но другие известные женщины-композиторы периода общей практики включают Фанни Мендельсон и Сесиль Шаминад, и, возможно, самым влиятельным учителем композиторов середины 20 века был Надя Буланже.[нужна цитата ] Филипс заявляет, что «в 20 веке женщины, которые сочиняли / играли, привлекали гораздо меньше внимания, чем их коллеги-мужчины».[7]

Сегодня к женщинам относятся более серьезно в сфере концертной музыки, хотя статистика признания, призов, трудоустройства и общих возможностей по-прежнему смещена в сторону мужчин.[8]

Кластеризация

Известные композиторы имеют тенденцию собираться в определенных городах на протяжении всей истории. На основе более чем 12 000 выдающихся композиторов, перечисленных в Grove Music Online и используя количество слов методы измерения, наиболее важные города для классической музыки могут быть определены количественно.[9]

Во все времена Париж был центром классической музыки. Он занимал пятое место в 15–16 веках, но первое место в 17–20 веках включительно. Лондон был вторым по значимости городом: восьмым в XV веке, седьмым в XVI веке, пятым в XVII веке, вторым в XVIII и XIX веках и четвертым в XX веке. Рим возглавлял рейтинг в 15 веке, опустился на второе место в 16 и 17 веках, восьмое место в 18 веке, девятое в 19 веке, но вернулось на шестое место в 20 веке. Берлин появляется в первой десятке рейтинга только в 18 веке и занимает третье место по значимости как в 19, так и в 20 веках. Нью-Йорк вошел в рейтинг в 19 веке (на пятом месте) и занял второе место в 20 веке. Паттерны очень похожи для выборки из 522 лучших композиторов.[10]

Обучение персонала

Профессиональные композиторы-классики часто имеют опыт исполнения классической музыки в детстве и подростковом возрасте. певец в хор, как игрок в молодежный оркестр, или как исполнитель на сольном инструменте (например, пианино, орган, или же скрипка ). Подростки, стремящиеся стать композиторами, могут продолжить свое высшее образование учится в различных учебных заведениях, включая колледжи, консерватории и университеты. Консерватории, которые являются стандартной системой музыкального обучения во Франции и в Квебеке (Канада), предоставляют уроки и опыт любительского оркестрового и хорового пения для студентов-композиторов. Университеты предлагают ряд программ по композиции, включая степени бакалавра, магистра музыки и Доктор музыкальных искусств градусов. Кроме того, существует множество других программ обучения, таких как классические летние лагеря и фестивали, которые дают студентам возможность получить наставления от композиторов.

Бакалавриат

Степени бакалавра по композиции (именуемые B.Mus. или BM) - это четырехлетние программы, которые включают индивидуальные уроки композиции, любительский оркестр / хоровой опыт, а также последовательность курсов по истории музыки, теории музыки и курсам гуманитарных наук (например, английская литература), которые дают студенту более хорошие знания. обоснованное образование. Обычно студенты-композиторы должны закончить важные пьесы или песни до окончания учебы. Не все композиторы имеют степень бакалавра музыки. по составу; композиторы могут также иметь B.Mus. в музыкальном исполнении или теории музыки.

Мастера

Степени магистра музыки (M.mus.) По композиции состоят из частных уроков с профессором композиции, ансамблевого опыта и курсов повышения квалификации по истории музыки и теории музыки, а также одного или двух концертов с участием сочинений студентов-композиторов. Степень магистра музыки (называемая M.Mus. Или M.M.) часто является необходимым минимумом для людей, которые хотят преподавать композицию в университете или консерватории. Композитор с М.Мус. мог бы быть адъюнкт-профессором или преподавателем в университете, но в 2010-х было бы трудно получить след владения профессор должность с этой степенью.

Докторская

Чтобы стать профессором, работающим на постоянной основе, многим университетам требуется докторская степень. По составу ключевой докторской степенью является Доктор музыкальных искусств, а не кандидат наук; докторская степень присуждается по музыке, но обычно по таким предметам, как музыковедение и теория музыки.

Степени доктора музыкальных искусств (также называемые DMA, DMA, D.Mus.A. или A.Mus.D.) по композиции предоставляют возможность для углубленного изучения на самом высоком художественном и педагогическом уровне, что обычно требует дополнительных 54+ кредитных часов. помимо степени магистра (что составляет около 30+ кредитов сверх степени бакалавра). По этой причине прием очень избирательный. Студенты должны представить образцы своих сочинений. Если возможно, некоторые школы также принимают видео- или аудиозаписи исполнения произведений учащихся. Требуются экзамены по истории музыки, теории музыки, тренировке слуха / диктанта и вступительный экзамен.

Студенты должны подготовить значимые произведения под руководством профессоров факультета. Некоторые школы требуют, чтобы студенты-композиторы DMA представили концерты своих произведений, которые обычно исполняют певцы или музыканты из школы. Завершение продвинутых курсовых работ и получение среднего среднего балла - это другие типичные требования программы D.M.A. Во время D.M.A. По программе студент-композитор может получить опыт преподавания музыки студентам бакалавриата.

Другие маршруты

Некоторые композиторы-классики не завершили композиционные программы, а сосредоточили свои исследования на исполнении голоса или инструмента или теория музыки и развили свои композиционные навыки в ходе карьеры в другом музыкальном деле.

Занятость

В средние века большинство композиторов работали на Католическая церковь и сочинял музыку для религиозных служб, таких как равнодушный мелодии. В течение Музыка эпохи Возрождения В эпоху композиторы обычно работали на аристократических работодателей. В то время как аристократы обычно требовали от композиторов создания значительного количества религиозной музыки, такой как Массы, композиторы также сочинили много нерелигиозных песен на тему изысканная любовь: почтительная, благоговейная любовь великой женщины издалека. Куртуазные любовные песни были очень популярны в эпоху Возрождения. В течение Барочная музыка В эпоху, многие композиторы были наняты аристократами или служителями церкви. В течение Классический период композиторы стали организовывать больше публичных концертов с целью получения прибыли, что помогло композиторам меньше зависеть от аристократических или церковных должностей. Эта тенденция продолжилась в Романтическая музыка эпоха 19 века. В 20 веке композиторы начали искать работу профессорами в университетах и ​​консерваториях. В 20 веке композиторы также зарабатывали деньги на продаже своих произведений, таких как ноты публикации своих песен или произведений или как звукозаписи их работ.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ Ландельс, Джон Г. (1999). Музыка в Древней Греции и Риме. Лондон и Нью-Йорк: Рутледж. ISBN  9780415167765.
  2. ^ Торнбург, Элейн; Логан, Джек. "Музыка барокко". trumpet.sdsu.edu. Архивировано из оригинал на 2015-09-05. Получено 2015-10-27.
  3. ^ Блюм, Фридрих (1970). Классическая и романтическая музыка: всесторонний обзор. Нью-Йорк: W.W. Нортон и компания.
  4. ^ Сэвидж, Роджер. "Музыкальное сопровождение". Grove Music Online. Получено 2012-08-13.
  5. ^ Шеффер, Пьер (1966). Traité des objets musicaux. Париж: Éditions du Seuil.
  6. ^ а б Цитрон, Марсия Дж. (1993). Гендер и музыкальный канон. CUP Архив. ISBN  9780521392921.
  7. ^ а б c Филипс, аббатство (1 сентября 2011 г.). «История женщин и гендерных ролей в музыке». Rvanews.com. Получено 2016-01-20.
  8. ^ Алекс Амвросий (21 августа 2014 г.). «Ее музыка: молодая композиторка». WQXR. Получено 2020-04-13.
  9. ^ Боровецкий, Кароль; О'Хаган, Джон (2012). «Исторические образцы, основанные на автоматически извлеченных данных: на примере классических композиторов». Исторические социальные исследования (раздел «Клиометрика»). Association Française de Cliométrie. 37 (2): 298–314. Получено 2012-10-13.
  10. ^ О'Хаган, Джон; Боровецкий, Кароль (8 июля 2010 г.). «Место рождения, миграция и кластеризация важных композиторов». Исторические методы. 43 (2): 81–90. Дои:10.1080/01615441003729945. S2CID  128708194.

внешняя ссылка