Индейская мода - Native American fashion

Жилет с рюшами
Ribbonwork - пользователем Ардина Мур
Вышивка майя, Дзибальчен, Кампече, Мексика
Бархатная рубашка из бисера оджибве, Висконсин

Индейская мода (также известный как Коренная американская мода) охватывает дизайн и создание высокой моды одежда и Модные аксессуары посредством Коренные народы Америки. Дизайнеры из числа коренных народов часто включают мотивы и обычные материалы в их носимые произведения искусства, обеспечивая основу для создания предметов для высокая мода и международные рынки моды. Их дизайн может быть результатом таких методов, как вышивка бисером, квиллинг, натуральная кожа, и текстильное искусство, например, ткачество, ткачество и тафтинг. Однако в некоторых случаях они предпочитают не включать какие-либо материалы, связанные с культурами коренных народов.

В США в соответствии с Закон об индийском искусстве и ремеслах 1990 года, чтобы считаться индейскими дизайнерами, художники должны быть зарегистрированы в государственный или же федерально признанное племя или быть сертифицированным определенным советом племени.[1] В Канаде нет специальных законов для защиты Первые нации иконография и традиционное искусство, хотя два товарные знаки, «Иглу-тег» и «Подлинное одобрение Cowichan» были зарегистрированы для защиты Инуиты народов и дизайнов одежды для Племена Cowichan. В Латинская Америка законодательство скудно, но некоторые страны или отдельные штаты в странах с высокой численностью коренного населения приняли законы для защиты наследия и дизайна коренных народов.

Когда индейские дизайнеры впервые ворвались в индустрию современной моды в 1950-х годах, они приняли паниндийский подход. Выбрав мотивы и иконографию, которые легко идентифицировать как часть культуры коренных народов, они смогли получить признание и развить рыночная доля с основными покупателями. По мере расширения круга местных дизайнеров в высокой моде отдельные дизайнеры отходили от панидианизма, выражая свою индивидуальность, независимо от того, была ли она основана на их традиционном племенном наследии. Многие взяли традиционные темы и включили их в свои работы, в то время как другие взяли определенные предметы одежды и обновили их до современной эстетики, изменив вырез, длину рукавов, подол и другие детали.

Возникли споры по поводу незаконного присвоения или ненадлежащего использования культурного наследия дизайнерами, не являющимися коренными жителями. Уважительное использование образов основными дизайнерами, не принадлежащими к коренным народам, может помочь расширить понимание коренных культур, но плагиат дизайна или неправильное использование усиливает негативные стереотипы и вызывает споры. Точно так же использование ремесленных изделий может расширить осведомленность, если дизайнеры получат справедливую компенсацию за свою работу и получат признание за их вклад. Современные противоречия стимулировали как краудсорсинговые, так и законодательные меры по защите дизайнов и культурного наследия местных дизайнеров.

История

Историческую одежду коренных народов Америки собирали и выставляли кураторы крупных музеев, уделяя особое внимание одежде до 20 века. По большей части в этих коллекциях не учитывались изменения в тенденциях в одежде коренных народов, вызванные политика ассимиляции или доступ к обучению кройке одежды и текстилю промышленного производства.[2] Тем не менее, в музеях, ориентированных на коренное население, проводятся выставки современной местной моды. Например, Национальный музей американских индейцев на выставке Native Fashion Now в Нью-Йорке в 2017 году с участием финалистки Project Runway Патрисии Майклс[3] и Музей индийского искусства и культуры в Санта-Фе уже в 2007 году провели выставки, посвященные местной моде и Институт искусств американских индейцев основатель Ллойд Кива Нью.[4]

В то время как коренные народы всегда производили одежду, до двадцатого века одежда, которую они делали, была для личного или церемониального использования.[5] Тем не мение, принудительная ассимиляция Политика на протяжении девятнадцатого и начала двадцатого веков была сосредоточена на искоренении культуры коренных американцев, включая религиозные обряды, язык и другие традиционные обычаи.[6] Позже такая политика, как 1934 г. Закон о реорганизации Индии изменил стратегию образования коренных народов, побуждая их вместо этого воссоединиться со своей культурой, включая создание традиционной одежды.[7]

В 1942 году американский антрополог Фредерик Х. Дуглас, стремились подчеркнуть красоту моды коренных американцев, представив показ мод с изображением одежды, изготовленной коренными американцами в период с 1830 по 1950 год.[8] В течение того же десятилетия Ллойд Кива Нью, а Чероки кто закончил Художественный институт Чикаго начал гастролировать по Европе и США с одеждой и аксессуар линии, которые он разработал, используя ручную-сотканный и окрашенный ткани и кожаные изделия. В 1945 году New открыла студию в г. Скоттсдейл, Аризона при финансовой поддержке Дугласа,[9] изначально ориентировались на ремни, головные уборы и кошельки. Под влиянием Навахо аптечки, его кошельки, украшенные металлы ручной работы стал специальностью.[10] Осознавая необходимость снижения затрат на рабочую силу, он начал совмещать машинную работу с ручным трудом и учредил ученичество программа для удовлетворения растущих производственных потребностей, одновременно выводя свои разработки на высокопроизводительный рынок.[11]

Получение освещения от национальных журналов, таких как Harper's Bazaar и Житель Нью-Йорка, Нью начал продавать свои сумки в Салон Элизабет Арден и Нейман Маркус.[12] Расширяемся до одежды с акцентом на классический крой и простой дизайн с использованием качественных материалов, новые встроенные ткани Cherokee, шарик- и серебряная работа в линию пальто и платьев для женских и мужских костюмов,[13] извлечение выгоды из рынка роскошной одежды, возникшего после Вторая Мировая Война.[14] «Юго-западный шик» стал национальным трендом в начале 1950-х годов.[15] В 1951 году Нью был единственным американским дизайнером, который участвовал в Международном показе мод в Атлантик-Сити и получил национальное признание.[16] Он начал консультироваться с художниками и включил шелкография ткани с использованием местных мотивов, таких как Пима плетение корзин конструкции Хопи керамика узоры Навахо и Зуни yei elements, опираясь на различные племенные эстетики. Как и в случае с дизайнерами, которые последовали за ним, его священные символы и иконография были изменены, чтобы стать секуляризованными.[17]

Чтобы побудить других художников из числа коренных народов заняться модным дизайном и сохранить культурные традиции, которые, как он опасался, могут быть потеряны,[18] В 1959 году Нью обратил свое внимание на образование, спонсируя летний дизайн-проект, известный как Southwest Indian Arts Project. Экспериментальный проект в конечном итоге привел к созданию Новым и другими художниками Институт искусств американских индейцев (IAIA) в 1962 году.[19] Цель школы заключалась в том, чтобы дать образование, которое способствовало развитию у учащихся гордости за коренное наследие и способствовало развитию навыков, направленных на улучшение их экономических возможностей.[20] Нью преподавал курс печатного текстиля, посвященный технике умирания, и Азалия Торп (Чероки) учил ткачеству.[21] Жозефина Майерс-Вапп (Команчи ) был нанят, чтобы обучить студентов традиционным методам изготовления одежды и аксессуаров, заложив основу для эстетической оценки племенных традиций.[22] Она научила студентов использовать традиционные материалы, такие как перья, кожу и ракушки, а также методы, включая вышивание бисером, лента и ткачество для создания одежды.[23] К 1965 году IAIA проводила местные показы мод, и через три года студенты начали показывать свои работы в других местах в Аризоне, Нью-Мексико, Техасе и Нью-Йорке.[24] В течение десяти лет репутация программ текстильного дизайна в школе получила международное признание.[25]

Жилберто Ортис в 2015 году.
Жилберто Ортис в 2015 году.

В Мексике до 1950 года многие общины коренных народов были изолированы и производили свою собственную традиционную одежду. По мере того, как дороги улучшались, и люди начали переезжать из сельской местности в города, многие отказались от своей традиционной одежды, чтобы слиться со своими новыми космополитическими соседями.[26] В 1965 г. Жилберто Ортис (Mixtec ) переехал из Сан-Андрес-Лагунас, Оахака, в Мехико и начал обучение портному у немецкого предпринимателя Хосе Шредера. Приобретя традиционный европейский стиль, его первым крупным клиентом была икона кино, Мария Феликс. В 1978 году Ортис ушел из Шредера и стал партнером итальянского бизнесмена Эдмундо Каланчини. Он проектировал в основном для бизнесменов и политиков до 1997 года, когда он открыл собственный магазин, ориентированный специально на рынок высокой моды. В 2006 году по предложению своего клиента Хуан Габриэль, Ортис запустил собственный лейбл, Gioros, аббревиатура, состоящая из первых двух букв каждого из его имен, Гилберто Ортис Осорио. В 2012 году текстильная фирма назвала его одним из трех лучших портных мира. Scabal. Обычно Ортис производит одежду в классическом стиле из высококачественных тканей, но в его последнем предложении в 2017 году были мужские и женские джинсы.[27][28][29]

В 1960-е гг. Фрэнки Уэлч (самопровозглашенный выходец из восточных чероки) начал работать консультантом по моде для элиты Вашингтона. После покупки товаров, которые другие делали для ее клиентов, она решила извлечь выгоду из взаимопонимания, которое она установила, и открыла магазин в 1963 году по адресу 305 Cameron St. Старый город. Наиболее известны шарфы, такие как она Слоговое письмо чероки дизайн, она поставила Первые леди Пэт Никсон, Бетти Форд, Розалин Картер, и Нэнси Рейган с аксессуарами. Уэлч также создавал платья для первых леди, в том числе парчовое платье 1974 года для Бетти Форд, которое было частью коллекции 2016 года. Родная мода сейчас тур. Зеленое шелковое платье, которое она также спроектировала для Ford, выставлено на выставке. Смитсоновский институт зал первых леди в Национальный музей американской истории.[30][31][32]

В 1970-х годах другие дизайнеры коренных американцев начали делать себе имя во время Индийские и естественные движения, например Джевел Гилхэм (Черноногие ) и Ремония Якобсен (Отоэ -Айова ).[33] Гилхэм обслужил работающих женщин, проектируя брючные костюмы и длинные платья из полиэстера со вставками из фетра, изображающими геометрические фигуры и местные мотивы.[33][34][35] В работах Якобсена использовались платья свободного кроя с использованием декоративных техник, таких как вышивка. лента в стиле Отоэ и Айовы, аппликация опираясь на Семинол традиции, олень леггинсы с рисунком кайова, а также с элементами декора Пуэбло и Сиу.[36] Подпитывается Американский индеец и Движение за гражданские права, контркультурные потребители нашла привлекательность в работах Гилхэма и Якобсена. Кроме того, их мода способствовала паниндийский единство в поисках политической власти через самовыражение.[37]

С 1975 по 1990

Когда Жозефина Вапп вышла на пенсию в 1975 году, Сэнди Файф Уилсон (Muscogee ) взяла на себя обучение на ее курсе традиционных методов и предложила «Традиционный и современный дизайн моды», чтобы включить в нее современные тенденции моды.[38][39] Студенты Файфа сформировали группу Full Moon Fashions и начали ориентироваться на женщин неместного происхождения в качестве потенциальных покупателей своей продукции.[40] В 1982 году, когда Венди Понка (Осейдж )[41] приняла курсы дизайна одежды в IAIA, она переименовала их волокно в соответствии с учебными программами других аккредитованных университетов, предлагая три уровня обучения.[42] Она основала группу Waves of the Earth Fashion Group и потребовала от своих учеников участвовать в показах мод IAIA, что дало им возможность показать свои творения и узнать, как продавать свои работы.[43] Понка изменила направление моды коренных американцев[42] позволяя дизайнерам определять, будут ли их работы включать в себя традиционные влияния и медиа.[44] Она научила их дизайну одежды, структурной целостности и теории цвета, но позволила студентам интерпретировать, как они использовали уроки.[45] Подход Понка заключался в игнорировании требований о том, чтобы дизайн соответствовал стереотипным определениям самобытности коренных народов. Вместо этого она поощряла творчество[46] и инновации, такие как использование майлар, материал космической эры для создания дизайнов, отражающих связь осейджей с небом.[47]

Показ мод Индийский рынок Санта-Фе, которую уже почти два десятилетия проводят модные эксперты, Джери А-бе-хилл (Kiowa ), быстро стал еще одной площадкой для демонстрации работ студентов,[48][46] использование тела как места для демонстрации дизайнов, а не галерей.[46] Родное восстание, первоначально назывался Родной приток была основана в 1980-х годах как совместная ассоциация художников, дизайнеров и моделей из числа коренных народов, которые были выпускниками IAIA, с явной целью создать современное движение дизайна одежды коренных народов и позволить членам получать прибыль от своих показов мод.[49] С Нью в качестве советника и Понка в качестве координатора, группа включала многих участников, которые сделали себе имя в моде, например Маркус Амерман (Чокто ), выступивший в роли постановщика[50] и РоузМэри Диаз (Санта-Клара Пуэбло ), который специализировался в области дизайна одежды и писательского мастерства, прежде чем начал писать о моде.[51]

В 1981 г. Маргарет Вуд (Навахо /Семинол ) Аризоны, известной модным дизайном, а также одеяла,[52][53] опубликовано Индейская мода: современные адаптации традиционных дизайнов.[54] Книга была первым описанием современной моды коренных американцев и остается единственным подробным описанием предмета.[55] Также в 1980-х годах местные дизайнеры, такие как Луанн Белкорт (Чиппева-Кри ) и Myrtle Raining Bird (Chippewa-Cree) управляли своей компанией. Сидящие орлы, продают одежду, сшитую на заказ, по предварительному заказу для покупателей высокого класса.[56] Жанетт Феррара (Isleta Pueblo ) открыла дизайнерскую студию, известную производством пальто и жилетов из хлопка, шерсти и бархата, а также Ардина Мур (Quapaw -Осейдж ) основал Buffalo Sun в Оклахоме в 1983 году.[57] Джеральдин Шерман (Лакота ) разработан для неродных маркетологов и антропологов Элен Хэган производить одежду с изображением иконографии коренных американцев. Каган продавал их, подчеркивая их духовное и символическое значение.[57][58]

Джери А-бе-хилл на Индийском рынке Санта-Фе 2014. Демонстрация разницы в танцевальных регалиях и экспериментальной моде.

Медицинский работник и модельер, Медведь Марджори не гуляет (Чиппева -Салиш ) создавала элитную одежду для работающих женщин и демонстрировала свою одежду с использованием техники аппликаций на конференциях. Сарай побежал заказ по почте бизнес, позволяющий клиентам предоставлять ей предпочтительные материалы, которые она затем использовала в своих проектах.[59] В 1984 г. Селина Керли (Apache -Навахо) основала дизайнерскую фирму Traditions by Selina, целью которой является сохранение традиций ее наследия. Ее типичный дизайн основан на походном платье Apache с широкой юбкой до щиколотки и длинными рукавами.[60][61]

В Музей американских индейцев Уилрайта, расположенный в Санта-Фе, Нью-Мексико, принимал Talking Threads: современная мода коренных американцев в 1986 году. На выставке представлены дизайны Джойс Бегей-Фосс (Навахо), Лоретта Тах-Мартин (Apache -Понка ) и Мишель Цози Наранхо (Санта-Клара-Навахо-Лагуна Пуэбло -Миссия) и другие.[62] В следующем году Фестиваль красной земли была создана в Оклахома-Сити, демонстрация творений сторонних дизайнеров Майкл Корс, вместе с Филлис Файф (Muscogee), чтобы продемонстрировать, что одежда коренных народов была частью основной моды. Файф был частью группы местных дизайнеров, известных как Модные барабаны красной земли, которые сделали показ мод фестиваля «Красная Земля» ежегодным мероприятием, продемонстрировав, что местная одежда пригодна для повседневного ношения, а не просто как церемониальный костюм.[63] Также в 1987 г. Патта Джост (Чокто) основала свою фирму Patta LT с лейблом Танцующий кролик, создавать высокую моду, производя современную одежду с элементами дизайна из Юго-восточный лесной массив племенное наследие. Они включали слезоточивые платья Cherokee и Лоскутное одеяло семинолов жилеты, включающие такие функции, как Равнинные племена вышивка бисером. В ее линию также вошли инновационные бюстгальтеры и женское белье а также юбки от метлы.[64]

В Закон об индийском искусстве и ремеслах 1990 года прошел мимо Конгресс США. В нем указывалось, что для того, чтобы художники продавали свои работы как коренные американцы, они должны быть зарегистрированы в государстве или признанном на федеральном уровне племени или быть сертифицированы советом племени в качестве члена и должны раскрывать свое родственное племя.[65] Закон был направлен на пресечение незаконного присвоения индейских образцов дизайна не-коренными жителями, желающими заработать на рынке коренных народов. Для коренных американцев их символы, такие как головной убор обладают церемониальными и священными свойствами. Нецелевое использование таких объектов, как 2014 г. Следующая топ Модель использование головного убора для моделей, не принадлежащих к коренным народам, и его использование в Далласе Шанель для них Métiers d'Art шоу, были слишком частыми явлениями. Хотя закон запрещает продажу предметов теми, кто не является членом племени, мало что можно сделать, когда узурпировались узурпированные изображения, символы или имена. Закон, написанный для защиты племен и их культур в целом, не распространяется на отдельных лиц, в результате чего нет защиты работ модельеров. В рамках их племенной традиции символы различных племен обычно не используются. товарный знак, но одним исключением является название "навахо", которое было зарегистрировано в 1943 году.[5]

Вскоре после изменения законодательства США общественные дебаты в Канаде по поводу защиты прав интеллектуальной собственности стали темой СМИ. Нет канадских законов, специально защищающих от культурного присвоения. Правительство использует международные соглашения для подтверждения своей фидуциарной ответственности перед исконными народами. Как и в США, законы охватывают общины в целом, а не индивидуальные авторские права, и коренным народам трудно предотвратить незаконное присвоение их имен и символов. Большинство существующих средств защиты предназначены для защиты экономических прав, а не прав на наследие. В двух случаях были получены товарные знаки для защиты местных художников. С 1959 года «тег иглу» может использоваться только Инуиты люди защищают свои работы. В Совет группы Cowichan зарегистрировал "Genuine Cowichan Approved" как знак специально для дизайна одежды.[66]

1991–2010

В 1990-х годах в стилях дизайна одежды коренных американцев произошел раскол: одна группа стремилась к простым силуэтам с четкими плавными переходами между линиями ткани, а другая группа сосредоточилась на авангард коренная мода. Среди тех, кто предпочитал классику, четкие линии, были Бетти Дэвид (Spokane ),[67] известен ей дубленки;[68] Дороти Грант (Хайда ),[67] кто тренировался в Ванкувер школы дизайна одежды Хелен Лефо, чьи работы включают изображения флоры и фауны Тихоокеанский Северо-Запад, Formline Art и плетеные конструкции;[52][69] и Пенни Сингер (Навахо),[67] которая добавила фотографические изображения на ткани к своим традиционным мужским и женским рубашкам и аксессуарам, украшенным бисером и лентами.[70][71] Вирджил Ортис (Кочити Пуэбло ) и Грант были первыми модельерами из числа коренных американцев, представившимися на мероприятии в Манхэттене. Они вместе устроили шоу в Mercedes-Benz. Неделя моды в Нью-Йорке в 2009,[72] хотя работа Ортиса в целом известна как более передовая и известна включением цветов, форм и символов из керамики в его модный дизайн.[70] Анжела ДеМонтиньи (Чиппева-Кри-Métis ) юго-западной Онтарио, канадский дизайнер из первых наций, также придерживался классических традиционных линий, с оригинальными элементами из кожи и замши, а затем перешел на украшения и аксессуары.[73][74]

В 1991 г. Д’Арси Дж. Мозес (Пехдзе Ки ), чьи смелые цвета и дизайн с изображением бобрового меха и других мехов продавались в элитных розничных магазинах, таких как Холт Ренфрю, Нейман Маркус и Saks Fifth Avenue, подписали контракт с Советом по меху Канады, чтобы помочь им улучшить свой имидж, вызвав гнев у анти-мех активисты. Хотя контракт приносил стабильный доход, полемика отвлекала его от работы.[75][76] Среди других местных дизайнеров той эпохи были мастера-ткачи. Маргарет Роуч Уиллер (Чокто -Чикасо ), получившие степень магистра искусств в Питтсбургский государственный университет в Канзасе, под опекой Марджори Шик;[52][77] Шон МакКормик (Метис), который начал проектировать обувь в начале 90-х и в 2008 г. Манитоба Муклукс;[73][78] и Вирджиния Яззи Балленджер (Навахо), новый мексиканский дизайнер,[52][79] наиболее известна своей «рифленой юбкой от метлы и соответствующей бархатной блузкой».[80] Основание Aresta LaRusso Дизайн Deerwater в Флагстафф в 1994 году представлены изделия из традиционных шелковых или шерстяных тканей и кожи оленя или лося. Чтобы обновить свой современный узор, она использовала шкуру зебры и импалы, украшенную бисером, бахромой и серебром.[81][82]

Венди Понка, одна из лидеров авангардной группы, покинула IAIA в 1993 году. После того, как ее сменил Жемчужный восход (Навахо), известный ткач, программа обучения моде в IAIA была упразднена в 1995 году.[83] тем не менее, тенденция к созданию произведений высокой моды отечественных дизайнеров росла.[84] Среди студентов Понка в IAIA в 1990-х годах были дизайнеры Пилар Агойо (Окай Овингех Пуэбло -Кочити Пуэбло -Кева Пуэбло ), который работал над костюмами для нескольких фильмов, в том числе Индиана Джонс и Королевство хрустального черепа (2008) и Мстители (2012),[85] и Патрисия Майклс (Таос Пуэбло ), который занял второе место в 11 сезоне Подиум проекта.[86] Ее женский пиджак озаглавлен «Выветрившийся текст: военачальник Таоса не нарушит границы». получил награду Best of Class в категории текстиля на индийском рынке Санта-Фе в 2010 году.[41] Еще одна ученица Понки, Бренда Вани (Команчи ), разработала собственную линию Com-N-Achaс модным передовым дизайном. Ее работы были представлены в 2003 году на выставке Грэмми Праздничная вечеринка.[67][87] Тазба Гауссойн (Пикурис Пуэбло -Навахо), Консуэло Паскуаль (навахо-майя ) и Роуз Бин Симпсон (Санта-Клара Пуэбло) были другими студентами Понка, которые начали делать имя в модных кругах в 1990-х годах.[88]

С 1995 г. Канадский фестиваль аборигенов (CANAB) провел показ мод Первые нации дизайнеров. Дэйв Джонс (Садовая река Оджибве ), начал проводить ежегодный показ мод для конкурса Canadian Aboriginal Music Awards (CAMA) в 2001 году.[89][90] К 2008 году на фестивале CANAB было шесть показов мод, а также стенды, в которых дизайнеры могли выставлять свои изделия.[91] В 1998 г. Денверский художественный музей прошел показ мод, Индийский шик с работами Дороти Грант, Венди Понка и Маргарет Роуч Уиллер. Это был первый раз, когда крупный музей продемонстрировал произведения из своей коллекции одежды коренных народов, обозначив их как «модные».[92] Среди других коренных дизайнеров 2000-х годов Орландо Дуги (Навахо), Даллин Мэйби (Северный Арапахо -Сенека ), Конни Гауссойн (Навахо-Пикурис Пуэбло ), уличный стиль Дуглас Майлз скейтбордов Apache (Сан-Карлос-Апач -Акимел О'одхам ) и обувь на заказ Луи Гонг (Nooksack -Squamish ).[93] Дуги - самоучка моды, он учится шить, измерять и создавать выкройки из онлайн-ресурсов.[94] Джейми Окума (Луисеньо -Шошон-Баннок ), другой художник-самоучка, стал самым молодым человеком, получившим награду Best of Show на индийском рынке Санта-Фе в 2000 году.[95][96][97]

С начала 21 века наблюдается возрождение Латинская Америка для авторского дизайна. Тенденция заключалась в сотрудничестве с коренными общинами ремесленники для создания тканей для неродных дизайнеров.[98][99][100][101][102] Во многих странах наследие коренных народов рассматривается как часть национальной самобытности, и мало кто признавал, что элементы дизайна, используемые и измененные дизайнерами, не принадлежащими к коренным народам, являются частью интеллектуальной собственности общин коренных народов. Дизайнеры часто использовали остатки ткани или вырезали вышивку на одном предмете одежды, чтобы использовать его на другом. Имитации местных узоров заказывались на рынках труда в Азии. После 2010 года тенденция начала меняться с постепенным осознанием того, что следует уважать оригинальные образцы и дизайнеры коренных народов.[26] Одним из новаторов этого периода был Франклин Джанета (Пуруха ), из Риобамба, Эквадор, который начал работать вышивка был ремесленником в детстве, а в 2000 году открыл Vispu, магазин по продаже его дизайнов. Изменив традиционные стили одежды, он изменил такие компоненты, как декольте и длина рукава для создания более современной моды.[103] Примерно в то же время Элиана Пако Паредес (аймара ) Боливии начали разрабатывать моду на основе традиционных костюмов холиты, используя шерсть или Агуайо ткани, но сплавив их с кружевом или шелком и украсив стразами и пайетками. В 2016 году после показа своих работ на Боливийской неделе моды ее пригласили участвовать в Неделе моды в Нью-Йорке.[104]

В 2005 году IAIA при поддержке Фонд В. К. Келлогга, спонсируемый Tribal Fusions, как межкультурный модный проект, объединяющий дизайнеров из Африки с Маркусом Амерманом, Дороти Грант, Патрисией Майклс и Вирджинией Яззи Балленджер для ежегодного показа мод на Индийском рынке Санта-Фе. Это была уникальная возможность для дизайнеров из различных коренных народов поделиться проектами и методами расширения экономических возможностей.[105] В 2009, Джессика Меткалф (Чиппева ), ученая, получившая докторскую степень в Университете Аризоны, создала модную блог называется "За пределами оленьей кожи".[106] Меткалф использовал блог для продвижения дизайнеров коренных американцев, чтобы говорить о том, как они вписываются в популярную культуру, а также для привлечения компаний к ответственности, когда они пытались перенять культуру коренных народов.[95] В следующем году Патрисия Майклс сформировала НЕЗАБРОСОВАННЫЙ Альянс, чтобы гарантировать, что модельеры коренных американцев были представлены на Неделя моды в Нью-Йорке.[107] Как и в случае с Native Uprising, основанным двумя десятилетиями ранее, коллектив дизайнеров стремился совместными усилиями улучшить участие художников из числа коренных народов.[108]

2011 и далее

Показ мод 2014 на индийском рынке Санта-Фе

Поскольку дизайнеры коренных американцев признали, что маркетинг только для коренных народов ограничивает их бизнес, они все чаще создавали одежду, основанную на их культурном наследии, но адаптированную для обращения к более широкой эстетике. Ранние дизайнеры имели тенденцию подходить к моде с паниндийской точки зрения, но современные дизайнеры коренных народов часто «остаются в пределах своих традиционных племенных или региональных техник одежды».[109] В 2012 году Келли Холмс (Река Шайенн Лакота ), бывшая модель, основала Родной Макс, "первый индейский журнал о моде".[5] Джессика Меткалф (Чиппева Черепаха ), который написал блог "Beyond Buckskin", открыл модный бутик в Гардена, Северная Дакота в том же году.[106] Меткалф вместе с фотографом Энтони Тошем Коллинзом и дизайнером Бетани Желтохвост (Северный Шайенн -ворона ) создал сборник мод под названием Лукбук Beyond Buckskin который, по ее словам, является "первым сборником современной моды коренных народов, созданным исключительно коренными народами".[95][110]

В Эквадор, Люсия Гильин (Пуруха ) запущен Чуранды в 2012 году были представлены стили одежды коренных жителей Анд с современными модификациями. Ее линии одежды расширились за счет блузок, курток и шорт с вышивкой и цветами, типичными для этого региона.[111] В том же году Сиса Морочо (Пуруха) также открыла свою дизайнерскую компанию. Сумак Чурай в Кито, после изучения моды в Институте Аны Маколиф. Смерть отца побудила ее оставить семейный головной бизнес и начать самостоятельное развитие. Используя мотивы культуры Пуруха и украшая их бисером, вышивкой и пайетками на ярких тканях, она сначала продавала блузки, а затем стала известна своими платьями. В 2015 году Марочо смогла открыть второй магазин с ее дизайном в Риобамбе.[112][113] В 2013, Виктория Какуктинник (Инуиты) основаны Арктическая мода Виктории продавать свои проекты. Она создает зимнюю одежду из меха и кожи, в том числе повязки на голову, куртки, перчатки и парки, выполненные из тюленьей кожи, декорированные лисьими манжетами и вышивкой.[114][115] В 2015 году Какуктинник получил награду «Бизнес года» на ежегодной торговой выставке в Нунавуте.[116]

Итальянская дизайнерская фирма, Ermenegildo Zegna, в 2016 году открыла институт моды в г. Azcapotzalco окрестности Мехико с целью обучения женщин из числа коренных народов методам дизайна. Зачисленные студенты были членами Mazahua, Науа, Отоми, Purépecha, Triqui и Целталь этнические группы. Обучение, которое прошли женщины, было сосредоточено на портняжное дело методы, а не элементы местного дизайна, чтобы позволить женщинам перейти от ремесел к рынку высокой моды.[117] В том же году Нала Питер (инуиты) начала производить бюстгальтеры из тюленьей кожи и трусики по предложению своего партнера, продвигала их в Интернете и была приглашена к участию в Floe Edge: современное искусство и коллаборации выставка в Нунавут. Еще одним участником выставки была Николь Кэмпхауг (инуиты), которая создает обувь из тюленьей кожи и меха, а также вампиры.[118][114]

В 2016 году крупная передвижная выставка Native Fashion Now, посетившая места проведения Музей Пибоди Эссекс в Салем, Массачусетс, к Музей искусств Филбрука в Талса, Оклахома, в Портлендский художественный музей в Орегоне Смитсоновский институт с Национальный музей американских индейцев в Манхэттен, обратить внимание на современную моду коренных американцев. На выставке представлены модели 75 модельеров со всей Канады и США, а также широкий спектр стилей и дизайнов из разных культур, таких как Alano Edzerza (Tahltan Nation ), Майя Стюарт (Чикасо-Маскоги-Чокто) и Бетани Желтохвост (Северный Шайенн-Ворона) и другие.[5][119] Бекки Биттерноуз (Джордж Гордон), которая создает куртки и пальто из одеял Pendleton, была представлена ​​на Неделе моды в Нью-Йорке 2016.[120]

Показ современной индейской моды на индейском рынке Санта-Фе в 2015 году.
Показ современной индейской моды на индейском рынке Санта-Фе в 2015 году.

Ванкувер в 2017 году прошла первая неделя моды коренных народов, в которой были представлены дизайны от многочисленных дизайнеров коренных народов, в том числе Шо Шо Эскиро [97] (Каска Дена -Cree), известная тщательно декорированными платьями, украшенными мехом, бобровым хвостом, кожей лосося, перьями и ракушками в сочетании с золотой отделкой; Эван Дюшарм (Métis), чья работа сосредоточена на устойчивом и экологичном дизайне[121] и включает элементы Métis, такие как узловатые ремни, основанные на технике рыболовных сетей;[122] Дженин Фрей Нджотли (Вунтут Гвичин ), которая представила коллекцию в инновационном дизайне с использованием меха и кожи; Autum Jules (Тлинкит ), известная тем, что использовала текстуры и цвет, чтобы отразить связь между людьми и землей; Тайлер-Алан Джейкобс, (Squamish ), чей дизайн отражает его личность как двупухлый художник; и Алано Эдзерза (Талтан ), известного как мультимедийный художник, чьи работы включают трафаретные изображения иконографии коренных народов на своей одежде.[121] Джилл Сета (Юнесит'ин ) приняла участие в мероприятии в Ванкувере, продемонстрировав свои работы на Оксфордской неделе моды и Неделя моды в Париже.[122] Тишина Буффало (Джордж Гордон ), который живет в Альберта, Канада, был приглашен к участию в Неделя моды в Лондоне в 2017 году, чтобы продемонстрировать свои инновационные разработки, в которых часто используются Одеяла Pendleton и украшены вышивкой бисером и цветочными узорами кри.[123] Хелен Оро, (Пеликан Лейк ), который занимается дизайном модных аксессуаров, также принял участие в мероприятии. Оро, нашедший сужение церемониальных украшений из бисера, добавляет вышивки бисером на очки, повязки на голову и т.д. каблуки и создает ювелирные украшения.[123][124][125]

Известные индейские модельеры

Тэмми Бове - разработал плащ, подаренный Мишель Обама к Софи Грегуар-Трюдо.

Тишина Буффало - включает дизайн Кри

Элиана Пако Паредес - модельер аймара

Полемика

На женщине слева - «платье скво».
На женщине слева - «платье скво».

Компании и частные лица, не принадлежащие к коренным народам, пытались использовать мотивы и названия коренных американцев в дизайне своей одежды.[126] Еще в 1940-х годах дизайнеры Anglo в США разработали одно- и двухкомпонентные платья под названием "скво платья."[127] Эти наряды были основаны на мексиканских юбках и юбках навахо и на платьях лагеря западных апачей.[128] Платья, также известные как платья Fiesta, Kachina, Tohono или Patio, «олицетворяли идеализированную женственность и американскость из-за своего индейского происхождения».[128] Эти платья, сознательно соответствующие стилю коренных народов, считались «модной сенсацией» того времени, согласно Аризона Дейли Стар.[129] Стиль навахо, который повлиял на создание платьев скво, сам по себе был адаптацией европейских стилей женщинами навахо.[130] Лиф платья Squaw заимствован из стилей западных апачей и Тохоно О'одхам.[131] Платья скво были популярны в США около 20 лет.[132] Первоначальный «дизайнер» платья Squaw Dress был Долорес Гонсалес Тусон, Аризона.[132] Сама Гонсалес сказала о своих платьях: «Я не создавала их, я поднимала их. Индийские женщины уже носили их».[133] Среди других людей, участвовавших в продвижении и работе над дизайном, были дизайнеры. Селе Петерсон и Джордж Файн.[132]

Городские экипировщики в 2011 году создал коллекцию под названием «Навахо», в которой представлены нижнее белье, головные уборы и другие предметы искусства, основанные на традиционных Коврики навахо. В Навахо в ответ они запретили употреблять слово «навахо».[126] Поп-группа Без сомнения выпустила видео 2012 года со стереотипными изображениями Американская граница и закончил тем, что вытащил видео и принес извинения.[134][135] секреты Виктории в том же году одели модель в бикини в стиле туземцев и в гигантский военный головной убор на показе мод.[136] Victoria's Secret снова обвинили в культурном присвоении на их показе мод 2017 года, на котором были представлены наряды, вдохновленные традиционной модой коренных народов.[137]

В 2017 году парижский дизайнер Christian Louboutin вызвали критику за оплату Юкатек майя Ремесленникам всего 238 песо (около 13 долларов США) каждая за сумки, которые он продал примерно за 28 000 песо (что эквивалентно 1550 долларам США). Споры разгорелись, когда активисты обвинили Лабутена в эксплуатации ремесленников. Он заплатил за все материалы и заплатил рабочим 478 песо в день за 6 часов работы, что сопоставимо со средней зарплатой в Мексике в районе 80 песо за 8 часов работы в день. Ремесленники были благодарны за работу и полученные деньги, но фирма Лабутена убрала страницу, рекламирующую сумки, со своего сайта.[138][139] В том же году перуанская текстильная компания Kuna отозвала коллекцию после жалоб на то, что компания незаконно присвоила кене дизайны из Шипибо-конибо люди. Мотивированные споры Конгрессмен Таня Париона Таркви принять законодательство по защите культурного наследия и символов коренных народов Перу.[140]

Еще одна проблема, связанная с модой коренных американцев, - это стереотипный представление одежды коренных народов в средствах массовой информации.[141] Коренные американцы чаще всего изображаются в историческом контексте в традиционной одежде.[141]

Смотрите также

Рекомендации

Цитаты

  1. ^ "Совет Индии по искусству и ремеслам: Закон об индийском искусстве и ремеслах 1990 года". 2006-09-25. Архивировано из оригинал на 2006-09-25. Получено 2018-01-17.
  2. ^ Меткалф 2010 С. 66–67.
  3. ^ "Native Fashion Now | Национальный музей американских индейцев". americanindian.si.edu. Получено 2019-07-23.
  4. ^ «Прошедшие выставки | Музей индийского искусства и культуры | Санта-Фе, Нью-Мексико». miaclab.org. Получено 2019-07-23.
  5. ^ а б c d Либер 2016.
  6. ^ Мейсон, Патрик, Л., изд. (2013). «Суверенитет и общины американских индейцев». Энциклопедия расы и расизма. Справочник Macmillan USA. С. 93–96.
  7. ^ Коллинз, Кэри С. (осень 2003 г.). «Искусство, созданное по образу красного человека». Исторический обзор Нью-Мексико. 78 (4): 439–470.
  8. ^ Меткалф 2010 С. 66–68.
  9. ^ Меткалф 2010, п. 69.
  10. ^ Меткалф 2010 С. 80–81.
  11. ^ Меткалф 2010, п. 82.
  12. ^ Меткалф 2010, п. 84.
  13. ^ Меткалф 2010, п. 85-86.
  14. ^ Меткалф 2010, п. 87.
  15. ^ Меткалф 2010, п. 89.
  16. ^ Меткалф 2010, п. 91.
  17. ^ Меткалф 2010 С. 37, 96–97.
  18. ^ Меткалф 2010, п. 102.
  19. ^ Меткалф 2010 С. 108, 113.
  20. ^ Меткалф 2010 С. 132–133.
  21. ^ Меткалф 2010, п. 133.
  22. ^ Меткалф 2010, п. 136.
  23. ^ Меткалф 2010 С. 155–156.
  24. ^ Меткалф 2010 С. 139–140.
  25. ^ Меткалф 2010, п. 147.
  26. ^ а б Гомес 2011.
  27. ^ Мартинес 2014.
  28. ^ Кемч 2017.
  29. ^ Эль Диарио де Чиуауа 2017.
  30. ^ Мэнсфилд 1990.
  31. ^ Меткалф 2012a.
  32. ^ Индурский 2017.
  33. ^ а б Меткалф 2010, п. 199.
  34. ^ Миссулианец 1973, п. 5.
  35. ^ Дейли Интер Лейк 1977, п. 14.
  36. ^ Меткалф 2010, п. 214.
  37. ^ Меткалф 2010, п. 216.
  38. ^ Меткалф 2010, п. 151.
  39. ^ Коричневый 2016.
  40. ^ Меткалф 2010, п. 152.
  41. ^ а б Меткалф 2012b, п. 86.
  42. ^ а б Меткалф 2010, п. 159.
  43. ^ Меткалф 2010 С. 161–162.
  44. ^ Меткалф 2010, п. 160.
  45. ^ Меткалф 2010, п. 160-161.
  46. ^ а б c Меткалф 2010, п. 165.
  47. ^ Меткалф 2010, п. 169.
  48. ^ Хейвуд 2015.
  49. ^ Меткалф 2010 С. 177–179.
  50. ^ Меткалф 2010 С. 180, 258.
  51. ^ Меткалф 2010, п. 163.
  52. ^ а б c d Меткалф 2013, п. Z042.
  53. ^ Шмитт 2016 С. 126–128.
  54. ^ Меткалф 2010, п. 217.
  55. ^ Меткалф 2010, п. 218.
  56. ^ Меткалф 2010 С. 228–229.
  57. ^ а б Меткалф 2010, п. 228.
  58. ^ Leighty 1986.
  59. ^ Меткалф 2010, п. 233.
  60. ^ Серебряных дел мастеров 2013.
  61. ^ Уокер 2013.
  62. ^ Меткалф 2010, п. 230.
  63. ^ Меткалф 2010 С. 231–232.
  64. ^ Baca 1999 С. 52–53.
  65. ^ Меткалф 2010, п. 16.
  66. ^ Уды 2015.
  67. ^ а б c d Меткалф 2010, п. 242.
  68. ^ Финни 2005.
  69. ^ Дирчайлд 2016.
  70. ^ а б Меткалф 2013, п. Z043.
  71. ^ Лопес 2007, п. Z074.
  72. ^ Меткалф 2012b, п. 84.
  73. ^ а б Сокол 2009.
  74. ^ Журнал West of the City 2016.
  75. ^ Буш 2015.
  76. ^ Надо 2005, п. 186.
  77. ^ Монахи 2016 С. 72–73.
  78. ^ Синополи 2015.
  79. ^ Хардин-Буррола, Сарат и Роузбро 2017, п. 122.
  80. ^ Меткалф 2010, п. 237.
  81. ^ Рид 1999, стр. 31,35.
  82. ^ Республика Аризона 2002, п. 78.
  83. ^ Меткалф 2010 С. 188, 242.
  84. ^ Меткалф 2010, п. 190.
  85. ^ Авила 2015.
  86. ^ Ливингстон 2013.
  87. ^ Бегли 2003.
  88. ^ Меткалф 2010, п. 246.
  89. ^ Уилмотт 2016, п. 187.
  90. ^ Дурнан 2013.
  91. ^ Уиллмотт 2016, п. 188.
  92. ^ Меткалф 2010, п. 243.
  93. ^ Меткалф 2012b, п. 85.
  94. ^ Беннет-Бегай 2015, п. 95.
  95. ^ а б c Гринберг 2013.
  96. ^ Indyke 2001.
  97. ^ а б «Лучшие из лучших в моде коренных народов Америки попали на подиум в Санта-Фе [30 фото] - сеть индийских СМИ». indiancountrymedianetwork.com. Получено 2018-01-17.
  98. ^ Аконча 2014.
  99. ^ Ресник 2016.
  100. ^ Кастелланос Усильи 2016.
  101. ^ Кампос Л. 2016.
  102. ^ Контакты Хой 2017.
  103. ^ Эль-Телеграфо 2017.
  104. ^ Prensa Libre 2016.
  105. ^ Меткалф 2010, п. 258.
  106. ^ а б Росс 2017.
  107. ^ Меткалф 2010, п. 263.
  108. ^ Меткалф 2010, п. 339.
  109. ^ Меткалф 2010, п. 354.
  110. ^ Паниог, Тара. «Познакомьтесь с Бетани Йеллоутейл, модельером из числа коренных американцев, которая вдохновляет целое поколение женщин». latimes.com. Получено 2018-01-17.
  111. ^ Альварадо 2015.
  112. ^ Маркес 2017.
  113. ^ Мендьета Т. 2017.
  114. ^ а б Индийская страна сегодня 2017.
  115. ^ Тамото 2013.
  116. ^ Зерехи 2016.
  117. ^ Эрнандес 2016.
  118. ^ МакКью 2016.
  119. ^ Лефевр 2016, п. 20.
  120. ^ Латимер 2016.
  121. ^ а б Колли 2017.
  122. ^ а б Наранг 2017.
  123. ^ а б Белл 2017.
  124. ^ Маттерн 2018.
  125. ^ Джеймс 2017.
  126. ^ а б Гилгер 2011.
  127. ^ Парезо и Джонс 2009, п. 374-375.
  128. ^ а б Парезо и Джонс 2009, п. 375.
  129. ^ Рот, Берни (1954-10-17). "Даже Мэми из Айка носит платья Squaw из магазина Долорес". Аризона Дейли Стар. п. 20. Получено 2018-01-17 - через Newspapers.com.
  130. ^ Парезо и Джонс 2009, п. 384.
  131. ^ Парезо и Джонс 2009, п. 385.
  132. ^ а б c Водитель, Мэгги (21 апреля 2016 г.). «Платье скво: неоднозначная, но уникальная история моды Тусона». Новости Аризоны Сонора. Получено 2018-01-17.
  133. ^ Генри, Бонни (1995-02-23). "Диор пустыни". Аризона Дейли Стар. п. 29. Получено 2018-01-17 - через Newspapers.com.
  134. ^ Гринберг 2014.
  135. ^ Синха-Рой 2012.
  136. ^ Бхасин 2015.
  137. ^ Матера 2017.
  138. ^ Эскобар и Родригес 2017.
  139. ^ Фрегосо 2017.
  140. ^ La Vanguardia 2017.
  141. ^ а б Leavitt et al. 2015 г., п. 40.

Библиография