Французская скульптура - French sculpture

Французская скульптура
Vierge à l'Enfant (Компьень, 1267) 2.jpg
02 Базилика Сен-Мари-Мадлен де Везеле - Tympan.jpg
Мыслитель, Родин.jpg
Людовик XIV Антуан Койсеvox.jpg
Аристид Майоль в ночное время 1902-1.jpg

Французская скульптура со времен средневековья является оригинальной и влиятельной составляющей мирового искусства. Первые известные французские скульптуры относятся к Верхний палеолит возраст. Французская скульптура изначально копировала древнеримские образцы, затем нашла свою первозданную форму в убранстве Готическая архитектура. Французские скульпторы создали важные работы Барочная скульптура для украшения Версальский Дворец. В 19 веке скульпторы Огюст Роден и Эдгар Дега создали более индивидуальный и нереалистичный стиль, что привело к модернизм в 20 веке, а скульптура Пабло Пикассо, Жорж Брак, Марсель Дюшан и Жан Арп.

Предыстория

Самые ранние бесспорные образцы скульптуры относятся к Ориньякская культура, который был расположен в Европе и Юго-Западной Азии и действовал в начале Верхний палеолит. А также производит некоторые из самых ранних известных пещерное искусство люди этой культуры разработали искусно обработанные каменные орудия труда, изготовили кулоны, браслеты, бусы из слоновой кости и костяные флейты, а также трехмерные фигурки.[1][2]

Две из самых больших доисторических скульптур можно найти на Пещеры Тюк д'Одобер во Франции, где около 12–17000 лет назад скульптор использовал похожий на шпатель каменный инструмент и пальцы, чтобы слепить пару больших бизонов из глины на фоне известняковой скалы.[3]

Человеческие формы и животные были обычным явлением в ранней скульптуре, часто в виде барельефа. Фигуры выражали эмоции и часто искажались; формы женщин часто были странно тучными. В Венера Лаусельская является одним из самых ранних примеров.[4] С началом Мезолит количество фигурной скульптуры уменьшилось, и преобладали животные, выражающие подвижность и энергию.[4] В период более позднего мезолита скульптура стала менее реалистичной и обратилась к абстрактным декоративным формам, которые продолжались в бронзовом и железном веках. Приход кельтов, лигуров и иберийцев радикально не изменил стиль. Человеческие формы обычно были вырезаны просто как стилизованные силуэты. На побережье Средиземного моря скульпторы создавали фризы с изображением воинов и различных божеств, сидящих со скрещенными ногами.[4]

Галло-римский и каролингский

Римское завоевание Галлии наложило римский стиль с реализмом и прославлением величия и силы. Галло-римский скульпторы Галлии изменили римский стиль, сделав его более изысканным и индивидуальным. Скульптура процветала в виде статуэток, бронзовых ваз, предметов бытовой и религиозной тематики. Ранний христианский символизм вскоре появился в скульптурных произведениях, таких как саркофаги, но в значительной степени не одобрялся церковными руководителями, опасавшимися возвращения к поклонению идолам.[5]

Галльская скульптура показала влияние не только римской скульптуры, но и эллинской скульптуры из мастерских в центральной Италии. Характерным примером является статуя Медеи в Музее Арль, с I века.[6]

Вторжение в Римскую Галлию бургундов, кельтов, вестготов замедлило развитие скульптуры за пределами традиционных декоративных элементов. Возраст Карл Великий вернули искусству определенный престиж, но скульптура не была оригинальной или искусной, и после смерти Карла Великого небольшая важная скульптура появилась до правления Капетинг династия (987–1328)[5]

  • Рельеф римлян в бою, Мавзолей Юлиев, Glanum (Провинция Сен-Реми), 35-25 г. до н. Э.

  • Статуя Медея, известняк, II век нашей эры, Музей антиквариата, Арль

  • А Галло-римский саркофаг из Риньье-ле-Фран, Айн (конец 4 века)

Романская скульптура

Под Династия капетингов Королевство Франция постепенно вернулось к спокойствию, стабильности и процветанию. Реформа церкви и основание новых религиозных орденов привели к важным заповедям для скульптур, особенно для новых Cluny Abbey (1088–1108) бенедиктинского ордена. Другие аббатства по всей Франции имитировали использование скульптурного декора.

Самые ранние скульптурные украшения на алтарях и внутренних поверхностях церквей, на перемычках, над дверными проемами и особенно на капителях колонн, которые обычно украшались изображениями библейских фигур и реальных или мифических животных. Большая часть работы была почти плоской, с небольшой попыткой реализма. Некоторые из самых ранних романских скульптур во Франции находятся в Аббатство Сен-Жени-де-Фонтен (1019–1020) в восточных Пиренеях. Перемычка над дверным проемом изображает Христа на троне в раме, поддерживаемой двумя ангелами и окруженной апостолами. Формы апостолов определяются формами арок, в которые они втиснуты. [7] Этот дизайн «Христа в величии» над центральным дверным проемом стал обычным явлением для церквей и соборов по всей Франции в период романской готики. [8]

В более поздний романский период скульптура часто использовалась в самых важных точках, таких как фасады, чтобы подчеркнуть линии структуры. В нем часто используются геометрические узоры (круги, квадраты, треугольники). Помещения были заполнены фигурами, которые часто искажались так, что казалось, будто они танцуют. Скульптура была наиболее обильной на капителях колонн и на порталах, где она использовалась для представления очень сложных и обширных библейских историй. Скульпторы также изобразили большое количество животных, как реальных, так и воображаемых, в том числе химеры, сирены, львы и множество монстров. Воображение обычно преобладало над реализмом.[9]

Юго-запад Франции, около Тулуза, имел особый стиль, более яркий и активный, чем северный. Замечательная группа романской скульптуры обнаружена в убранстве Базилика Сен-Сернен, Тулуза в Тулуза, датируемые концом 11 - началом 12 века. Фигуры намного более реалистичны и умело используют тени и свет, чтобы выделить детали. Одна из самых ярких работ - алтарный стол, подписанный его скульптором Бернардом Гельдвином. Он также сделал семь скульптурных рельефов, найденных в амбулатории собора.[7]

Другие замечательные образцы романской скульптуры находятся на тимпане и капителях колонн монастыря Аббатство Муассак в Мосаке, Тарне и Гаронне и колоннах церкви аббатства Сен-Мари}} в Souillac в Лот отдел. Скульпторы из Бургундии также создали отличительные работы для украшения церквей, особенно для Сен-Филибер де Турню Аббатство (около 1100 г.). Typanum of Аббатство Везеле, паломническая церковь, освященная Папой в 1132 году, демонстрирует состояние романской скульптуры в конце романского и начале готического периода. [7]

Готическая скульптура

В начале XII века во Франции началось обновление скульптурных стилей. В мирные годы уровень рождаемости сильно вырос, и потребовались церкви и соборы большего размера. Собор заменил аббатство как главное религиозное учреждение, а епископ заменил аббата как основную фигуру, определяющую художественный стиль. Внутренние помещения церквей были выше, с большими окнами и залиты светом, что требовало создания иной скульптуры. Экстерьеры также были намного выше, и скульптуры нужно было видеть и читать снизу. Скульпторы отказались от экзотической листвы, заимствованной из более ранних скульптурных стилей, таких как акант и пальметто, в пользу более местных форм, таких как узор виноградных листьев и дубовых листьев. Человеческие формы больше не искажались и не подвергались пыткам, чтобы соответствовать пространству; они приобрели более естественный вид. Ожидалось, что скульптура будет книгой, написанной на камне, для чтения верующими. Аббат Сугер, который руководил строительством первого готического аббатства в Сен-Дени, заметил: «Искусство направляет человеческие души, используя материальные вещи, чтобы достичь нематериального». Одним из готических скульптурных новшеств, заимствованных у древних греков, была колонна в форме человеческой фигуры, другим было использование скульптуры различных мифических существ, таких как горгулья и химера, чтобы предупредить верующих об опасностях за пределами церкви. (Горгульи также нашли практическое применение в отводе дождевой воды от стен.)[10]

эпоха Возрождения

В 14 веке археологические раскопки в Риме и Флоренции привели к повторному открытию классической скульптуры и началу Возрождения. Небольшие бронзовые модели классических работ были импортированы и проданы богатым французским покровителям, и французские художники начали посещать Италию, чтобы увидеть своими глазами. Карл VIII привез в Париж художников из Неаполя и Флоренции. Людовик XII работали итальянские скульпторы. Франциск I приглашен Леонардо да Винчи, Франческо Приматиччо и Бенвенуто Челлини работать во Франции. Они сформировали новый стиль и художественную школу, Школа Фонтенбло, для украшения его замка. Он отправил Приматиччо обратно в Италию за слепками для классической скульптуры; он вернулся со 133 ящиками скульптур. Несмотря на этот итальянский конкурс, самые известные французские скульпторы, в том числе Лижье Ришье и Мишель Коломб, продолжал работать в традиционном готическом стиле, особенно в скульптуре надгробий. Мишель Коломб сделал элегантный Могила Франциска II, герцога Бретани (1502–07) со статуей его дочери, Анна Бретонская, так как Благоразумие рядом с ним. Рихье создал особенно готическую скульптуру мученика святого. Трупная гробница Рене Шалонского изображение Рене Шалонский как он выглядел бы через три года после своей смерти, разложившийся труп, держащий в руке собственное сердце.[11]

Первым крупным французским скульптором эпохи Возрождения был Жан Гужон (1510–1565), также известный графический иллюстратор, чьи работы в барельеф прекрасно уловил и утончил итальянский стиль. Он прибыл в Париж в 1544 году и тесно сотрудничал с архитектором. Пьер Леско на украшение Лувр, то Fontaine des Innocents, несколько фигур для фасада Hôtel de Ville, Париж, а также группа барельефов времен года, сделанных для фасада внутреннего двора отеля Жака де Лигери, теперь в Musee Carnavalet в Париже. Гужон был протестантом, и в 1562 году, когда Французские религиозные войны Он уехал из Франции в Италию, где, как полагают, умер в 1563 году.[11]

Другие известные скульпторы французского Возрождения включали Пьер Бонтемпс (1505–1568), сотрудник архитектора Филибер Делорм. Он был главным создателем скульптуры гробницы Франциск I, который продемонстрировал его точное знание анатомии и его способность ярко изображать множество сражений, сцен и личностей на пятидесяти четырех отдельных барельефах вокруг основания гробницы.[11]

Жермен Пилон (1535–1590) был другой важной фигурой. Он был учеником Бонтемпса, яростным сторонником католической стороны в Войны религии и контрреформа. Он также был прекрасным портретистом и изучал анатомию и детали. Среди его основных работ памятник сердцу Генрих II Франции, на основе рисунка Франческо Приматиччо, могилы Генрих II Франции и Екатерина Медичи и множество других религиозных произведений.

Французская скульптура конца 16 века была основана в основном на древнеримских моделях. Бартелеми Приёр был учеником Пилона и королевским скульптором Генрих IV, а Жак Саррацин был придворным скульптором Людовик XIII. Они учились в Риме и копировали римские образцы. Два брата, Франсуа Анже и Мишель Анже, также долгое время учились в Риме. Их работы были очень изысканными и были близки к совершенству в исполнении, но им не хватало оригинальности, эмоциональности и драматизма. Основным стилистическим нововведением во французской скульптуре было введение конной статуи короля верхом на коне, предназначенной для размещения на центральных площадях города. Первым примером была бронзовая конная статуя Генрих IV Франции, с лошадью Жана де Булуна, французского скульптора, нанятого во Флоренции Медичи, а король - Фердинандо Такка, его ученица. Статуя была разрушена во время Французской революции.[12]

XVII век и эпоха Людовика XIV

Правление Людовика XIV (1643-1715) во многом совпало с эпохой Барочная скульптура, но французский король сопротивлялся стилю барокко. Великий мастер барочной скульптуры, Бернини, совершил одну поездку в Париж и раскритиковал работы французских скульпторов как «стиль маленький, грустный и мрачный». Он сделал статую короля, увидел, что его план фасада Лувра отвергнут, и уехал через шесть месяцев. Людовик XIV и его министры вместо этого использовали более классический стиль скульптуры как метод иллюстрации величия короля и его правления. Французский Королевская академия живописи и скульптуры был создан в 1648 году. Студентам было дано в качестве наставника заявление короля: «Я доверяю вам самое дорогое в мире - свою славу». [13] Король запустил один из крупнейших скульптурных проектов в истории - украшение Версальский Дворец и его обширные сады и многочисленные фонтаны. Большинство ведущих французских скульпторов были заняты созданием скульптур для Версаля. Королевский художник Шарль Лебрен назначили предметы, скульпторам модели, они были утверждены королем, и были созданы гипсовые модели в натуральную величину для демонстрации в парке. Через несколько месяцев или лет последние работы были отлиты из бронзы или вырезаны из мрамора.[14]

Крупнейшие скульпторы, украшавшие сады, включали Франсуа Жирардон (1628-1715), Антуан Койсевокс (1640-1720) и Жан-Батист Тюби (1635-1700). Койсейвокс, помимо изготовления фонтанов, изготовил прекрасные портретные бюсты короля и его главных министров. Он также создал скульптуры, изображающие членов двора или дворянство в мифологических костюмах, таких как герцогиня Бургундская, представленная в образе богини охоты Дайан. Почти все крупнейшие скульпторы того периода, включая Койсевокса, Жирардона, Жан-Луи Лемойн (1665-1755), и Эдме Бушардон (1698-1762) также изготавливал монументальные конные статуи короля для королевских площадей в крупных городах, в том числе Place Vendôme и Place des Victoires в Париже.

В более поздние годы правления Людовика XIV войны истощили казну, и большие скульптурные заказы стали редкостью. Король обратил внимание на украшение своего Шато-де-Марли, построенный как более тихое место для отдыха от Версаля. Среди статуй здесь были работы Койсевокса и его учеников, в том числе Николя Кусту и вскоре после его правления известная пара лошадей Гийом Кусту (1739–45), реплики которых теперь украшают начало Елисейские поля.

Среди других известных скульпторов этого периода: Пьер Пюже, из Марселя, одни из лучших скульпторов Французское барокко стиль. Он учился и работал в Риме, и его работы отображали движение и сильные эмоции, а также использовали рисунок змеиный, восходящее спиральное расположение, которое предлагало движение и легкость, что было характерно для скульптуры итальянского барокко. Некоторые примеры, в том числе Персей и Андромеда 1684) и Майло из Кротоне (1682) были помещены в сады Версаля, а сейчас находятся в Лувре.[15]

Восемнадцатый век: неоклассицизм и рококо

Два доминирующих французских скульптора 18 века были Жан-Батист Пигаль и один из его учеников, Жан-Антуан Удон. Пигаль не получил Римской премии, но работал в студии Франсуа Лемойн и отправился в Италию, где сделал свою первую известную работу, Меркьюри надевает кроссовки. Он создал множество натуралистических скульптур, в том числе Любовь и дружба за Мадам Помпадур, и памятник Людовик XV на коне за город Реймс. Он оторвался от холодной формальности классицизма с Могилой маршала. Морис де Сакс По приказу Людовика XV Пигаль изобразил маршала не лежащим на могиле, а очень живым и активным, в окружении символических фигур персонажей и животных, включая знамена, голландскую львицу и английского леопарда, а также фигуру умирающего Геркулеса , символизирующий самого маршала; скульптура была сценой театра, высеченной в камне. Пигаль также создал прекрасные портретные статуи и бюсты, в том числе обнаженную статую Вольтера, выражающую его скромность и человечность.[14]

Портретные бюсты стали чрезвычайно популярными. Жан-Антуан Удон (1714-1785) был учеником Пигаля, специализировался на бюстах, путешествовал по Европе и США, где делал точные бюсты Джордж Вашингтон и Бенджамин Франклин. Он измерял лица своих испытуемых на предмет точности, особенно работая над деталями глаз, чтобы обеспечить реалистичность и яркое выражение. Огюстен Пажу сделал пять разных бюстов Мадам дю Барри,[16]

Правление Людовика XV и покровительство Мадам де Помпадур принес поворот к неоклассицизму. Главные королевские комиссии обычно получали два официальных королевских скульптора, Жан-Луи Лемойн (1665-1755 (, и его сын, Жан-Батист Лемойн, который был одним из лучших портретистов того времени, и Огюстен Пажу, но мадам Помпадур давала заказы новому поколению скульпторов, в том числе Этьен Морис Фальконе и Жак Каффьери. Falconet получил международную известность; его пригласила российская императрица, Екатерина Великая, чтобы сделать монументальную статую Петра Великого на коне, известную как В Медный всадник, и чтобы Пруссия сделать скульптуры для садов Фридрих Великий в Парк Сан-Суси в Потсдам.

К концу 18 века клиентура скульптуры изменилась. Растущий класс банкиров, купцов и других богатых профессионалов искал скульптуру для своих домов. Скульпторы работали в различных средах, в том числе в глазури. фарфор от Севрская мануфактура, которые можно было изготавливать сериями, а также изготавливать бронзовые детали меньшего размера за несколько раз. в том числе многократное литье из бронзы. Крупнейшие скульпторы, в том числе Пигаль и Фальконе, сделали серии для мануфактуры в Севре. Театральный рококо стиль был обычным; Темами небольших произведений обычно были пасторальные, романтические и мифологические сцены с купидонами, пастушками и сатирами, очарованием и легкой чувственностью. Клод Мишель, также известный как Клодион, был мастером этого жанра, работая в основном с терракотой. Он создал многочисленные скульптуры переплетенных между собой нимф, сатиров и вакханок из терракоты.[17]

В французская революция мед на разрушение скульптуры в крупных размерах; конные статуи королей и скульптурные фасады готических соборов были снесены или испорчены. Несколько скульпторов появилось во время правления Наполеона, в том числе Шино, Шоде и Картелье, но их работа была полностью омрачена итальянским скульптором. Антонио Канова в тот же период. Наполеон пригласил Канову в Париж, где Канова сделал полуобнаженную статую Императора в образе Марса, но вскоре он вернулся в Рим и более благодарную публику. [16]

Девятнадцатый век

Первыми крупными фигурами французской скульптуры XIX века были Антуан-Луи Бари (1795-1875) и Франсуа Руд (1784-1855), каждый из которых отошел от классических моделей и идеалов 18 века. Бари был наиболее известен как художник, изображавший животных, которых он изображал с большим реализмом, часто объединяясь в группы с людьми. Его работы включают скульптурное убранство Колонка июля в Площадь Бастилии, и четыре группы на фасаде павильона Denon Лувр (1854 г.). Субъектами Руда были не дворяне, а обычные люди, изображенные реалистично, а не в классических позах. Это появилось в его первой важной скульптуре молодого неаполитанского рыбака-мальчика (1833 г.), а в его самой известной работе: Отъезд волонтеров, (1836 г.), барельеф на базе нового Триумфальная арка, который стал классическим примером движения романтизм. Его портретные бюсты ведущих личностей, таких как Жак-Луи Давид, показал их не идеализированные, а показывающие пик эмоций.[18]

Скульптор Оноре Домье (1808-1879) занял уникальное место в скульптуре XIX века, с серией скульптурных портретов членов французского парламента, которые безжалостно карикатурно изображали и высмеивали их.

Жан-Батист Карпо (1827-1865) был самым выдающимся французским скульптором во время правления Наполеон III, уловив дух Второй Империи. Сначала он учился у Руде, где он изучил точность и натурализм, затем, по предложению Руде, в более традиционной Академии, где он был учеником Барье, он изучил стиль Возрождения Микеланджело и выиграл Римскую премию. Его статуя Уголин, мыслитель вызвал скандал, сделав его известным. Со своим другом архитектором Шарль Гарнье, он выполнил свою самую известную работу по скульптурному убранству фасада Опера Гарнье в Париже, Гений танца, полный страсти и энергии, который шокировал более консервативных парижан. Он также сделал знаменитую работу Флора для фасада Лувра и скульптуры для Fontaine de l'Observatoire, к югу от Люксембургский сад.[18]

Жюль Далу (1838-1902) ученик Карпо, последовавший за ним как выдающийся скульптор-монументальщик, Триумф Республики, (1889 г.) в ознаменование столетия Французской революции, в Place de la Nation.

Эдгар Дега использовал скульптуру как инструмент для своей живописи. Когда он умер, в его мастерской было найдено около ста пятидесяти терракотовых и восковых скульптур танцоров, женщин за туалетным столиком и других предметов. Очевидно, он использовал эти скульптуры и модели для изучения эффектов света. Его скульптуры, часто изящно окрашенные и с тканевыми юбками, передавали грацию, движение и характер танцоров так же тонко, как и его картины.[19]

Самый известный французский скульптор 19 века, Огюст Роден (1840-1917), хотел быть учеником Карпо, но не преуспел, хотя позже он позаимствовал одного из предметов Карпо, Уголин-мыслитель. Он действительно стал учеником Барье, который был его учителем рисования. Его экстраординарные способности к внимательному наблюдению в сочетании с умением использовать свет и выражать эмоции очень быстро сделали его известным, хотя и быстро вызвали критику. подверглись нападкам все его основные общественные работы. Среди его самых известных работ Мыслитель, Бюргеры Кале, и Бальзак. Ко времени Парижской выставки 1900 года у него было так много команд, что он в основном работал моделистом, нанимая большую студию помощников для создания статуй. Он задумал свою знаменитую статую, Мыслитель, в 1881–1882 годах, а в 1904 году представила полноразмерную модель в Салоне изящных искусств. В итоге было отлито 28 отливок статуи.[18] Ближе к концу жизни он сделал еще более влиятельную работу - скульптурный портрет Оноре де Бальзак. Роден был выбран для комиссии писателем Эмиль Золя Роден экспериментировал с множеством различных вариантов костюмов и поз, начиная с 1891 года, и, наконец, решил изобразить не внешность, а дух и мысли Бальзака, преувеличивая его черты. Работа вызвала скандал, когда была представлена ​​в 1898 году, и была отклонена Салоном Национального общества изящных искусств. Подписка покрывала стоимость модели, которая была выставлена ​​на авеню Фридланд в 1902 году. Роден так и не увидел финальную бронзовую версию, которую поставили на пересечении авеню Распай и Монпарнас в 1939 году.[20]

Ученики Родена модифицировали и создавали новые вариации, многие из которых выражали ощущение движения, скорости и изменений, которые ощущались в конце века. Среди этих скульпторов были ученица и возлюбленная Родена. Камилла Клодель (1864-1943).

Двадцатый век - Конец правил

Годы с 1900 по 1914 год были периодом необычных экспериментов в скульптуре, нарушающих все прежние правила и традиции. В Париж стекались художники со всего мира и из французских провинций. Антуан Бурдель (1861-1929) был учеником Родена, чьи работы охватывали два столетия и иллюстрировали переход к новым стилям. Его стилизованные барельефы в Театре на Елисейских полях (1910–12) сочетаются с новыми Арт-деко архитектурный стиль. Среди выдающихся скульпторов начала века Аристид Майоль (1861-1944), который начинал как художник и перешел к скульптуре, он особенно изобразил в естественной и чувственной форме обнаженную женщину. Жермен Рихье (1902-1959), ученик Бурделя, сделал странные гибриды человеческих и животных форм. В ее работе выражалась нервозность и напряжение.[21]

Франсуа Помпон, который работал в студии Родена, унаследовал роль скульптора животных, которую занимал Байр, хотя, в отличие от Байрля, его не интересовал реализм. Он упростил и очистил формы, ища только сущность животного.

Многие крупные художники-модернисты начала 20 века также экспериментировали со скульптурой; они включали Анри Матисс, Андре Дерен, Фернан Леже, Жорж Брак, и другие. У них не было формального образования или опыта работы в качестве скульпторов, и они не следовали ни одному из традиционных правил с большим или меньшим успехом.[21]

Использование новых и необычных материалов было обычным явлением в скульптуре 20-го века. Анри-Жорж Адам сделал очень большие абстрактные работы из бетона, такие как его 22-метровая длина Сигнал в Музее изящных искусств в Гавр.[22]

Самой знаменитой и противоречивой работой ХХ века, вероятно, была Фонтан работа, представленная французским художником на Выставке независимых художников 1917 года в Нью-Йорке. Марсель Дюшан. Это был обычный писсуар, купленный DuChamp и предложенный DuChamp как произведение искусства. Организаторы выставки неохотно приняли его, так как любой скульптор, заплативший гонорар, мог показать свою работу, но она никогда не выставлялась на показ и, как и предполагал Дюшан, вызвала огромный скандал в мире искусства.

Гастон Лашез также, казалось, высмеивал традиции классической скульптуры своими раздутыми обнаженными телами.[23]

Сезар Бальдаччини (1921–1998) был заметным деятелем французской скульптуры второй половины 20 века. Сезар был в авангарде движения Nouveau Réalisme со своими радикальными сжатиями (уплотненные автомобили, выброшенный металл или мусор), расширениями (скульптуры из пенополиуретана) и фантастическими изображениями животных и насекомых.

Другим выдающимся скульптором, работавшим в Париже в 20 веке, был румын Константин Бранкузи, итальянский Амедео Модильяни, Жан Арп, швейцарские Жан Тингуили, и Ники де Сен-Фалль,

Примечания и цитаты

  1. ^ П. Мелларс, Археология и расселение современного человека в Европе: деконструкция ориньякского периода, Эволюционная антропология, т. 15 (2006), стр. 167–82.
  2. ^ де Лаэт, Зигфрид Дж. (1994). История человечества: предыстория и истоки цивилизации. ЮНЕСКО. п. 211. ISBN  978-92-3-102810-6.
  3. ^ Кляйнер, Фред (2009). Искусство Гарднера сквозь века: западная перспектива, том 1. п. 36. ISBN  978-0-495-57360-9.
  4. ^ а б c Жанкола, Скульптура Française, стр. 1
  5. ^ а б Жанкола, Скульптура Française, стр. 2-3
  6. ^ Жорж и Даваль, Жан-Люк, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle (2013), стр. 220
  7. ^ а б c Томан 2015, стр. 258-263.
  8. ^ Жанкола 1992, п. 3-4.
  9. ^ Дучер 1993, п. 42.
  10. ^ Жанкола, Скульптура Française, стр. 4-5
  11. ^ а б c Жанкола, Скульптура Française (1992), стр. 6-8)
  12. ^ Жанкола, Скульптура Française (1992), стр. 7
  13. ^ Жанкола, Скульптура Française (1992), стр. 8)
  14. ^ а б Жанкола, Скульптура Française (1992), стр. 8-10)
  15. ^ Лагранж, Леон, Пьер Пюже - Пейнтр - Скульптор - Décorateur de Vaisseaux Didier et Cie, Париж (1868) (на французском языке)
  16. ^ а б Жанкола, Скульптура Française (1992), стр. 10-11
  17. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (2013) стр. 821-22
  18. ^ а б c Жанкола, Скульптура Française (1992), стр. 11-13)
  19. ^ Жанкола, Французская скульптура (1992), стр.13
  20. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, стр. 944-946
  21. ^ а б Жанкола, Французская скульптура (1992), стр. 11–14
  22. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке (2013), стр. 1046
  23. ^ Жанкола, Французская скульптура (1992), стр.11-14

Библиография

  • Броквьель, Винсент (2017). La Petit Larousse de l'Histoire de l'Art (На французском). Ларусс. ISBN  978-2-03-5936-39-4.
  • Жанкола, Клод (1992). Скульптура Française. Париж: CELIV. ISBN  2-86535-162-9.
  • Гуси, Уве, Разрез барочной скульптуры в L'Art Baroque - Архитектура - Скульптура - Peinture (Французский перевод с немецкого), H.F. Ulmann, Cologne, 2015. (ISBN  978-3-8480-0856-8)
  • Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (Французский перевод с немецкого), Taschen, (2013), (ISBN  978-3-8365-4483-2)
  • Лагранж, Леон, Пьер Пюже - Пейнтр - Скульптор - Décorateur de Vaisseaux Didier et Cie, Париж (1868) (на французском языке)
  • Дучер, Роберт (1998). Caractéristique des Styles (На французском). Фламмарион. ISBN  2-08-011539-1.
  • Эрланд-Бранденбург, Ален (2005). L'art roman- Un défi européen (На французском). Галлимар. ISBN  2-07-030068-4.
  • Миньон, Оливье (2017). Архитектура французского Патримуана - Abbayes, Églises, Cathédrales et Châteaux (На французском). Éditions Ouest-France. ISBN  978-27373-7611-5.
  • Томан, Рольф (2015). L'Art Roman - Архитектура, Скульптура, Peinture (На французском). H.F. Ullmann. ISBN  978-3-8331-1039-9.